Heaven & Hell en Chile: Magistralmente malignos

Francisco Quevedo

El público que asistió el viernes 8 al Movistar Arena fue testigo de un hecho único e inigualable. Heaven & Hell demostró sobre el escenario todos los pergaminos que cargan sobre los hombros de sus cuatro integrantes: Ronnie James Dio, Tommi Iommi, Geezer Butler y Vinny Appice.

"E5150", instrumental del disco “Mob Rules” abrió los fuegos, pasadas las nueve de la noche. No obstante, el sonido no fue el ideal. Los primeros temas se escucharon como si los hubiesen interpretado bajo una piedra en los cuales los instrumentos se atropellaban unos a otros y no alcanzaban una buena ecualización.

Eso quedó atrás a medida que el concierto avanzó y luego fue cosa del pasado porque los Black Sabbath Iommi y Butler sonaron como un tanque de la Segunda Guerra. Azotaron una y otra vez el recinto cada vez que interpretaron una nota. Impecables.

Lo mismo Appice, que pese a no lucirse, es un importante sostenedor de la banda, manteniendo firme el sonido de la muralla que crean los ex Sabbath. Dio sigue cantando como en sus mejores días y no se notan para nada sus 66 años. Dueño del show, es el encargado de animar el circo maligno que crean en cada canción.

La hora y media que duró el espectáculo se pasó rápido, no dio ningún respiro y fue contundente. El setlist no incluyó hits de la época setentera (con Ozzy Osbourne), pero a cambio desplegó los mejores cortes de la agrupación en su etapa posterior.Las canciones de su nuevo trabajo "The devil you know" tuvieron una buen acogida y, además, confirmaron que el tiempo pasa en vano ya que son temas rockeros y pesados, llenos de vida. “Heaven and Hell” del álbum del mismo nombre fue el broche de oro del recital. Una versión largísima que estuvo decorada con solos de guitarra y participación de la gente. Excepcional.

Para una banda de tanto calibre, el tiempo del concierto se hizo poco. Sin embargo, para la edad que tienen es un hecho extraordinario que toquen de tal manera, como si tuviesen 20, tranquilos y sumamente profesionales. Cumplieron con todos los pronósticos y entregaron uno de los shows más contundentes de lo que va del 2009.

Setlist:

01. E5150
02. Mob Rules
03. Children of the Sea
04. I
05. Bible Black
06. Time Machine
07. Drum Solo
08. Fear
09. Falling off the Edge of the World
10. Die Young
11. Follow the Tears
12. Heaven & Hell
13. Country Girl / Neon Knights

La última batalla del Guerrero

Francisco Quevedo

Weichafe dijo adiós. Cerró un capítulo de 11 años de vida y lo archivó hasta nuevo aviso. El 30 de abril de 2009 fue el día elegido para el “hasta nunca”. El Teatro Novedades recibió a la fanaticada que llegó en gran número a apoyar a la banda. Además, el lugar era ideal para una despedida. La onda del teatro fue perfecta para tan emotivo recital.

El show en sí estuvo cargado de energía y momentos memorables. Los invitados fueron sucediéndose dinámicamente y por el escenario pasaron Daniel Robles, voz y bajo de Silencio; Pancho Rojas, voz de Mandrácula; Felipe Toro, guitarrista de El Cruce y Pancho Miranda, vocalista de Triburbana.

Con cada interpretación de Angelo Pierattini, Marcelo Da Venezia y Mauricio Hidalgo el ambiente dentro del mítico teatro crecía en calor y emotividad. Cada interpretación era un peldaño más que escalaba Weichafe hacia su adiós. Poco importaba. La gente vitoreaba constantemente a los músicos y éstos respondían con palabras y halagos.

Los agradecimientos a un público fiel y "argentinizado" en su manera de expresarse también marcaron la pauta. Mensaje políticos claros rugieron con fuerza: “Este es un año complicado. El que vota por Piñera no es un Weichafe” expresó Pierattini. La respuesta del respetable fue ensordecedora.

No se escapó ningún hit, todos tuvieron su espacio y cada uno fue especial. El sonido fue impresionante, una muralla de sonido retumbó con fuerza y Weichafe (que en mapudungún significa “guerrero”) atacó y degolló a cuanta cosa se moviera. Como un guerrero triunfador que entra en su pueblo después de la lucha.

Fue un show histórico. De esos que quedan grabados para siempre. Da la sensación de que no es un ultimátum sino un “hasta pronto”. Hasta que no toleren más y decidan regresar en gloria y majestad tal cual cerraron una etapa de “11 años de rock que se despiden”, como describe el sticker recordatorio del concierto.

*El evento fue grabado por la radio Uno (97.1)

Six Magics, metal sinfónico que sacude a Santiago

Rodrigo Damiani (también en www.ctrlz.cl)

Six Magics es un grupo de powermetal, más conocido como metal sinfónico, formado por Erick Ávila y Gabriel Hidalgo en las guitarras, Mauricio Nader en el bajo, Pablo Stagnaro en la batería y desde hace unos pocos meses por la voz de Elizabeth Vázquez, quien llegó para grabar el tercer disco de estos metaleros nacionales titulado Animal.

Más de alguno debe haber escuchado este disco, el más importante que ha hecho la banda y que tuvo la particularidad de ser desarrollado por David Prater, famoso productor internacional que ha realizado discos de Dream Theater y Lifehouse, entre otros grupos.

La gracia de esta tercera placa es que muestra un cambio en la música del grupo, ya que le dieron un tinte más progresivo a sus canciones, donde el cambio se notó más en las letras. El grupo dio un gran salto en la composición y realización de sus producciones. Es que David Prater no produce a cualquier banda y eso es merito ciento por ciento de los chilenos.

El Metal corre por sus venas

Con doce años de carrera y tres discos producidos, se puede decir que Six Magics ya es una banda consolidada del rock chileno. En el 2002 lanzaron su primer larga duración, llamado “Dead Kings of the Unholly Valley”, que llevó a que sellos europeos se interesaran rápidamente en su música.

Un año después realizaron el primer disco conceptual metalero hecho en Chile, titulado “The Secrets of and island”, cuya temática fue Chiloé, en el que destacan temas como Trauco y Caleuche. Dicho trabajo fue lanzado en la misma isla de Chiloé, recibiendo grandes criticas de los medios especializados de Chile y Europa.

El éxito del disco fue tal que decidieron hacer una gira en vivo, la que está registrada en un DVD llamado “Dead Secrets Live”, el que por razones técnicas se demoró tres años en salir a la venta.
Su última producción, “Animal”, ya se encuentra a la venta en las tiendas especializadas, pese a que su lanzamiento oficial aún no se realiza, pero por mientras, si te interesa conocer lo nuevo de los eximios músicos puedes bajar cuatro temas del del disco desde www.myspace.com/sixmagics.

Teloneros de ilustres

Gracias a que son el grupo chileno más reconocido en su estilo, han tenido la oportunidad de compartir escenario con importantes bandas del género.
Fue así como en el 2000 abrieron el show de Nighwish, para al año siguiente telonear a los italianos de Rhapsody, y a Blind Guardian en el 2002.
Como si fuera poco, el año pasado fueron invitados para abrir la presentación de Tarja Turunen, la diva del metal mundial.

Kurt Cobain, 15 años después

Rodrigo Damiani (también en www.ctrlz.cl)

Kurt Cobain. Líder, compositor y carismático vocalista y guitarrista de Nirvana se caracterizaba por su rostro serio y a la vez cálido, su voz que llegaba a la mente de todos quienes quisieran recibir su música, sus jeans y camisas a cuadros, que sin duda caracterizarían al que sería el último miembro en ingresar al club de los 27(rockstars muertos a esa edad, leer PD al final).

¿En qué andaría el ex líder de Nirvana si estuviera vivo? Esa es una de las interrogantes que primero se vienen a la cabeza cuando uno piensa y recuerda al fallecido Kurt Cobain. ¿Qué opinaría Kurt sobre la piratería, los programas de descarga de música, el popular reguetón, sobre la invasión de Irak, sobre la llegada del primer presidente negro a los Estados Unidos?

La verdad es que esas son preguntas que realmente importan un carajo, ya que lo más seguro es que Cobain estaría rompiéndola por ahí con Nirvana. Pero lo que realmente importa es el aniversario de la muerte del compositor, quien falleció a los 27 años un 5 de abril de 1994 y hoy se celebran los 15 años desde que su cuerpo fuera encontrado sin vida en su casa cerca del Lago Washington.

Diversas son las teorías de la muerte del astro y jamás ha quedado claro quién realmente disparó la escopeta. Ese es un tema que aún no se ha podido resolver, pero al parecer a nadie le importa mucho. Lo que realmente importa es el legado que el vocalista dejó junto a su banda, que si bien no creó el movimiento grunge, puesto que ya existía, sí creó un estilo propio donde mezcló la melancolía con la música rockera, como ningún grupo lo había hecho. Se podría decir que nirvana es la versión pesada y de los 90 de los británicos Pink Floyd.

Nirvana atraía a aquellos a quienes se sentían rechazados por la sociedad y la agrupación norteamericana calzaba perfecto en los jóvenes que vivían excluidos y no tenían en quien apoyarse. Además que supo aprovechar bien el legado de Sonic Youth, la banda que ayudó a Nirvana a hacerse conocida.

Lo que vino después ya es sabido: fama, dinero, millones de discos vendidos y giras multitudinarias, que no lograron que Kurt Cobain superara la depresión y la angustia que día a día se producía en su corazón, y que por supuesto se reflejaba al momento de componer una canción.

Es difícil que vuelva a aparecer una figura rockera como Cobain, que pueda reemplazarlo, muriéndose a los 27 años como lo hicieron otros rockstars como Hendrix, Morrison y Joplin.

Iron Maiden en Chile: Eddie esclavizó Santiago

Renato Zelada

(también en http://www.humonegro.com/)

No pudimos obtener lo que Bruce Dickinson propuso el 9 de Marzo del año pasado, cuando pidió el Estadio Nacional para la próxima presentación de la doncella en nuestro país. Pero sinceramente despues de ver el marco de ayer, seguramente quedo como anecdota, no creo que alguien se vaya a quejar de que no se haya realizado ahí. Más de 60000 hijos del demonio, la mayor convocatoria que una banda de Rock/Metal ha realizado en nuestro país (Disculpenme pero U2, The Police y Rod Stewart no son rock, AC/DC lo es).

Lo de ayer, sinceramente quedó escrito en la historia de nuestro país, la mente de los que asistimos y de los que no fueron. El ambiente que se generó fue pero sencillamente notable, emocionante. Nunca había visto familias, generaciones de abuelos-padres-nietos, matrimonios con sus respectivos retoños en un concierto de tal magnitud. Incluso en la calle divise niños pre-adolescentes estudiando las letras de los temas que iban a tocar para poder corearlos junto al respetable. Todos juntos para disfrutar esta gran celebración de alegría y Rock que es ver a Maiden.

Sobre la producción, los accesos como la callampa. No pueden esperar que más de 60000 almas pasen fluidamente en esos embudos de 5 metros de ancho. La entrada no fue drama ya que la gente llego en distintas horas del día, pero la salida un caós, todos apretados, empujados, un asco. Ahora, vamos al grano.

Witchblade tenía la gran tarea de no repetir el bochorno del que fueron parte 5 años atrás. Con todo el respeto que se merecen, lo del 2004 fue una verguenza. Freddy Alexis y compañía no defraudaron, los cerca de 15000 asistentes que se encontraban como erizos pegados adelante saltaban y cabeceaban con los riffs del ya clasico “The Cradle Of Life”, temón. Los mas o menos 30 minutos que estuvieron arriba del escenario, se les vió mas confiados y con un sonido más pulcro que en presentaciones anteriores. Alexis arovechó la ocasión de apoyar el rock nacional y se pegó el lujo de tirar un ceacheí. Calentaron el ambiente y se llevaron aplausos, cumplieron.

2 minutos antes de las 19:00, salió Lauren Harris. La diferencia entre esta presentación y el año anterior, fué que ahora ya tiene su primera placa Calm Before The Storm bajo el brazo, el año pasado daba a conocer su material, ahora lo promocionaba. Sinceramente, y con la mano en el corazón, todo el mundo la respetó porque es la hija del Jefe. Sino, seguro la abucheaban hasta que se bajara. Mas que calentar el ambiente, hizo que la espera fuera mas larga, esos 30 minutos fueron eternos.

20:58, suenan los acordes del clásico Doctor, Doctor de UFO, el preambulo de que se viene la doncella. La totalidad del Club Hipico, saltando mientras coreaban ese temón, la espera ya había acabado.

Transylvania da la partida al video recopilatorio del viaje de la banda a través de distintos aeropuertos y escenarios a través del mundo (incluía fragmentos de Flight 666). La fiesta ya había empezado... Las palabras de don Winston Churchill “We Shall go on to the end, we shall fight in France...” y el bla bla bla hasta el “We shall never surrunder!” y en buen chileno, quedó la cagá. “Aces High” al igual que el año pasado dio la partida. Lo que dijo la banda de que venían con toda la pirotecnia fue verdad, cayó el telon, explosiones, chispas, Bruce corriendo, Harris disparando, impecable, a pura garganta, fue como gritar un gol en la final.

Wrathchild y 2 Minutes To Midnight hicieron que la cagá fuera más larga. Todos cantando, mas de 60000 almas saltando y cantando al cielo como si fuera el ultimo momento de nuestras vidas, emocionante a cagar.

Después Bruce, saludó al público Chileno, habló de lo importante que somos para ellos, y dijo que tenían un par de sorpresas, canciones que no tocaban hace mucho tiempo. Children Of The Damned, canción que fué editada hace 27 años hizo que los asistentes de mayor edad, esos que compraron el vinilo del The Number Of The Beast, se volvieran locos, al igual que el resto de la hinchada. Ejecución impecable en todo nivel, y lo más impresionante que un viejo enano de 50 años tenga la energía y capacidad de poder correr, saltar y cantar al igual o mejor que lo hacía hace 27 años, realmente emocionante.

Para mí, personalmente, Phantom Of The Opera fué la joyita de la noche. Canción que durante la decada de los ’90 no era incluída en los setlist, que la tomaron en cuenta para la mini gira Europea del Early Days el 2005 y la presente gira. A mas de uno se nos vino a la cabeza Paul Di’anno, clásico de clásicos, más encima a 3 guitarras y con Bruce en las voces... orgasmo auditivo.

The Trooper y Wasted Years provocaron la misma reacción que el año pasado, solo que ahora la respuesta fue del doble de gente. Bruce vestido de soldado inglés en la tarima arriba de Nicko con la bandera de la Union Jack, mientras los three amigos y el Jefe Harris adelante juntos deslumbrando a la gente son esos solos y el ritmo galopante. Y con el clasico del ’86, el ambiente se torno mas emotivo, pero no por eso menos escandaloso, seguro varios se quedaron sin voz desués de anoche.

La euforia y emoción estaba en su peak. Tanto que la gente de la mitad en adelante comenzó a ser aplastada contra las rejas de contención, Bruce, algo molestó por la situación ya que involucraba la salud de sus fans, tiró un ultimatum: si no se calmaba la cosa y salía alguien herido, Iron fuckin’ Maiden no iba a volver jamás. Pidió que todos hecharan 2 pasas hacia atras y la cosa se calmó.

Lo que vino después fué para mi sin dudas, el momento mas épico y mágico de la noche. The Rime Of The Ancient Mariner, que temón conchasumadre, 13 minutos ejecutados a la perfección, todos funcionando como reloj. Después de la parte lenta donde relatan un extracto del poema de Samuel Taylor Coleridge, el caós fue total, hermoso. Chispas y fuegos artificiales acompañaban a Dave Murray y Adrian Smith en sus respectivos solos, impresionante. Powerslave ... que puedo decir? Bruce cantando con la misma mascara que usó en el mítico Live After Death, saliendo de una cortina de fuego rojo igual que aquel registro. En ese momento estabamos todos en el Long Beach Arena 14 años atras.

Run To The Hills... palabras sobran, de las mas conocidas de Maiden. Fear Of The Dark notable, emocionante, con el típico “OOOOOOOH OOOOOOH OOOOOH OOOOH OH”, encendedores y celulares iluminaron el Club Hipico. Comentario aparte merece Hallowed Be Thy Name, clásico de clásicos, ejecutada a la perfección, las avalanchas de notas en los solos de Murray y Gers, un McBrain que jamás flaqueó y el Jefe tomando las riendas como siempre, marcando el galopeo.

Iron Maiden marcaba el “cierre”. El himno de la banda vino acompañado de un Eddie momificado de 1 y tanto toneladas que escupía fuego por los ojos, que se movía para los lados y los brazos arriba y abajo, realmente emocionante. No recuerdo haber visto un eddie tan grande desde el 2001 en adelante.

Después de una breve pausa se escuchó “Woe to you oh earth and sea...”, el diablo iluminado de rojo en el sector izquierdo del escenario, mientras todos recitaban esas palabras que eran el preambulo de The Number Of The Beast. Las gargantes no daban mas, pero en situaciones así, teniendo al frente al grupo mas grande de Metal de todos los tiempos, salía la voz de los cojones. El 666 se escuchó hasta en el vaticano, me alegro...

The Evil That Men Do, tema que aca no tocaban desde el 15 de Enero del 2001, prosiguió con la masacre. Que buena canción mierda, Dickinson cantandola igual que el ’88, el dueto de guitarras en el solo hizo que sonara mas potente que la bomba en Hiroshima, notable, y Cyborg Eddie caminando con su pistola para variar dandole cara a Janick Gers.

El cierre estuvo a cargo de Sanctuary, tema del album debut, bastante canchero y rockero el riff, simple pero directo, a la vena. En la mitad, la banda dejó de tocar para despedirse. Prometieron disco de estudio para el próximo año y visita para el 2011, Eddie va a invadir el Estadio Nacional, se los aseguro.

Mucha gente ajena a la fanaticada de la banda, me comentaban que encontraban fome ir a ver a una banda que toquen bastantes canciones repetidas en comparación a ocasiones anteriores. Por mucho que repitan varias canciones en sus presentaciones, da realmente lo mismo. Son temas que ya son considerados clásicos, y por más que uno los escuche, siempre va a querer escuchar los clásicos de nuevo, por algo son llamados así.

Lo que provocan estos tipos cada vez que vienen a Chile, o a cualquier parte del mundo es impactante. Esto va sobre el fanatismo o la admiración, es una religión para unos y un estilo de vida para otros. Jamas he visto fanaticos de otras bandas que sean tan devotos a ella como lo son los fans de la doncella. Han trascendido generaciones, y seguro que lo van a seguir haciendo.

Los asistentes de anoche fueron parte de la historia. El show más grande de Rock en Chile y Sudamérica (para una sola banda, no festivales). La gente que no fué seguro se arrepentirá después de los comentarios de todos, y los que fueron van a recordar esta noche por siempre. Lo especial de Maiden... no se que cresta es, para los fanaticos seguro fue el mejor día y concierto de sus vidas, como lo fué para mí, pero los no fanaticos que conozco, tambien me dijeron que fue el mejor concierto de sus vidas. Uno no sabe lo que es Iron Maiden hasta que los ve en vivo, y puta que es verdad.

UP THE IRONS!
PAZ!

Setlist:
1. Churchill’s Speech/Aces High
2. Wrathchild
3. 2 Minutes to Midnight
4. Children Of The Damned
5. Phantom Of The Opera
6. The Trooper
7. Wasted Years
8. The Rime Of The Ancient Mariner
9. Powerslave
10. Run To The Hills
11. Fear Of The Dark
12. Hallowed Be Thy Name
13. Iron Maiden

14. The Number Of The Beast
15. The Evil That Men Do
16. Sanctuary

Judas Priest en Chile: El regreso de las leyendas vivientes

Rodrigo Damiani

Con una larga trayectoria y más de 20 discos de estudios editados, la banda arribaba por segunda vez a esta larga franja de tierra. La primera fue en el año 2005, donde los británicos se presentaron en el marco de lo que fue el “Monster of Rock” en donde compartieron escenario con Whitesnake, de David Coverdale y los trasandinos Rata Blanca.

Ahora era la oportunidad para que Haldford y compañía tuvieran su propio show, por lo que la banda trajo en sus maletas todos el equipaje de la gira de su última producción, “Nostradamus”. Un escenario visualmente de lo mejor del año seguramente. Si para Symphony X escaseó la pirotecnia escénica, para Judas Priest este elemento sobresaltó de sobremanera: escaleras, telones, moto sobre el escenario y el estilo Judas.

Un escenario realmente increíble, con telones gigantes que iban y venían según las canciones que la agrupación interpretaba. El telón más impresionante fue el de “Nostradamus”, el cual bordeaba desde sus ojos una luz roja, que por supuesto creaba escalofríos en todos los presentes. Es una lástima que el Arena Movistar no se haya llenado lo suficiente, las productoras deberían entender que el gran número de conciertos agendados consecutivamente, influyen directamente en el bolsillo del criollo rockero. En la jornada sólo la galería se encontraba repleta.

El vestuario como siempre fue lo que caracterizó a los ingleses, realmente notable, Haldford con una bata de metal asomaba su calvicie por el escenario. Cuando salió a escena, los ocho mil fanáticos casi sucumbieron a los pies de una de las voces más importantes del metal. Glenn Tripton y KK Downing son otra cosa, sin duda el pilar fundamental de la banda, que grandes guitarristas, con que poder tocan esas guitarras. La edad al parecer no pasa la cuenta, tocan mejor que hace veinte años, y el sonido poderoso, digna de una banda de metal con estos pergaminos. El track list básicamente fue el mismo que han tocado durante toda su gira mundial, por supuesto destacándose como siempre los grandes clásicos como, “Metal Gods”, “The Hellion- Electric Eyes”, “Breaking The Law”, “Living After Midnight” entre otros, y por supuesto de su último y genial disco, “Nostradamus”.

A esta altura realmente es difícil decidirse por el mejor show del año. Han sido tantos que es realmente complicado, lo que si es seguro es que Judas Priest dejó todo en el escenario, dejando a los fans más aguerridos muy felices y contentos.

Setlist:

1.- Intro: Dawn of Creation 2.- Prophecy 3.- Metal Gods 4.- Eat Me Alive 5.- Between The Hammer And The Anvil 6.- Devil's Child 7.- Breaking The Law 8.- Hell Patrol 9.- Messenger Of Death 10.- Dissident Aggressor 11.- Angel 12.- The Hellion / Electric Eye 13.- Rock Hard, Ride Free 14.- Sinner 15.- Painkiller 16.- Hell Bent For Leather 17.- The Green Manalishi 18.- You've Got Another Thing Coming

La symphonia que sacudió Santiago

Rodrigo Damiani

El último martes de octubre quedará como una de las fiestas Rockaxis más grandes que se hayan realizado. La razón es que El Universo del Rock, cumplía ocho años de difundir y apoyar el rock y lo celebró en grande. Por tal motivo los invitados tenían que ser estelares y por supuesto que fueran del perfil del público de Rockaxis. Ratt y Symphony X unieron a dos generaciones de fanáticos del Rock y el Metal.

Ratt es una de las bandas más influyentes del Glam Rock norteamericano, sus diez discos los abalan por lo que era una ocasión especial para presenciar el buen maldito rock. Esta banda ha sufrido todo tipo de contratiempos, desde la separación de la agrupación hasta la muerte de uno de sus integrantes. Situación que como se demostró en el Teatro Caupolicán, ha hecho más fuerte a la banda, con un sonido excelente y destacándose por supuesto en las voces y vestuario.

Fue una gran fiesta y Ratt sin duda fue la indicada para el prólogo de la fiesta, aunque el publico prendió y disfrutó del show de los norteamericanos Symphony X, quienes visitaban estas latitudes por tercera vez.Estaba todo para que fuera una noche inolvidable, pero hay que decirlo, Symphony X no comenzó sonando de lo mejor y eso la banda lo notó. Recién en el cuarto tema el sonido se arregló y los fanáticos pudieron escuchar con todo su esplendor a Michael Romeo y compañía.

A pesar que fue un gran concierto, no fue lo mejor que he visto de Symphony X, esta es la tercera vez que los veo y sin duda fue lo más bajo en cuanto a sonido, no así el show que brindaron los cinco integrantes, quienes bromeaban en todo momento. Llegaba el epílogo del espectáculo y el criollo comenzó a pedir la vuelta al escenario a los de Romeo, quienes salieron nuevamente en evidente estado de cansancio. El grueso del show de los norteamericanos se trató de su último trabajo “ Paradise Lost”, que por supuesto es uno de los momentos clímax en la carrera de la banda más importante de metal progresivo del mundo. Los temas que más prendieron esa noche fueron de su álbum “V” y en especial la ultima canción que interpretaron, “Evolucion”, el cual terminó de incendiar el teatro Caupolicán.

Dejar en claro que fue el show más largo que ha otorgado la banda en Chile, para mí su mejor presentación fue cuando tocaron en el teatro Providencia el año 2000, quienes presentaron su mejor disco, “V”, repasándolo por supuesto completamente. Sin duda los fanáticos gozaron y disfrutaron del show, pero me hubiera gustado ver mayor poder escénico, la banda sólo se limitó a un telón y vestimentas negras, hecho que a esta altura se torna poco, y que queda con ganas de más, después de ver shows de la envergadura de Iron Maiden, Dream Theater, Bob Dylan, Ozzy y NIN, uno espera un mayor trabajo audiovisual.A pesar de lo anterior fue un show entretenido y extenso que prendió a los tres mil asistentes. Felicitaciones a Rockaxis por sus ocho años y esperamos que el próximo show de Symphony X sea el mejor de todos.

Millencolin en Chile: ...y todos quedaron felices

Juan Enrique Chomon

Sin contratiempos, como en su anterior visita del 2006; recordemos que BBS PARANOICOS salvó la presentación del quinteto de Örebro, tras la pérdida de su equipaje e instrumentos; llegó Millencolin a Chile, para presentarse por segunda vez en Chile. Como condimentos a esta esperada segunda visita, los locales Sin Perdón, y los desconocidos, pero no menos importantes Mustang, fueron los platos de entrada para esta ocasión. Ambos realizando una escueta presentación pero a la altura de la situación.

El Teatro Caupolicán, sin ser la mejor locación para este tipo de conciertos, cumple con la expectativa. Sin sonar de maravilla, permitió a Millencolin desenvolverse con naturalidad y entusiasmo. Con una simple y tradicional puesta en escena. Lienzos intercambiables de fondo, un juego de luces bastante típico y poco complejo aderezaron la entrega y simpatía de los músicos.
Sobre todo el constante jugueteo por parte de Mathias con Erik principalmente, y las continuas subidas de este mismo al pedestal de la batería, para gesticular quién sabe qué, con Fredrik. Sin duda, fue quién más entusiasmo mostró. En tanto, un agradecido Nikola, permanecía atónito frente a la acalorada respuesta del público.

Una entrada triunfal, pero sin rodeos y grandes efectos, “Penguins and polarbears”, seguida de una recién sacada del nuevo disco, la misma que lo titula, “Machine 15”. Entre gritos de “Viva chile”, un muy contento Nikola, introducía “Ray”. Para “Botanic mistress”, el entusiasmo de Millencolin se hacía evidente, Mathias y Erik se entretuvieron tocando espalda contra espalda, y la intensidad subía de a poco. Al finalizar la canción, Mathias hizo un gesto hacia su micrófono, ¿falló?, fue casi imperceptible, un detalle. Ni se notó. Tanto subió la adrenalina, que las primeras ratas ya se subían al escenario para experimentar los primeros stagedivings de la noche, durante “Cash or clash” y la notable “Broken world”, de su última placa “Machine 15”, los clásicos aun se esperaban.

“Yeah, yeah, yeah, yeah”, tan solo esa introducción bastó para que un hit como “Man or mouse”, la primera del “Home from home”, hiciera explotar en delirio al público. “Bullion”, una estocada directa al callo, mantuvo la emoción en alto, y el desorden se hizo en el Caupolicán. Lo que diferenció esta presentación de la anterior, sin duda fue “Machine 15”, su última opus. Y así fue como “Brand new game” hizo vibrar a la audiencia.”Black eye” fue la siguiente y la conmoción subía.

Sin duda, el momento de la noche fue para “The ballad”, la única canción de los suecos, que cambia totalmente el rumbo hacia una melancolía pura fuera del soft core, o skate punk que los identifica. Eso sí, hay que decirlo, fue la más coreada y ovacionada. Sobre todo luego del monólogo de Nikola, sobre el partido de Chile, y su triunfo sobre Argentina. El público no escatimó en gritos, y el “¡porom pom pom, porom pom pom! el que no salta es un argentino m*****n”, se hizo escuchar mientras el calvo vocalista miraba anonadado y sonriente tal espectáculo.

“Mr. Clean”, el clásico de clásicos, un himno para su historia. Y de golpe se deja ver otro lienzo de fondo. El entusiasmo de Mathias, Erik y Nikola se podía ver en todo su esplendor, entre saltos sincronizados, y la alegría de Millencolin desbordaba el lugar. Este tridente de cuerdas, demostró una vez más su calidad vocal. “Battery check”, y luego “Luzin’ must”, continuaron con una presentación, hasta ese momento redonda, sin bajones, sin vaivenes, más que los propios de la intensidad de sus canciones y la respuesta de un público enfervorecido. Del “Pennybridge pioneers”, no podía faltar “Fox”, mientras Mathias, por un lado bajaba del escenario, y se acercaba “peligrosamente” al público presente. “Dance craze” y “Olympic”, cerraban entonces la primera hora de concierto, pero faltaba más, el clásico masificado por el juego de PS1, “Tony Hawk Pro Skater”, “No cigar”, finiquito la primera rueda del concierto, antes del bis.

Corto fue el tiempo que se hizo esperar. Un último respiro de Millencolin en Chile, se escuchó con las últimas cuatro canciones. “Farewell my hell”, luego su último single “Detox”, incluido tributo a The Beatles, con “Eight days a week”, para luego cerrar con “Pepper” y la mediática “Kemp”.

Sin duda, fue un concierto completo, aun cuando faltaran casi los mismos clásicos, como “Vixen”, por ejemplo. La presentación fue satisfactoria, cargada hacia sus discos superventas “Pennybridge pioneers” (2000) y “Home from Home” (2002).

Nuclear: Ten Broken Code (2008)

Rodrigo Damiani

“Ten Broken Code” es el título del nuevo trabajo de la agrupación nacional Nuclear. Una de las bandas chilenas más importantes de la escena actual y que sin duda aspira con suficientes méritos al mercado internacional. Todo lo anterior debido, en parte, al profesionalismo de su trabajo y por supuesto a la fuerza desmesurada de los temas que posee este disco.

Pasando a la producción del disco, hay que decir que el álbum continua en la misma senda de su álbum debut “Heaven Denied” (2006), el cual se hizo un espacio al interior del mercado nacional del thrash metal criollo; en donde, al igual que el nuevo disco, se ve una fuerza oscura que se apodera de los integrantes haciéndolos hacer una gran interpretación musical. Es por esto mismo que “The Broken Code”, no será un disco que pasará desapercibido por el público amante de la música más pesada, el álbum derrocha excesiva fuerza a lo largo de sus nueve demoledores temas; poniendo claro su distintivo al interior del Thrash criollo.

En datos más logísticos, el grupo se compone por Sebastián Puente y Francisco Haussmann en guitarras, cuya fusión y desplante forman una de las duplas más impactantes que he podido escuchar en una agrupación nacional.Siguiendo con el resto de los integrantes, nos encontramos con el bajista Raimundo Correa, quien también cumple una maravillosa función acompañado a las estridentes guitarras de sus compañeros, como también dando los tiempos a la verdadera sinfonía de destrucción que genera el resto de la banda; francamente un fiel discípulo de Tom Araya (Para que se hagan la idea del calibre del sonido).

¿Qué sería de una banda así sin una voz que acompañe a estos tremendos riffs?, es por eso que aparece a colación Matías Ly, la voz, que se desenvuelve de una manera más que aceptable entre los compases dictados por las cuerdas; con un timbre que te toma y te arroja al abismo en un abrir y cerrar de ojos; claramente y, siguiendo la línea de lo dicho anteriormente, un registro que me recuerda a las lluvias de sangre de los titanes de Slayer. Es difícil encontrar un vocalista que se funda de una manera íntegra con el sonido, pero en el caso de Nuclear esto no es un problema al parecer. Por último, pero no menos importante, está la batería a cargo del master de Eugenio Study, quien demuestra que los tambores son la columna vertebral de todo el Thrash, Metal; esa doble pedalera te golpea, y vaya que te pega duro, es casi como si el cielo se cayera a pedazos, destruyendo todo a su paso y con el sonido que provoca, acompaña de una forma magistral los riffs endemoniados del grupo durante toda la producción.

Disco completo: Ten Broken Code

El álbum esta compuesto por 9 creaciones infernales, tiene la duración exacta de 29:04 minutos, su portada es simplemente notable y demuestra todo lo que es la agrupación: Agresividad técnica y un estilo realmente notable, una producción ciento por ciento recomendable, tanto por su música como por el Art Disc.

El disco musicalmente hablando es excelente, no muestra fallas, posee un sonido muy chileno, pero a la vez totalmente exportable, unas guitarras como mencioné anteriormente muy afiatadas, una voz infernal que te envuelve, un bajo al mejor estilo metal y una batería sencillamente demoledora. Una agrupación infernal que ojala llegue lo más lejos posible ya que con bandas como Nuclear uno se siente orgulloso de ser chileno.

Track list: 1-Sadistic method for crime2-Elevent block3-Violence that burns 4-EFatih5-FxPxSxC6-Full hatred response7-God forsaken life8-Fake messiah9-Engine of agression

Black Rebel Motorcycle Club en Chile: Una noche electrizante

Juan Enrique Chomon

La noche del viernes fue el turno para Chile, nuestros vecinos del otro lado de la cordillera, ya habían tenido suficientes oportunidades. Black Rebel Motorcycle Club, hacía su primera aparición en la capital. Tras una bien recibida y aplaudida participación de los notables Devil Presley los de San Francisco hacían su triunfal entrada.

Peter Hayes, y Robert Been Levon acompañados de Leah Shapiro (la baterista de The Ravonettes), entraban entre sombras y la euforia se intensificaba entre los casi 2 mil asistentes que solo llenaban la planta baja del teatro. El público en ese momento aun especulaba acerca de la que sería una espectacular performance por parte de estos músicos californianos.

Sinceramente, lo de B.R.M.C. fue alucinante. Un concierto lleno de luces muy bien sincronizadas, y propicias para crear una mística acorde a la oscuridad que escondía a la banda. El sonido iba y venía en un vaivén de intensidad y pasión. Lamentablemente el Caupolicán les quedó chico. El sonido fue prueba de ello. En los momentos más sobrecargados de estridentes bajo y guitarra, el sonido guatió. Lamentablemente. Pero no fue razón suficiente para opacar el buen oficio de este trío a lo largo del show.

En la primera patita del concierto, pudimos escuchar canciones como “666 conducer”, “Berlin”, y “Stop”. “Weapon of choice”, fue la primera ovación inmediata y agradecida del público. Luego la notable “Ain’t no easy way out”, deslumbró. B.R.MC., sonaba en todo su esplendor. El concierto iba en emoción, calidad y entrega, en un notable in crescendo. “White palms”, “Red eyes and tears”, siguieron, y la atención del público era absoluta. Todos ahí presentes, me atrevo a decir que se quedaron pegados y anonadados con tal juego de luces, y desplante de los integrantes. Por más que Been Levon y Hayes comenzaran a rememorar viejos estilos en que los músicos ni siquiera miraban a su audiencia. “Awake”, entró entonces, que sin sonar perfecta, la ejecución prácticamente lo fue.

“Six barrel shotgun” y luego “Salvation”, encendieron como pólvora a los presentes, e incluso hacia el final de la segunda canción, Been Levon lanzó su micrófono contra el suelo.
Un intermedio justo y preciso. A decir verdad, las diez primeras canciones a pesar de ser un deleite eran para cansarse por su intensidad. Por eso fue un alivio, y a la vez una sorpresa escuchar a Peter Hayes y a Robert Been Levon interpretar “Heart and Soul”, “Fault line”, y “Oh Mercy” respectivamente, todas ellas de Bob Dylan.

Eso no era todo, y B.R.M.C. tenía más que entregar, faltaban aun algunas canciones que no podían olvidarse. “Shuffle your feet”, “Love burns” y “Rifles”, siguieron con una velada espectacular, y el ánimo seguía encendido a mil.

Ya hacia el final, con un público exhausto, y casi una hora y 45 de presentación. La sorpresa fue “Howl”, y luego “River Styx” (la nueva canción), para dar paso a una genial “American x”. La patita final del concierto fue la perfecta finalización de una noche rockera, de chaquetas negras de cuero. Pasó “Take out a loan”, y los acordes que todos esperaban, al fin estaban ahí. Era “Whatever happened to my rock and roll (punk song)”. Been Levon, casi termina con su carrera en un intento de realizar un demencial stage diving, pero gracias a Dios, no fue así. El concierto continuó y “Steal a ride”, junto con “Spread your love”, sellaron la presentación electrizante de este trío.

ALESANA en Chile: Un chiste contado por segunda vez

Juan Enrique Chomon
Lo de Alesana fue tan solo un pequeño canapé, que precedió grandes presentaciones como lo serán la de Black Rebel Motorcycle Club, y Nine Inch Nails. Bajo un Santiago atestado de conciertos, los cinco chicos de Raleigh, trajeron nuevamente su cada vez más “extenso” repertorio a estos lares (no me imagino como habrá sido el concierto del año pasado, si tenían un solo disco). Dos discos, y en este segundo hablan de cuando el mito se transforma en leyenda. Irónico. A estos cinco personajes les hace falta aterrizar. Por ahí leí, que no es por nada que los clasifican en un estilo lolcore (hxc/pop/metal). Ciertamente son para la risa.

Para empezar, que quede claro, este review es para los que vieron a Alesana por primera vez. El hecho es cierto, aun existen pokemones que escuchan hardcore, el punto es que los que asistieron; cerca de 1.500 personas; el pasado jueves, no superaban los 17 años de promedio de edad. El porqué una banda como Alesana, con solo dos larga-duración en su haber ya ha logrado dos visitas a Chile, y tanto fervor por parte de estos fieles y complacientes admiradores. Todo eso quedó claro ayer en el Caupolicán.

Yo me pregunto. Si sacan el próximo año un nuevo disco, ¿los tendremos por tercer año consecutivo aquí en Chile?. Sinceramente espero que no. Sería un abuso. Lo de Alesana aun cuando es notable, es casi inexplicable. Un éxito explosivo en sólo cuatro años. Considerados revelación en su género, pero ojo, sólo aquí en Sudamérica y en especial Chile.

Shawn Mikle, un singular guitarrista, quizás del estilo de (protest the hero), pero con una manifiesta actitud afeminada, y un timbre vocal que puede sonar en exceso del género opuesto. Sinceramente no me siento cómodo al promover un músico de esa calaña. A Perry Farrel (Porno for Pyros, Jane’s Adicction), o a Brian Molko (Placebo), e inclusive a personajes como David Bowie, o Prince, se les perdona, porque están dentro de un contexto. En cambio este singular guitarrista roza la inconsecuencia entre su supuesta rudeza, con gestos en demasía sutiles. Lo sé, sueno como mi papá, o el tuyo, pero; aunque suene inconsecuente, por el hecho de haber asistido a su concierto; no voy a poner mi nombre para promover una banda así.

El repertorio que presentaron, la verdad no está dentro de lo importante. Más que hayan abierto el show con “Ambrosia”, y terminado con “Apology”, no es más que una muestra clara de lo predecible y poco creativo que puede ser un grupo tan joven. Al menos, en el ambiente se olía satisfacción al salir. Los niños quedaron contentos, tras el show.

Lo rescatable fue que al menos cinco integrantes viven de manera intensa el show, y lo del jueves, no fue la excepción. La energía se deja entrever entre acrobacias con sus instrumentos, saltos y todo el escenario en movimiento durante la totalidad de su show. Aunque su bajista, Jake, se nota que es de parche, sin más asco no mueve un dedo por mostrarse al menos interesado. Aun así Alesana se entrega aceptablemente en relación a la recepción que tienen entre público adolescente. Un punto muy a favor, para su exitoso cometido, sin duda es el buen sonido que logran en vivo. El público al menos se dio tiempo de mover su cuerpo con esta mezcla de pop y hardcore que promulgan estos hardcoritos americanos.

Nine Inch Nails en Chile: Sinónimo de perfección

Francisco Quevedo

Fotos: Juan Enrique Chomon
En 2006, escribí un artículo sobre Trent Reznor. Un escrito de Nine Inch Nails. Reznor es NIN. En el mencionado artículo exponía las cualidades y la manera en que Reznor hace las cosas en el estudio y el escenario.

Lo planteado hace dos años, quedó reducido tras ver a NIN en el Arena Santiago la noche del sábado. Es, simplemente, lo mejor que ha venido en todo el 2008 (y con seguridad lo será). Trent Reznor es excepcional, un frontman único y rockero. Todo lo que uno podía imaginar, fue poco, mínimo, ínfimo. La verdad es que Trent Reznor rompió con todos los esquemas que uno había visto o siquiera imaginado alguna vez.

999.999, la introducción del nuevo disco “The slip”, dio el vamos al show. El golpe frenético, demoledor, temible de la batería y el primer guitarrazo de 1.000.000 fueron el inicio perfecto. La máquina de NIN comenzaba a funcionar en su versión más aceitada. “March of the pigs”, “Piggy”, “Wish”, “Closer”, “Terrible lie”, “The hands that feeds” (con claras referencias a Bush y gestos de repudio por parte de Reznor incluídos), “Head like a hole” y “Hurt” fueron algunos de los clásicos que azotaron e hicieron temblar hasta los cimientos a Arena Santiago.

Las luces y pantallas cumplen un rol clave. No son la comparsa que caracteriza a los recitales de otras bandas. En NIN, las pantallas y juegos de luces son iguales o más importantes que la música. Son el complemento perfecto. La perfección se siente con fuerza cuando uno ve a Reznor en vivo. Nunca es lo mismo escuchar que ver a un grupo en vivo. Sin embargo en NIN, es un deber verlos en vivo. No hay otra interpretación. Nine Inch Nails (en referencia a los clavos con los cuales fue clavado Jesucristo) es una banda que hay que ver en vivo.

NIN siempre ha sido una banda que ha estado a la vanguardia en cuanto a tecnología se refiere. Su presentación fue la confirmación de aquello. Los recursos utilizados crearon una atmósfera única, del grupo con el público y a ellos como proyección. Los músicos eran parte de escenario, llegando casi a la fusión. Las pantallas produjeron todo tipo de sensaciones que, sumadas a la música, lograron dar con la perfección.

La gran gracia del concierto es que siempre te mantenía en vilo, es decir, atento, preparado para la sorpresa, cualquier cosa podía suceder. Además, Trent Reznor daba la impresión de que en cada canción lo entrega todo, como si fuese la última interpretación o concierto de su vida. La entrega por el show es total y es, a la vez, una de las claves que conducen a la perfección.

Reznor busca que los espectadores sientan que todas las bandas que ven en vivo después de ver un recital de NIN, parezcan ridículas. Vaya que lo logra. Tras asistir a un show así, uno puede afirmar que ya nada será igual en cuanto a música y conciertos se refiere. ¡Gracias Trent Reznor por reencantarnos con el rock y la música!

A continuación, algunas fotos que reflejan lo que se vivió en Arena Santiago:

Metallica; “Death Magnetic”: Nunca se puede decir que está todo terminado

Francisco Quevedo

Los latidos del corazón que se escuchan en el comienzo“That was just your life”, primer track de “Death Magnetic” no sólo son el punto de partida del disco sino que ejemplifican a la perfección el renacer musical de Metallica. El transfondo que esconden es ese, una resurrección tras una época oscura de tropiezos musicales y decisiones equivocadas. Tuvo que llegar Rick Rubin -productor de vasta trayectoria- para sacarlos de ese letargo miserable en el que se encontraban sumergidos. Ya no más rapeos mezclados con un metal interpretado bajo el agua del inodoro como ocurrió en el bodrio llamado “St Anger” de 2003. Ahora la cosa es en serio, bien en serio. Sin ir más lejos, es el mejor trabajo que ha llevado a cabo Metallica desde el ya místico “…And justice for all” de 1988. ¡Lo mejor en 20 años! Parece una exageración, pero es así. Ni el Black Album (1991), Load (1995) y ReLoad (1997) pudieron hacerle pelea a “Death Magnetic”.

La estructura del disco se parece, en parte, a los antiguos trabajos de la banda. Un inicio demoledor, un cuarto track de pretendió asemejarse a “Fade to black”, “Sanitarium” o “One”, pero no le alcanzó. Una instrumental, “Suicide & redemption”, muy al estilo de los ochenta, en duración, rudeza y ubicada en el penúltimo lugar del disco. Todo a imagen y semejanza de los gloriosos ochenta. La esencia de la banda fue recuperada, de eso no hay duda. Sin embargo, hay puntos donde nuevamente flaquean y es “The Unforgiven III” el reflejo más claro. Pese a la innovación de cuerdas que tiene en su inicio, la canción al parecer no logra despegar.

Metallica volvió. La potencia está intacta, pero el sonido actualizado es lo que matiza en cierto aspecto al grupo en estos momentos. Canciones como “That was just your life”, “The end of line”, “All nightmare long”, “Cyanide”, “Judas kiss” y “My apocalypse” son certeros golpes al mentón de cualquiera y que, más encima, son una grata sorpresa dignas del más fiel creyente en que el rock aún está vivo. Sí, porque ahora Metallica, pese a la potencia, suena más a banda de rock que a thrash. Esto no es un defecto, más bien es la capacidad de la banda de estar vigentes, con un sonido fresco dentro de lo que siempre han sabido hacer mejor.

Si lugar a especulación, son las baladas de “Death Magnetic” las que quedan más al debe. El single “The day that never comes” y “The Unforgiven III” son dignos intentos. Sólo eso. Incluso, hay momentos de ésta última en que se recuerda a “The memory remains” o “I disappear”, más específicamente en la entonación de Hetfield combinada con la guitarra. Un guiño. El final de ambas, eso sí, las salva.

Mención aparte merecen los músicos. No sólo resucitaron sino que aprovecharon de buena manera sus capacidades. Es más, ahora se nota que son una banda y no un trío. La faena que cumple Robert Trujillo es destacable ciento por ciento. El grupo le sacó un provecho enorme a su talento, capacidad interpretativa y presencia escénica. De verdad, Trujillo es un aporte y no un adorno como su antecesor Jason Newsted. Lars Urlrich es otro de los que descolla. Parece que se recordó como tocar y se aplicó por entero. Además, la batería ya no suena como un pedazo de water. Kirk Hammett dejó de tocar payasadas tipo kermesse. Volvió a interpretar esos solos y punteos tan característicos que sólo él puede realizar. James Hetfield, por su parte, recuperó esa velocidad que es, a la larga uno de los motores de la maquinaria de Metallica. La voz parece que no le responde, pero igualmente logra cantar a gran velocidad en algunas canciones. Punto a favor. Su voz está gastada, pero mantiene viva su capacidad interpretativa.

En fin, “Death Magnetic” es mucho más de lo que cualquiera hubiese esperado. Ni el más optimista se imaginó un regreso de tal magnitud. Es de esperar que vengan y que nos muestren en vivo cómo suenan. De seguro, será un show digno de recordar y que echará por tierra el trago amargo de octubre de 2003 cuando cancelaron su visita por “dolores de espalda” de Ulrich. Ya no queda más que decir, ahora el juicio queda en quien toma la acertada decisión de escuchar “Death Magnetic”, acto del cual no se arrepentirá ya que el disco tiene la magnífica gracia de que mientras más veces lo escuchas, más te gusta. Por lo visto, en la música nunca se puede afirmar que está todo terminado.

Tracklist:
01. That Was Just Your Life 02. The End Of The Line 03. Broken, Beat & Scarred 04. The Day That Never Comes 05. All Nightmare Long 06. Cyanide 07. The Unforgiven III 08. The Judas Kiss 09. Suicide & Redemption 10. My Apocalypse

*El disco se estrena mundialmente el 12 de septiembre.

Tarja Turunen: La diva del Metal que conquistó Chile

Rodrigo Damiani

El miércoles 3 de septiembre del 2008, quedará en la memoria tanto del público presente como de los mismos músicos. Fue una jornada placentera, pero por momentos algo extraña, más adelante entenderán el por qué.

En los afiches y titulares se presentaba el concierto como el primer festival de metal sinfónico del país, cosa falsa ya que antes hemos tenido jornadas de apasionante Powermetal nacional e internacional.

En el concierto convocado de ayer se encontraba los connotados Six Magics, que actualmente sacaron a la luz pública su tercer placa “animal”, los desconocidos “Husar” del cual nos llevamos una sorpresa, y la diva del metal mundial Tarja Turumen, la mujer que más ruido ha hecho en la escena metalera como rostro y voz de una banda de metal.

El cita comenzó con un Caupolicán a su 70% de concurrencia, los primeros en abrir los fuegos fueron los nacionales Six Magics, banda liderada por el eximio de la guitarra Érick Ávila y que presentaba en Santiago a su nueva vocalista Elizabeth Vásquez.

Partieron con el típico intro de una banda de powermetal musica clásica, y le siguieron con Storm una de las canciones emblematicas del quinteto nacional, tocaron por mas o menos 1:14 y se pasearon por sus tres discos de estudios, otro de los puntos altos del show fue la interpretación de “infinitive keepers” “the prince a pure Light”, de las antiguas y destacaron a mi gusto las canciones “behind the sorrow” y “carcass”, del nuevo disco “animal”, también fue interesante la interpretación de un cover de Pantera” Cementary Gates” donde la dupla Ávila y Hidalgo(segunda guitarra), realmente se lucieron frente a la fanaticada del powermetal.

Si bien el show fue interesantísimo, no olvidar que posee grandes músicos, dejo que desear mucho en el sonido la ecualizaciones no estaban bien y eso se notaba, me dio la impresión que los mismos músicos se dieron cuenta de que el sonido no los había acompañado esta vez, así que esperemos cuando presenten su tercer placa puedan tocar tan bien como lo hicieron pero con un sonido excelente. En referencia a la nueva voz hay que decir que cumplió las expectativas pero que aún le falta experiencia sobre los escenarios, pero no me cabe duda que cuando vaya tocando más en vivo se va a ir soltando y así logrará un show aún mejor.

En los veinte minutos siguientes ocurriría algo nunca visto por mi, Husar era la siguiente banda invitada, existía un total desconocimiento por los presentes incluyéndome sobre lo que seria la presentación de esta nueva agrupación nacional, lo único que tenia claro es que tendrían como invitado estelar al ex vocalista de Polímetro Ricardo Susarte, quien también tendría el privilegio de cantar junto a Tarja, Planton of the opera.

Volviendo al show de Husar, la mayoría quedamos Boca adentro con lo que estábamos viendo el proyecto liderado por el ex vocalista de human factor, Ives Guilles, a más de 10 músicos sobre el escenario haciendo una especie de Avantasia nacional, yo creo que si Tobias Sammet hubiera visto el show se muere, era un caos sobre el escenario los músicos estaban demasiado extasiados realmente no se entendía nada, las canciones sonaban todas idénticas hasta que el ex polímetro interpretó temas de su ex banda, ese momento realmente fue un alivio, realmente no se si todos sólo puedo hablar por mi estaba realmente aburrido, quería que rápidamente saliera tarja a deleitarnos, otra cosa que no entiendo mucho es como la producción pone a Six Magics una banda con oficio, y 3 discos editados antes de Husar, una opera rock nacional totalmente desconocida y que de seguro no dejo satisfechos a mucha gente.

Así y todo el respetable se comporto bien y escucho con paciencia y tolerancia los temas interpretados, cuando comenzaron a asomar las pifias de la galucha el conjunto por fin estaba terminando su presentación.


Eran las 10:14 cuando comienza la introducción para lo que sería un show increíblemente bien realizado un telón blanco que había sido puesto para mantener al publico con incertidumbre después del griterío de la introducción, los "tarja te amo" comenzaron a repetirse; la histeria colectiva había llegado al Caupolicán. Por fin el público estalló, al parecer con las dos bandas anteriores se había mantenido, pero la recepción a Tarja fue magnifica.

Se cae el telón blanco y comenzó el show, la banda que Tarja Turunen trajo a Chile fue realmente de lujo, en las guitarras Kilo Loureiro al eximio baterista Mike Terrana (Masterplan/Rage/Roland Grapow band), que sin duda tenia un show aparte con el público presente, en el chelo se encontraba el ex integrante de Apocalyptica, Max Lilja. En teclados y órganos la hermosa finlandesa Maria Ilmoniemi(Teclados), que más de algún corazón dejo roto. Y por último un invitado de último minuto, nada más y nada menos que el bajista Doug Wimbish de Living Colour, para terminar esta alineación increíble sumémosle la hermosa y épica voz de Tarja Turunen ex Nighwish, la diva del metal y la creadora de un estilo que aunque muy propagado en la época ninguna vocalista a podido ni podrá superar el estilo único de tarja para cantar metal.

Cuando la hermosa cantante salia al escenario con su traje gótico totalmente de negro me dejo realmente asombrado y su voz uf, una exquisitez, jamás me imaginé que la vocalista tuviera tanto poder escénico ni tanto carisma me dejo atónito durante la hora y cuarenta minutos que duro el concierto. En este tiempo interpretó temas de su disco solista My Winter Store, temas de Nighwish donde Wishmaster se robo la película e interpretando una versión del fantasma de la opera con el ex vocalista de Polímetro Ricardo Susarte. A esta altura de la noche el Caupolicán ya estaba en el 90% de concurrencia un teatro semi completo, y un público que como dijo tarja lo dejo totalemte impresionado.

La épica cantante se cambio de vestimenta cuatro veces reflejando que el show no es sólo en la parte vocal si no también visual, nuevamente recalcar Tarja se veía hermosa y su voz nos conquisto a todos presentes.

Lo entretenido de este concierto es que Tarja a pesar de ser el principal atractivo del concierto, cada uno de sus músicos tenia su show personal el bajista bailaba y desafiaba al publico constantemente, Kilo con su feeling invocando a los dioses de la guitarra, un sonido realmente único de uno de los mejores guitarristas del mundo.

Tarja realmente se emociono con la entrega que el publico chileno, su publico tuvo con ella, fue tanta la alegría que finalizado el show tarja partió a las rejas de todo el teatro y comenzó a saludar a sus fans a repartir besos y autógrafos, demostrándonos y asegurándonos que Chile será parte importante de su vida.

Como conclusión final me gustaría felicitar a quienes trajeron a esta monstruosa cantante del metal y la música en general, tarja no necesita a Nighwish y eso lo demostró en su show y en su disco solista, por lo que esperamos que siga así en la misma senda y que siga viniendo a Chile el país que sin duda conquistó.

¡Por fin!: Michael Jackson en Chile

Histeria, caos, supuestos desgarros, niños decepcionados, estadio lleno y música son algunos de los ingredientes que tuvo la visita de una semana del Rey del Pop a nuestro país. Parálisis nacional en su máxima expresión. Nadie quedó indiferente puesto que su estadía estuvo rodeada de sabrosos episodios.

Francisco Quevedo

Un país paralizado, aturdido. Así estuvo Chile esta semana. ¿Se habrá muerto algún personaje político? ¿Se lesionó Iván Zamorano en el Real Madrid? Ojalá. Solamente el país se detuvo por la venida del Rey del Pop: Michael Jackson.

Sí, el mismo que rompió todos los records de venta con su álbum “Thriller” de 1982, que luego se automutiló y se convirtió en blanco para el disco “Bad” y que ahora, en medio de su gira mundial de su último disco titulado “Dangerous”, pisó Chile por primera vez. Y no lo hizo en una visita relámpago, sino que vino con todo y se quedó una semana.

Octubre, 18: El aeropuerto Pudahuel teñido de un silencio sepulcral espera al astro pop. Todos aguardando el instante en que Jackson apareciera. Podía ocurrir, también, que ni se asomara. Muchos creían en esa teoría: la de la existencia de un doble.

El “aparataje Jackson” es impresionante. Carabineros por todas partes no hacían más que anunciar lo que vendría. Desde la visita de Juan Pablo II en abril de 1987, que no había tal revuelo en la losa del aeropuerto. El reloj marcó las 16:15 y el astro pop (¿o el doble?) se asomó forrado en una camisa de corte militar roja y sombrero negro con lentes del mismo color que contrastaban con su pálido y casi fantasmal rostro. Caos. El “inconsciente colectivo”, como cantaba Charly García hace algunos años, se apoderó del lugar, mezclado, cuando no, con histeria y desmayos de alguna que otra fan.

Todo en el mundo de Jackson está calculado de antemano. Nada es jugado al azar. Esto quedó comprobado con la supuesta amabilidad del artista al momento de desfilar por la losa. Saludó a un niño del Instituto Teletón para luego hacer, literalmente, un desfile. Pero no de él, sino que de la comitiva de carabineros que lo rodeaba. Los saludos robóticos también estaban estudiados en el guión.

La gran duda que pretendía resolver la gente en ese momento y que, por las caras y expresiones de sus rostros era más importante que el triunfo de Colo Colo en la Libertadores dos años atrás o la caída del Muro de Berlín hace tan sólo cuatro años, consistía en saber todo sobre el rostro. ¿Cómo era? ¿De qué está hecho? ¿Es de verdad o sólo es maquillaje? Lamentablemente, estas “importantes” dudas no pudieron ser aclaradas del todo porque Jackson bajó con un paraguas blanco y la cara cubierta con crema o algún tipo de estuco, elemento que impidió ver su cara con total claridad.

Luego del paseo por Pudahuel, el trayecto que lo llevó al Hotel Hyatt -ubicado en avenida Alonso de Córdova- también fue digno de película. Como para una escena del reciente estreno chileno “Jonnhy Cien Pesos”. Cinematográfico total. Una escolta policial que incluía hasta un helicóptero acompañaba el recorrido de los vehículos de la comitiva.

En el hotel, la situación no dejaba, y no dejó nunca, de sorprender. La comitiva formada por 70 personas colmó los pisos 17, 18 y 19 en su totalidad. Jackson se hospedó en la suite presidencial. No era una habitación cualquiera. Un “artista” hindú del hotel se encargó personalmente de ornamentarla con flores de variadas tonalidades: violeta, azul, anaranjado, rojo y amarillo. Todo este circo tenía un solo fin: que el Rey del Pop pudiese descansar en un lugar armónico a la vista y lleno de vida. Excéntrico, rozando la ridiculez. Esa excentricidad también se apoderó de la cocina. El músico envió a su cocinero personal para que le preparara los platillos que más le gustan. Así de sencillo. Pese a esto, el listado de comida no fue para nada extravagante. Mucha agua mineral, de origen norteamericano, destacaba en la solicitud.

El personal del hotel tenía órdenes expresas de guardar silencio. No significa que los tuviesen amenazados de muerte o algo similar, pero, por expresa petición de Jackson, debían callar. Lo que pide Jackson es, casi, una ley. Los fans a las afueras del recinto hacían guardia con más fidelidad que los gorilas que cuidan al astro pop. Todo, con el afán de mirar, aunque sea por una fracción de segundo, a su ídolo. La espera estaba acompañada por pancartas de tipo: “Michael, we love you” o frases por el estilo. Lo peor es que Jackson no hacía ni el más mínimo amague de asomarse. Con suerte el personal del hotel lo veía. Era una sombra que transitaba por el lugar, pero que tenía el control total de la situación. ¿Cómo? Recurriendo sólo a su presencia.

Llegó el esperado 21 de octubre. Miles de personas excitadas aguardando a Michael Jackson por años. Todos con la esperanza de verlo en acción en el enorme (sí, enorme) escenario montado en el Estadio Nacional. Carabineros, comitiva, hotel, fans…todo Chile expectante a horas del show. Había un personaje que estaba más preocupado que los demás: Ernesto Clavería, dueño de la productora y encargado de la visita del músico. En la interna, se sabía que Jackson era un tipo que solía cancelar recitales de manera repentina sin una razón aparente. Australia y unos países asiáticos han sido sus víctimas en esta gira. Sin embargo, a nadie se le podía ocurrir, ni pensar por un segundo en la posibilidad de que Jackson repitiera la gracia en Chile.

La gente comenzó a llenar el Nacional. La fiesta se venía cuando ocurrió lo que muchos temían, pero no querían pensar. Michael Jackson cancelaba su recital. Así de simple. ¿La razón? Un problema estomacal. El estadio fue invadido por una incertidumbre total. La gente no lo podía creer. Fue tanta la sorpresa que ni Carabineros supo la noticia hasta ese momento cuando los parlantes del coliseo anunciaron la cancelación del show. Frases como: “Es una vergüenza”, “Jackson ándate pa’ la casa” se repetían constantemente acompañadas de una lluvia de frutas y botellas que caían sobre el escenario mientras los funcionarios del estadio trapeaban una y otra vez sin cesar.

Con el cuento cancelado, ya mucho más no se podía hacer. Las razones nadie las conocía. Pocos compraron lo del “dolor estomacal”. Se especularon muchas cosas en ese instante. Nada pudo ser comprobado. Es un misterio que va a permanecer, creo, por siempre y que acompañará a este país hasta más allá del Bicentenario de la nación, evento para el que quedan 17 años.

Todo estaba sumergido en la nebulosa hasta que la encargada de prensa del músico informó que se realizaría una conferencia de prensa en el Hyatt. En ella se explicaría porque se canceló el show. El doctor Jones, médico personal de Jackson, comunicó que el artista se vio afectado por “un desgarro en un músculo de la parte inferior de la espalda”. Según Jones, este dolor Jackson lo acarrea “desde su show en Sao Paulo en Brasil hace unos días (sic). Él lo siente mucho por los fans chilenos y promete que hará el concierto…”, remató.

La verdad nadie le creyó mucho, pero era la versión oficial. El artista no sólo dejó plantado a medio Estadio Nacional, sino que también a unos niños enfermos de cáncer. Ese plantón enfureció a la gente más que lo del concierto. Sin embargo, ahora quedaba pendiente la otra parte de la historia: ¿Se haría este show o sólo Michael Jackson tocaría una vez en Chile? Se propuso entonces, en una conferencia de prensa - que terminó abruptamente porque algunos colegas no aceptaron “verse privados de información” (Antonio Neme de Canal 13 lideró la revolución)- que el recital se podría realizar en lunes 26. Asunto resuelto. Todo bien pensaron muchos.

Las secuelas y reacciones por la actitud del artista no se hicieron esperar. Yolanda Motecinos escribió en su columna del diario La Tercera, lo siguiente: “El jueves 21 octubre será recordado como un día negro…no por la cancelación del recital sino que por el desfile de carabineros y personal en Las Condes…” Todo el mundo reprobó la actitud del artista. La solución de realizar el recital el lunes 26 encontró escollos de inmediato, y no menores. El Director General de Carabineros, Rodolfo Stange, sepultó de golpe cualquier opción. Era inviable otro show y esa ya era una decisión tomada. Conclusión: Michael Jackson realizaría sólo un recital en Chile.

Sábado 23. En el Estadio Nacional se repite la historia: la gente comienza a llegar desde muy temprano, incluso algunos alojaron en los alrededores del recinto para obtener una mejor ubicación. Esta vez se respiraba otro aire, uno que presagiaba que el Rey del Pop si actuaría. Cuando las manecillas del reloj indicaron las 18:00 hrs el estadio estaba, prácticamente, en un 80% de su capacidad. El show comenzaba a las 21:00 hrs. Eso demuestra la devoción del “público Jackson”.

Tras el escenario, se movía una maquinaria para que todo estuviese tal cual Jackson lo solicitó. Un camarín exclusivo que incluía hasta cocina y todo lo necesario como para pasar un fin de semana en la playa. A ese nivel está el músico. Todo transcurría en orden, pero el artista no aparecía. ¿Haría nuevamente la jugarreta del otro día? No, no podía. Era imposible, imperdonable. Por suerte, eso no ocurrió. Pasadas las 19:00 hrs llegó Jackson al estadio, previa visita al Hospital Calvo Mackenna y todos pudieron respirar tranquilos. Los de la productora con mayor razón. Estaba todo servido. La hora del comienzo se acercaba a zancadas gigantescas.

Pasadas las 21:00 se oscureció el escenario y cundió el pánico. Miles de imágenes del músico se mostraron acompañadas de una pieza musical clásica. De un instante a otro, quedó el músico inmóvil, de pie, durante tres minutos. Luego, de golpe, empezó “Jam”, track que abre el disco Dangerous y la fiesta se largó. El show incluyó proyecciones y cambios de ropa constantes por parte del artista. Sin embargo, es en esos momentos cuando, pocos, muy pocos, se realizaron, y con razón a la luz de cómo se movía y bailaba Jackson sobre el escenario, la siguiente pregunta: ¿Dónde tiene el desgarro?

Pregunta que no tuvo respuesta porque, al parecer, nunca tuvo el famoso desgarro. Jackson se desplazó cómo y por dónde quiso. Setenta mil personas gozaron del show, olvidando lo ocurrido dos días antes. Éxito total. Unos niños del Sename acompañaron al músico en la interpretación del tema “Heal the World”. Tuvo maña para hacer todo lo que se le ocurrió. Total, nadie le dice nada porque es Michael Jackson. En el recital también estuvo presente todo ese “aparataje Jackson”. Ningún detalle a la suerte, ni siquiera la joven que subió al escenario y lo abrazó. Minucioso al extremo.

Al día siguiente, portadas y aplausos llenaron todos los espacios y el show era comentario obligado. Nadie quedó indiferente a la visita. Pero siempre hay algo. Michael Jackson no se va a largar del país así nada más como un tipo cualquiera. No, nada de eso. Las especulaciones sobre la cancelación del primer show penaban al círculo más cercano del artista. La explicación del desgarro fue, a lo menos, sospechosa. Sé que no se resolverá hoy, ni el próximo año. Lo más probable es que nunca se resuelva el asunto.

Sin embargo, Jackson prometió volver en noviembre de este año. Esperaremos, aunque por lo visto esta semana, es prácticamente imposible que regrese. Basta con preguntarles a los niños con cáncer y a las miles de personas que se quedaron con las ganas el sábado (y a los de Australia y Asia…en todo caso, ellos tienen más posibilidades de que vaya). Ni él se cree el cuento de volver. Incluso, en Lima tienen la esperanza de verlo cuando regrese. Total, en pedir no hay engaño y además, la esperanza es lo último que se pierde.

ACLARACIÓN: Texto escrito como si hubiese sido publicado en 1993.

Avenged Sevenfold en Chile: Una visita más que digna

Juan Enrique Chomon

Al fin estamos acariciando bandas en sus mejores momentos. Si bien, los de Huntington Beach, California, no tiene una fama tan dispersa por estos lares, si tienen una fanaticada fiel y apasionada. A pesar, de sus nueve años de carrera sorprende la venida de M. Shadows y compañía y deja hambrientos a muchos individuos ansiosos de conciertos de esta envergadura. Con su cuarta “Avenged Sevenfold”, bajo el brazo, que fuera lanzada a finales del año pasado, los motores se calentaban para presenciar este concierto.

Si bien la cantidad de público era penosa, hacía vislumbrar un show algo más familiar. Por otro lado, se está haciendo de mala costumbre el sonido pobre o desmedido. Lamentablemente a pesar de la perfección en la ejecución de cada canción, ciertas pifias de sonido intentaron atentar contra el buen oficio de la banda. Aunque finalmente, salieron airosos.

Un inicio emocionante, con “Critical Acclaim”, que a pesar del déficit en la voz con que apoya The Rev, no sonara del todo bien, la canción fue un buen comienzo. Luego vinieron poderosas versiones de “Second heartbeat” del “Waking the fallen”, una magistral “After life”, que encendió al Caupolicán en llamas. Para luego dar paso a un tremendo hit, “Beast and the harlot”. Casi un himno, coreada y saboreada por todos los presentes, omitiendo ciertas imperfecciones en el sonido. Para no bajar la guardia, asaltaron a todos con “Scream”, y luego calmaron el ambiente con “Seize the day” tras el espectáculo de Johnny Christ en las voces.

Entre tanto, la tranquilidad se rompió con el poderoso riff de “Walk”, el cover de Pantera, que hace tiempo lo vienen trayendo como carta bajo la manga. Muy diferente a la versión de estudio, en vivo, M. Shadows, si que sabe gritar al estilo de los grandes.

A ratos, quizás la batería y las guitarras se perdían. “Bat Country”, quizás fue una de las más damnificadas, pero no por eso no lució como debía, al contrario. “Almost easy”, mantuvo las voces en alto, con ese riff demoledor, y esa actitud arrasadora. Por su parte “Gunslinger”, fue otra magistral muestra de pulcritud en la interpretación de sus canciones, lástima que el sonido no les acompañara del todo. Gracias a Dios no sonaron como la última desastroza presentación de Misfits.

El riff de “Unholy confessions”, comenzó a sonar, y ya el final se atisbaba cerca. En casi una sola hora, la banda yacía sin más éxitos que tocar. Pero luego de un breve receso, volvieron con “A little piece of heaven”, dejando en claro esa espeluznante, media glamera, pero a la vez popera pose. Con un sonido medio fantasmagórico pero a la vez circense, despidieron un show de 75 minutos, en el que entusiasmaron a no más de dos mil personas con casi 12 excelentísimas canciones (por el extracto de una correcta versión del clásico de Pantera). Un buen show, es prometedor recibir este tipo de visitas.

Tristania en Chile: Oscuridad hecha música

Rodrigo Damiani

La agrupación noruega Tristania, se presentó en Chile en su segunda visita el día 20 de mayo del mes presente, la cita se realizó en el Teatro Novedades, uno de los lugares que estos últimos años, esta siendo utilizado por productoras y bandas para realizar shows preferentemente de rock y sus derivados, entiéndase Black Metal, Death, Grincore etc.

Bueno vamos al concierto, la agrupación tenía como principal excusa, venir a presentar su último disco de estudio el “Ilumination”, uno de los puntos altos de su larga carrera que no pudo ser presentado debido que al mes de lanzado el disco su vocalista, Videke Stene, se retiró de la banda dejando a Tristania en stand by durante largos meses. La gira latinoamericana sirvió de excusa para presentar el álbum y presentar a su nueva y hermosa vocalista, la italiana Mariangela Demurtas.

Situación especial para los verdaderos fans de la agrupación, ya que la cantante no ha tenido la oportunidad de mostrar su voz, por lo que en el recinto antes del concierto se sentía la incertidumbre de si la nueva vocalista podría reemplazar de buena manera a Stene, quien ha grabado todos los álbumes con la banda, dándole un sello único sin duda alguna.

Tristania en su segunda visita a Chile incorporó a las regiones. Este elemento me gustaría destacar, ya que el rock y el metal no sólo se disfruta en Santiago y me alegra sobremanera que las personas de regiones también tengan la oportunidad de disfrutar de las mejores presentaciones (Tristania agendó concierto en Valparaíso y Concepción, llenando ambos recintos).

No así ocurrió en Santiago donde el clima (excesiva lluvia y frío), no ayudó a que el Novedades se llenara, pero esto no empañó la calidez que vivió la agrupación con sus fans, los cuales corearon todos los temas que la banda interpretó en la hora y media que duro la presentación.

Punto aparte es la actuación del guitarrista y líder de la banda Anders Høyvik Hidle, quien con su solidísima presentación dejó boquiabiertos a todos los asistentes, qué sonido, qué presencia, hace tiempo no apreciaba un músico con tal poder carismático sobre el escenario.

La italiana Mariangela Demurtas, sorprendió de grata manera, tenía un gran desplante sobre el escenario, una belleza exorbitante y por supuesto lo que nos importa a todos una gran voz lírica, que suplió de gran manera a la vocalista anterior. Destacar que Mariangela no se paró enfrente al escenario para sólo cumplir, se notó que la vocalista traerá nuevos aires a la agrupación noruega y que no pasará inadvertida en el frío mundo del metal.

El show repaso los clásicos de la banda, y sacó la espina de la agrupación por haberse quedado el 2007 sin poder haber presentado su nuevo álbum. La agrupación mostró nuevos aires, haciéndonos presagiar a todos que sin duda la nueva frotman de la banda dará que hablar en el mundo del metal.

Misfits en Chile: Only Misfits

Juan Enrique Chomon

Quinta vez. Nada nuevo que esperar. Sin aderezos distractivos como la presencia de Marky Ramone en visitas anteriores. Un repertorio conciso de los grandes éxitos ultra probados de la marca Misfits. La irreverencia usual de Jerry Only, más algunos percances circunstanciales, dieron la tónica y el comienzo para esta nueva presentación del trío. Misfits llegó en pelota, y así mostró sus debilidades y el descaro de sus integrantes por inmortalizar vanamente un estilo que al parecer olvidaron.

Un poco (mucho) deslucido el evento, por fallas con los teloneros que brillaron por su ausencia para muchos de los impuntuales. Problemas con el sonido, y una actitud rockstar barata y poco solidaria por parte de la banda. Quizás quién sabe porque tanta desorganización y esa actitud irreverente de los músicos. No es interesante ahondar en temas aledaños a la música, pero, ¿Realmente vimos a Misfits?. Irreconocibles. Sin presentación alguna, sin teloneros precediendo (al menos muchos pensaron eso), ni tampoco manifiestas energías por dar un buen show. En medio de reclamos por fallas de sonido. La banda entró a escena, y con un par de amagues comenzó a calentar al público paulatinamente. Con un sonido más estridente y molesto carente de calidad.

Temas como “American Psycho”, “Last Caress” y “Die Die My Darling”, apaciguaron en cierto grado, las ansias de los presentes. Pero de igual modo, el sonido no hacía esperar mucho.
La antesala de este “megaevento”, era un completo desastre. El desarrollo siguió el mismo curso. Entre destiempos de Robo, el cual parecía un novato detrás de su bateria. Los errores garrafales de Dez Cadena, incluso en la penosa ejecución de “Rise Above” (de su antigua banda, Black Flag). Las grotescas desafinadas de Only, ya parecían un chiste. El sonido sencillamente iba acorde a la mediocre formación de la banda. Si un tipo de la envergadura de Jerry Only, se permite tal desastre dentro de Misfits , quizás hasta olvidó que debía tener un sonidista. Sinceramente, es inaudito presentar tal destrucción de clásicos, y ni siquiera tímidamente, sino a destajo.

Ni el peor tributo a estas leyendas del punk rock podrían generar tal aberración. Por su parte la organización atentó con la impuntualidad del chileno. En el ticket se estipulaba las 18hrs., como hora de inicio, pero no fue así. Los teloneros entraron en escena una hora antes, por consiguiente, quiénes creían que llegando a las 6:30 p.m., verían de entrada a Misfits, se equivocaron. Para más remate se perdieron cerca de la mitad de su breve presentación.

Para que desgastar más espacio, más palabras y más esfuerzo mental en escribir sobre un concierto de esta magnitud. Porque ni siquiera encontró la palabra desilusión para caracterizarse, lo que pasó fue una burla. Podrá ser la quinta vez de la banda en Chile, pero no fue más que otra visita anecdótica de Only. Para los que no fueron, no se perdieron de nada, es más, durmieron sin ese molesto pito en la oreja cuando el oído sufre un trauma por sonidos estridentes y molestos.

Monster of Rock: Ozzy Osbourne, el clímax de una jornada de tinieblas

Rodrigo Damiani

(publicado también en http://www.vortex.cl/)
20 mil fanáticos, 3 bandas de calibre pesado y un Santiago lleno de rock para esta gran cita del 2008.Lo ocurrido la semana pasada (1 de abril) con el Monster of Rock, quedará en la memoria de los 20 mil fanáticos que asistieron a ver a sus bandas predilectas. Recordar que en la cita estaban invitados los argentinos de Árbol, la banda del guitarrista Zakk Wylde, Black Label Society, Korn, y el "Rey de las Tinieblas", el padre del rock pesado, Ozzy fucking Osbourne.

La cita nuevamente se dio a cabo en la Pista Atlética del Estadio Nacional, al parecer el único recinto disponible para conciertos de gran escala. Todo comenzó a las 17:40 horas con la actuación de Árbol. Desgraciadamente no llegué a esa hora, ya que confié en la productora quien aseguró que a las 18:00 horas comenzaba el show. Por lo que escuché en radio Futuro, los trasandinos fueron pifiados y literalmente sacados del escenario, algo un poco injusto según mi humilde opinión, ya que a pesar de que estaban fuera de lugar en el Monster, tuve la oportunidad al día siguiente de ir a la Batuta y ver la actuación solidísima de los músicos del país vecino. Gran banda, simplemente se equivocaron de público, ya que su estilo musical se pasea entre el hardcore, rock and roll, folclore, entre otros.

A continuación, le siguió la actuación de más menos 40 minutos, de Black Label Society, con Zakk Wylde, como principal atracción con su estruendosa guitarra y voz al estilo country metalero. Una sólida actuación memorable que sirvió para calentar al público e imaginarse como sería ver a este simio de la guitarra junto al “Rey de las Tinieblas”. A esta altura, el recinto se iba llenando de a poco. Después de un intermedio, salieron a escena los norteamericanos de Korn, los cuales fueron recibidos de manera tibia por los asistentes que obviamente iban a ver mayoritariamente a Ozzy. Mencionar que Korn tenía sus fieles adherentes, quienes corearon todas las canciones y disfrutaron del buen sonido que tuvo el show. La banda se paseó por sus clásicos y toco lo más reciente de su discografía, show que a mí personalmente, no me prendió en lo más mínimo, pero que escuché con respeto.

Después de media hora de descanso, se apagaron las luces y el público estalló. El “Ozzy, Ozzy,Ozzy”, se hizo una constante. El recinto ñuñoíno comenzó a rugir y a exigir la salida del maestro Ozzy Osbourne, el cual tras bambalinas se daba el lujo de gritar y bromear con sus seguidores. Comenzó a salir en las pantallas diversas sátiras de series yanquis, donde Ozzy hizo de las suyas. Simplemente genial, nadie esperaba ese tipo de humor por parte del vocalista, hecho que se agradece, gran manera de prender al público.Empezó la introducción “O Fortuna”, para luego seguir con el single del último trabajo de Osbourne, "I don’t wanna stop", mostrándonos un sonido metálico y fresco, el cual el público pudo disfrutar de mejor manera, con un Ozzy lucido con vestimenta totalmente negra, con lentes y un cintillo. Look perfecto para el “Rey de las Tinieblas”. Luego, le siguió el clásico "Bark at the moon", el cual sin duda suena distinto a años pasados, un poco más lento, pero con la fuerza de siempre.‘Suicide solution’, fue el segundo track entonado por la agrupación, sonó magistralmente al igual que todo el concierto. A continuación, fue el turno de unos de los himnos del metal, "Mr Crowley", una versión perfecta tocada con maestría por Zakk, rindiéndole un tributo al guitarrista fallecido que compuso el tema junto a Ozzy el gran Randy Rhoads. 'I’m not going away’ , fue otro de los temas nuevos que Osbourne cantó y que el público escuchó con respeto, sin obviamente volverse loco, ya que sabíamos, me incluyó, que seguiría la ronda de éxitos. Ahora sería el turno del clásico, "War pigs", tema que llevó a los más adultos al pasado y a los más jóvenes como yo, a disfrutar de unos de los himnos de Black Sabbath. Excelente versión y aquí el baterista Mike Bordin ex Faith No More se lució completamente."Crazy train", llegó para apoderarse y nuevamente involucrar a todo el público en la canción, un gran clásico. Ese día escuché esa canción en la previa unas 5 veces y verla en vivo fue algo que no se puede explicar, sólo se puede vivir. Le prosiguió un pequeño break para Ozzy, pero no para el guitarrista, Zakk, quien tuvo un solo de 15 minutos, dejando atónitos a todos los amantes de la guitarra.

Cuando volvió Ozzy y compañía al escenario, se entonó otro clásico sabbatino, “Iron Man”, para continuar con la balada preferida por mí "Road to Nowhere", del disco "No More Tears". Le prosiguió "I dont know", otro clásico del “Blizzard of ozz", tema que prendió aún más los ánimos, tirando baldes de agua como en el pasado a sus acérrimos fans."Here for you", otro tema del nueva producción, una gran balada que nos muestra otro lado del gran cantante y compositor Ozzy Osbourne. Le siguió, ‘I don’t wanna change the world’, para continuar con la grandiosísima canción “Mama I’m coming home’, tema dedicado a su esposa Sharon Osbourne, y que fue coreado por toda la parcialidad y que para mí fue uno de los tantos clímax que alcanzó el recital. Terminando con el tema que llevó a Black Sabbath a la fama, "Paranoid", se puede decir que el concierto fue uno de los imperdibles del año y de toda la vida. Veo difícil que Ozzy vuelva por estos terrenos, por lo que si te lo perdiste tendrás que pedir a Dios que salga otro Ozzy Osbourne, algo obviamente imposible.

Underworld en Chile: Rozando la perfección

Francisco Quevedo

Desde que Underworld se hizo mundialmente conocido gracias a su hit “Born Slippy” incluido en la banda sonora de la película “Trainspotting”, siempre se ansió su visita, pero ese pedido sonaba más a una ilusión que a una realidad. Esa quimera se rompió la noche del 3 de abril de 2008. Y de la mejor forma. Underworld aterrizó en Chile para ofrecer un show de alto nivel, en todo sentido.

El dúo formado por Rick Smith y Karl Hyde presentó un setlist acorde a una primera visita: grandes éxitos que comenzaron con “Cocodrile”, track que abre su última entrega discográfica “Oblivion with bells” (2007). Sonido y puesta en escena craneada hasta el más mínimo detalle. Luego, lanzaron un éxito de mediados de los noventas. “Pearl girls” incluida en su segunda entrega “Second toughest in the infants” (1996). De inmediato lanzaron la carne a la parrilla interpretando una excelente versión de “Born Slippy” y con eso no hicieron más que meterse al público al bolsillo.

La afición respondió de la mejor manera: manos arriba siguiendo al carismático Smith y todo tipo de bailes que convirtieron Arena Santiago en un zoológico. Desde pokemones danzando hasta homosexuales besuqueándose, pasando por un mar de celulares registrando el espectáculo de los británicos. Una jungla.

Una vez que el ambiente estaba prendido, Underworld disparó el resto de la artillería (que no es poca). Hits como “Two months off”, “Rowla”, “Cowgirl”, “Rez”, “King of snake” o “Moaner” se sucedian sin respiro. No hubo descanso. Sólo un breve break para rematar todo con “Jumbo” del aclamado disco de 1999 “Beaucoup fish”.

Underworld es sin dudas una experiencia que vale la pena vivir. No es un dúo que abusa del manoseado y burdo “punchipunchi” sino que van más allá. Sus composiciones siempre buscan dar un paso más y conducir al oyente por complejos caminos. Además, no es pura música. La puesta en escena, las imágenes proyectadas y el trabajo en escena son casi perfectos y, gracias a eso, el show es uno de los más completos y sólidos que uno puede presenciar en el mundo de la electrónica. Tan perfecta fue la entrega de Underworld sobre el escenario que ver a Paul Oakenfold era, con todo respeto, casi una pérdida de tiempo. De hecho, no pocos decidieron irse apenas concluyó el show de los ingleses.

Iron Maiden en Chile: La cuarta fue la vencida

Francisco Quevedo
Fotos: El Mercurio

“Maiden viene el próximo año”, me anunció Nato con una emoción descontrolada, casi enfermiza; esa que sólo producen bandas como Iron Maiden. Para esa fecha, quedaban varios meses de espera y ansiedad los que, por suerte, terminaron.

El domingo 9 de marzo de 2008 puede ser fichado y recordado como el día en que los Maiden realizaron su mejor presentación en Chile. Nada de lloriqueos de la Iglesia, como en 1992, vocalistas deplorables en 1996, los motivos políticos ridículos de 1998 ó el mal sonido de 2001 y 2004. Esta vez no hubo excusas que evitaran ver el más sólido, preciso y emocionante show de todos.

La fiesta comenzó temprano. La Pista Atlética del Nacional soportó a duras penas a la multitud y, de paso, confirmó la idea de que para futuros conciertos con una alta demanda, se debe autorizar un recinto acorde a las circunstancias y no dejar sin entrada a tanto roquero. Las casi 30.000 personas escucharon con respeto a Lauren Harris, hija del “master of papet” Steve. Un show sin grandes sorpresas que se puede definir en una palabra: correcto. No hay muchas cosas que decir, pero si hay que rescatar que para sus 23 años, Lauren tiene una gran personalidad. Sin dudas; “lo que se hereda, no se hurta”, dicta el refrán.

Luego de la presentación de la Harris, no quedaba más que esperar unos cuantos minutos para que se desatara la “gran fiesta gran”. Los acordes de “Doctor, doctor” de UFO (al igual que en 2004) no eran más que la fanfarria que anunciaba la destrucción que asomaba. Antes del discurso de Churchill que abre el “Live after death” de 1985 (su lanzamiento en DVD es la razón de ser de esta gira) mostraron un video con imágenes del tour con “Transilvania” (Iron Maiden, 1980) de fondo. El aperitivo.

Tras la frase “…and will never surrender” que remata las palabras de Churchill, apareció en escena, de golpe, el sexteto. “Aces high” (Powerslave, 1984) se encargó de abrir los fuegos con un sonido impecable. Y si a esto le sumamos la reacción frenética y devota de la masa, el cuadro es insuperable. Así fue todo el show. No hubo puntos bajos, ni momentos que insinuaran un bajón ya sea de repertorio, ánimo del público o en el sonido. Notable, de principio a fin, incluida la pifia (estaba en huelga) que tuvo la guitarra electroacústica de Murray en el comienzo de “Moonchild” (Seventh son of a seventh son, 1988). El peak del concierto, a mi juicio, fue la sublime interpretación de “The rime of the ancient mariner” del disco Powerslave.

El cierre del espectáculo estuvo a cargo de “Hallowed be thy name” (Number of the beast, 1982). Broche de oro, magistral, enorme, notable. Son pocos los hits que alcanzan este nivel y, a juicio en muchas entrevistas, los mismos miembros del grupo han reconocido que es una de sus canciones favoritas. Por lo mismo, fue el término perfecto que se merecía un show como este.

Un factor que no se vio en 2004 con tanta fuerza fue la asistencia de padres roqueros con sus hijos, niños que no superaban los 10 años. Ese marcado elemento generacional explica que el fanatismo por Maiden va en la sangre y es un vínculo sagrado entre la banda y su público. Una lealtad hasta la muerte, marcada a fuego. Ese hecho generacional le entregó al ambiente un toque familiar, el gran clan que se reúne a pasar un buen rato y donde no hay problemas; están todos felices.


En el diario El Mercurio criticaron que los telones y escenografía del grupo se quedaron estancados en los 80s y que es un síntoma de tacañería. Es una opinión discutible porque Iron Maiden no necesita grandes parafernalias que sustenten su show. Al contrario, los mismos integrantes son el espectáculo. ¿Acaso el control instrumental y carisma de Steve Harris, la voz y manejo escénico de Bruce Dickinson, el cariño que la masa tiene por Nicko Mcbrain, las piruetas que hace Janick Gers, pelea incluida con Eddie mientras interpretan “Iron Maiden” y la combinación perfecta entre Dave Murray con Adrian Smith no son un show en sí mismo? La respuesta se encuentra en un concierto de la banda.

Rock. Up the Irons!

Setlist:

- Churchill Speech/ Aces High

- 2 Minutes to midnight

- Revelations

- The tropper

- Wasted years

- The number of the beast

- Can I play with madness

- The rime of the ancient mariner

- Powerslave

- Heaven can wait

- Run to the hills

- Fear of the dark

- Iron Maiden

--encore--

- Moonchild

- The clairvoyant

- Hallowed be thy name

Andrés Calamaro: "el salmón" se comió Chile

Rodrigo Damiani ( publicado tambien http://www.humonegro.com/)
Fotos: Grillo
Sin duda el año 2007 ha sido uno de los años más prolíferos en relación a conciertos, artistas de la talla de Roger Waters, Soda Stereo, The Police entre otros han otorgado shows memorables, con una muy buena producción y asistencia de público.

Diciembre del 2007 quedará en la memoria de muchos fans y medios. ¿La razón? En una semana demasiados conciertos comenzando el día 5 con los británicos The Police, pasando por los criollos metaleros Criminal el 7, el día 8 Snop Dogg y Divididos, el 9 de diciembre Andrés Calamaro y el día 10, es decir hoy, Chris Cornell (ex Soungarden y Audioslave).

Tuvieron que pasar 10 años para que el trovador argentino volviera a tierras nacionales, y eso se notó en la histeria colectiva que rondaba en el recinto, no sólo el público estaba nervioso, sino también la producción del evento que debo decirlo, fue totalmente mala.

Partiré dando algunos datos ajenos a lo musical. El espacio Riesco se encontraba tranquilo a las seis de la tarde, pero la marea de personas se hizo sentir alrededor de las 7 de la tarde, con un público sediento de música buena, y con representantes de todas las edades, desde canosos hombres de edad, hasta mamás con coches que llevaban a sus hijos a ganar experiencia en la vida. Una vez dentro nos dimos cuenta que el lugar estaba repleto de asientos, cosa poco usual en un concierto de rock, pero bastante lucrativo para las productoras. Este detalle causó molestia en un principio porque los afortunados que pudieron pagar un poco más se paraban en las sillas y dejaban sin ver a la respetable entrada general, cosa que se fue solucionando con el pasar de los minutos.

Entrando en lo musical, se sirvió de entrada a la banda ´Fito y los Fitipaldis, que a pesar de ser una de las bandas más importantes de la música española, no llegó al público criollo con gran solvencia, sólo realizó su espectáculo y se retiró bajo los gritos del “olé, olé, olé,….. Andrés, ……Andrés”, aunque para los que disfrutamos un poco más de la música, nos resultó agradable, son músicos que tienen un gran desplante escénico y sus temas hacen el resto, una lástima que no hayan recibido un mayor respeto en su presentación.

Casi inmediatamente después de la salida de los teloneros, entró un Andrés Calamaro ovacionado por su público. Este llegó en gran número a presenciar el show del señor Calamaro, y se notaba que lo extrañaba diez años después de su última visita a nuestro país. Con “El salmón”, Andrés dio el vamos y entregó una idea de lo que sería su show, cerca de tres horas de buen rock con el toque argentino, que hace corear las canciones como si se tratara de una hinchada en el estadio.

Para que se hagan una idea fue más o menos una media hora que el show no lo pude apreciar de buena manera ya que los inteligentes se encontraban todos parados en sus sillas, y no dejaban ver hacia atrás, hasta que los vivos de la productora decidieron hacerse respetar y obligar al público a sentarse, menos mal, si no hubiera sido uno de los peores conciertos de mi vida.

Bueno, después de la crítica volvamos con lo musical. El genio argentino se paseo por sus éxitos radiales y otros temas más desconocidos, no pensé que tocaría canciones de su último disco “La Lengua Popular”, me llevé una grata sorpresa cuando el roquero interpretó más de 5 temas del nuevo álbum donde destacaron “Carnaval de brasil”, “soy tuyo” y “sexy barrigón”.

Cuando el artista tocó sus hits más emblemáticos, sin duda se vivieron los mejores momentos del concierto. Temas como “Flaca”, “Loco”, “Paloma” y la increíble balada “Crímenes Perfectos”, Espacio Riesco se vino abajo, provocando el chillido histérico y griterío total del público.

Las últimas tres canciones, Andrés Calamaro, quien se notaba que estaba agradecido de la alta afluencia de público, invitó a Fito y Fitipaldis a tocar los últimos tracks junto con su banda, si señores 11 músicos en el escenario rockeando, junto a los dos coristas masculinos de la banda de Andrés, provocando la felicidad y plenitud total del respetable.

Sin duda fue un concierto de los mejores del año, pero no por su sonido y las 2 horas de concierto, si no más por el valor carismático y social que tiene el artista argentino. Esperemos que para otra ocasión pueda ver al genio argentino en un lugar decente y no el horrible Espacio Riesco.

Steve Vai: Más que una guitarra

Rodrigo Damiani

fotos extraídas ( http://www.humonegro.com/)

En la fría noche del 10 de noviembre se vivió sin duda uno de los mejores conciertos del 2007. Se presentó uno de los guitarristas más afamados y virtuosos del mercado mundial, el rockstar de la guitarra, Steve Vai quien está alienado durante muchos años en la marca de guitarra japonesa Ibanez. Eran las 8 de la tarde y la gente estaba comenzando a legar al recinto de Ñuñoa, el Court Central del Estadio Nacional sería el escenario para la presentación del show del guitarrista.

Me gustaría destacar el ambiente: todo era tranquilo, la gente calmada llegaba en masa al lugar y hasta los propios carabineros andaban sonrientes y fumando a escondidas en los baños. Aclarar que el Court Central no se llenó, estaba -yo diría- a un 70% de su capacidad, habían espacios en la galería, y en la cancha sólo se encontraban lleno los asientos que estaban disponibles, si señores, como lo leen, asientos en un concierto rock, nunca había visto algo parecido en Chile, pero bueno cosas de la productora.

El día anterior, el virtuoso se había presentado en la ciudad jardín ante unas 800 personas, situación que refleja el por que los artistas de renombre no van a regiones, no es posible que los viñamarinos se hayan perdido un exquisito recital, de lo mejor del año. Con puntualidad inglesa se dio inicio a lo que sería uno de los mejores conciertos de rock del año, a las 9:00 comenzaría el concierto que se prolongaría hasta las 23:40. Saquen la cuenta, dos horas cuarenta de fuerza, virtuosismo y por sobre todo emotividad.

Si me preguntan como resumiría el concierto diría fue simplemente emotivo, se notaba que lo estaba pasando excelentemente interpretando sus clásicos con su pelo al viento, y tocando como el aseguraba, "como nunca antes, en su mejor momento".

Cuando se apagaron las luces y la música típica que se escuchan por los parlantes, se desató la furia por parte de los asistentes, quienes de inmediato sacaron celulares y cámaras fotográficas. El caos había llegado a Santiago. Aparece en escena en su majestuosidad Steve Vai, con una especia de túnica rockanrolera, acompañado por sus 5 músicos que dominaban a perfección sus instrumentos, destacando los dos violinistas que se encontraban en escena, Alex DePue y la exquisita Ann Marie Calhoun.

El músico tuvo una grata química durante todo el concierto con el público, conversaba y bailaba de forma ridícula desatando la simpatía en la gente durante todo el período del concierto. El espectáculo no tuvo cortes ni nada, fue seguido, no pararon ni un instante de tocar. Cuando Steve Vai se cambiaba de ropa o descansaba un par de minutos dejaba a su banda (maestros), jugando y apoderándose del set list.

En el show se tocaron temas de casi todos sus discos variando siempre el estilo desde un rock progresivo y metalero hasta canciones funkies y un listado de cuatro canciones en formato acústico. "Survive", "Bad Horsie", "Freak show excess", "Juice", "Fire garden" fueron algunas de las canciones interpretadas por el simio de la guitarra, las más aclamadas, aplaudidas y disfrutadas fueron "For the love of god", "Whispering A Prayer" y "Tender Surrender".

Otro de los aspectos que apoyaron un desarrollo excelente del show fueron las luces y humo que oscilaron durante todas las canciones, el telón también aporto lo suyo con una imagen de un universo con el logo de VAI.Como se imaginaran fue un recital redondo y como dije anteriormente muy emotivo, en cada nota musical que tocaba se te paraban los pelos, es impresionante lo que una guitarra puede provocar, pero el show de Vai va más allá de ser un gran músico, sabe hacer un Show completo, todo un Rockstar.

El instrumentalista aseguró que volverá a tierras nacionales más adelante. El público chileno rendido a tus pies está.

Alter Bridge; “Blackbird”: Volvió a correr agua bajo el puente

Renato Zelada

Tres años pasaron desde su exitoso debut “One Day Remains”. Los ex-Creed Tremonti, Marshall & Philips y el gran Myles Kennedy están de vuelta, y más rockeros que nunca. Este álbum no es comercial cómo su debut, ya que poseen elementos más metaleros, guitarras más pesadas, afinaciones bajas y un tema de 8 minutos. Algo poco común en bandas de este estilo llamado neo-grunge.

La evolución de esta banda me sorprende. Su primer disco es bastante comercial, buena música al cabo, pero comercial, con 6 baladas en un total de 12 canciones, ¿es cómo mucho o no? Quizás ya no siguen una senda tan comercial debido al éxito que alcanzaron con Creed, ya que deben tener los bolsillos llenos de ese maldito dinero, o quizás se decidieron a crear buena música. Prefiero quedarme con la segunda idea, y si es así, vaya que lo lograron.

Esta placa comienza con la demoledora “Ties That Bind”. El comienzo perfecto para este disco, ¿por qué? Simplemente comienza con una guitarra bastante suave que inconscientemente hace creer a uno que se trata de una canción pegadiza y simple de medio tiempo… pero a los 23 segundos todo cambia y se va a la cresta. Rock, nada más.

“Come To Life”, el segundo track también impone un poderoso riff, aunque no logra provocar esa emoción que logra el resto de los temas de esta placa, se puede decir que pasa un poco desapercibido. “Brand New Start” quizás refleja lo que la banda intenta crear en estos momentos, dejando de lado las canciones para jotearse minas y creando rock. Buen tema, sirve como puente en el disco con lo que viene más adelante.

El cuarto tema “Buried Alive” es una bomba energética al igual que el siguiente track “Coming Home”. Riffs bastante pesados, una caja que suena bastante fuerte, quizás estos elementos son los que lo alejan de ser éxitos radiales. Melodías bastantes melosas y agradables. Estas 2 son perfectas para escucharlas con los audífonos en la micro de mierda y vaya que cambian el estado de ánimo.

“Before Tomorrow Comes”: notable! El equilibro en este álbum lo pone este tema. Es la mezcla que resume al nuevo Alter Bridge: acordes melosos, voces suaves y posteriormente todo lo contrario.

El primer single merece párrafo aparte. “Rise Today” no es la mejor elección como single. Puede ser el tema que desentona del álbum, ya que no es tan compleja o tan creativa como el resto de las canciones, es resimple. Verso cortísimo y el coro de una y todo se repite posteriormente. EL punto débil del disco.

El tema homónimo, “Blackbird” se lleva todos los aplausos. Siete minutos y cincuenta y ocho segundos que te vuelan la cabeza. Una melodía espectacular, un Tremonti demostrando sus grandes facetas como guitarrista y un Kennedy inspiradísimo cantando y gritando como nunca, ojalá no haya que esperar mucho para escuchar este tema en vivo. Simplemente notable!

“One By One” sigue la misma línea que “Buried Alive” y “Coming Home”. “Watch Over You”, la balada del disco. Excelente, logra su objetivo.

“Break Me Down” y “White Knuckles” siguen la tónica del disco, temas pesados con riffs bastantes poderosos. Uno puede pesar que tantos temas con las mismas características pueden aburrir a uno, pero al contrario, uno se motiva con esta faceta. El disco finaliza con “Wayward One”. Tema pesado pero de un mid tempo, esta en la onda de “The End Is Here”, track que cierra su disco anterior. Notable.

En resumen, 13 temas que nos vienen a aclarar una cosa. De ser promesa se convirtieron en realidad. La evolución que tuvieron entre estos 2 discos puede provocar discusiones entre sus fans, los que extrañan la onda comercial y repleta de baladas o los que quieren rock. Nada más. PAZ

Tracklist:

1.- Ties That Bind
2.- Come To Life
3.- Brand New Start
4.- Buried Alive
5.- Coming Home
6.- Before Tomorrow Comes
7.- Rise Today
8.- Blackbird
9.- One By One
10.- Watch Over You
11.- Break Me Down
12.- White Knuckles
13.- Wayward One

Total: 59:01

http://www.alterbridge.com

Roulette: "Nothing to lose" (2007)

Francisco Quevedo

Tras la disolusión de Surrender (2003), Franco Solari y Nicolás Garib trazaron de inmediato las líneas de su futuro en el campo de la música. Así nació Roulette en el 2004, banda con que, a punta de esfuerzo y tozudez, se han dado a conocer con más fuerza. Solari es dueño de la guitarra, Garib de la voz y teclados mientras que Tony Vendetta azota la batería.

Luego de tres años, y unos demos que sirvieron de esqueleto, este 2007 lanzaron su primera producción “Nothing to lose”. La placa responde con creces a lo que cualquier fanático del rock quisiese escuchar. Sí, porque Roulette crea e inspira su música en bandas de corte clásico como Deep Purple (The container song), The Beatles (Downfall) o Led Zeppelin. Con esa influencia y agregándole elementos de otras banda como Iron Maiden (Takin’ Flight), Judas Priest (The curse) e, incluso, Megadeth el resultado es más que digno.

“The container song” es el aperitivo perfecto para lo que se avecina. Precisa y sin rodeos es como si un boxeador te golpeara sin darte ni la mínima opción de reaccionar. Por suerte no te noquea, aunque su potencia es un buen aviso. Algunas críticas a la banda que recabé y que Solari me confirmó en una entrevista apuntan al hecho de que se utilice el inglés en las letras. En mi opinión, eso no debería discutirse. Qué tiene. Según Solari “lo utilzamos porque es parte de la influencia musical que nosotros como banda recibimos desde niños”. Listo.

Fijarse en el tema del inglés es como mirar la punta del iceberg y no ver todo en su conjunto. Justamente, mirándolo como un todo, el inglés calza perfecto en el esquema. Así hay que mirar el concepto que pretende entregar Roulette en su propuesta.

Cortes como “Takin’ flight”, “Nothing to lose”, Payback, (que tiene un comienzo digno de Pulp Fiction) “Dead of night” ó “Quickfreeze” apuntan al rock en su más noble esencia: simple, potente y claman a esa sed única de cerveza que te causa. Más simple, imposible. Con dichas características, no es mucho más lo que se puede pedir.

El nombre de la agrupación cae como “anillo al dedo” ya que el álbum es, durante largos pasajes, similar a girar en una ruleta. No sabes a dónde te llevará ni en que número caerás, pero por ese simple hecho y expectación, las ganas de continuar escuchándolo crecen y se solidifican.

“Highway 101” ó “Downfall” (tema que cierra el disco) se van por la onda de, si se puede decir, calma rockera. No pierden el espíritu que tiñe a todo el álbum, pero son un tanto más reposadas. No por eso, son menos valiosas. Son, de alguna manera, el complemento a las demás canciones. El equilibrio preciso (y necesario).

En su totalidad, y para ser el debut de la banda, el disco es recomendable y, de seguro, cumplirá las expectativas de muchos. Bien grabado, con atractivos hits rokeros y un arte bien acabado, “Nothing to lose” es una interesante apuesta. El disco lo pueden encontrar en el Portal Lyon.

Sitio web: http://www.roulette.cl/

Alejandro Silva: "Orden y Caos" (2007)

Rodrigo Damiani
Alejandro Silva sin duda es uno de los mejores guitarristas nacionales y latinoamericanos del momento. Es el pionero en Chile en lo que respecta a una carrera solista, donde la guitarra es el elemento principal y fundamental.

Después de la inserción de Silva en el mercado nacional, muchos fueron los músicos que se motivaron y quisieron imitar al virtuoso de las 6 cuerdas. En la actualidad encontramos a Lukas Yaksic(Dogma), Gabriel Hidalgo(Six magics), Claudio Cordero(Matraz) entre otros maestros, todos alineados bajo la marca de guitarra japonesa Ibanez.

Muchos creían que el hecho de que una banda no tuviera un vocalista, sería la razón para que el proyecto no tuviera chances de funcionar. Alejandro Silva con su esfuerzo y sus dos primeros discos (Volumen I y Dios Eol) pudo demostrar a la escena musical lo contrario, llegando muy alto a lo que respecta una carrera en Chile.

Posteriormente llegó al mercado un disco y DVD en vivo, la tercera producción de su carrera. Alejandro Silva Power Cuarteto, es la banda que apoya al músico en sus presentaciones en vivo, y esta integrada por extraordinarios músicos: Cristóbal Arriagada (guitarra) también del Ibanez Army, Gonzalo Muga (batería) y Rodrigo García (bajo).

Ha pasado el tiempo y por fin Alejandro Silva Power Cuarteto saca este año su tercera producción en estudio titulada “Orden y Caos”. Álbum que traía varias expectativas debido a que el guitarrista a principios de año si no me equivoco protagonizó un accidente que lo tuvo fuera sin poder tocar su instrumento por varios meses.

Se pensó inclusive que el virtuoso de las 6 cuerdas no podría tocar nunca más sobre un escenario. Menos mal, el accidente no pasó a mayores y Alejandro se pudo recuperar satisfactoriamente, situación reflejada en “Orden y Caos”, un discazo de lo mejor de la carrera de Silva, un álbum redondo que mezcla diferentes estilos, pero en donde la virtuosidad y los sonidos heavies son la tónica del asunto.

El disco comienza con “New Caos”, el músico demuestra por que es uno, si no el mejor exponente de la guitarra eléctrica en Chile, una canción sólida que muestra un acompañamiento de sus camaradas, la pieza tiene los sonidos que caracterizan a Alejandro Silva, poder y mucha técnica , una canción realmente entretenida, sin duda una de las mejores del disco.

“4 +”, es la siguiente canción, aquí el guitarrista nos muestra su influencia hardrockera de los años 80, un Tracks que engancha y que perfectamente será del agrado de los más fanáticos

“Jakobshavn “, un tema que comienza muy funk, pero en el transcurso de los minutos asoman sonidos metálicos que van creando una atmósfera especial y virtuosa, los solos es la constante de la canción, van oscilando una batalla de melodías.

Le prosiguen “Marea Solar”, “Retrievolution” y “Black iron”, los temas más pesados de la producción con unos riffs demodelores y que sin duda te dejaran con dolor de cuello. Me gustaría escuchar estas canciones en vivo y en directo. Deben sonar simplemente sólidas. Le sigue “Mantis A”, la clásica balada que ponen los virtuosos de la guitarra, lo ha hecho Satriani y Vai, no veo por que no podía hacerlo Silva.

Le siguen “Omicron”y “Prostitución”, canciones con tintes más funkies y progresivos, continua el track numero 10“respira”, el primer tema en la carrera del virtuoso de la guitarra, donde involucra un vocalista llamado Pancho Rojas, si señores el mismo que cantaba en Mandrácula, Rekiem y actual frotman y guitarrista de Damajuana. Sin dudas una de las canciones más interesantes del álbum que dan a pensar en un futuro donde el virtuoso haga un disco en su totalidad con un vocalista o varios vocalistas invitados, bueno ese es otro tema.

“El llamado”, es una introducción de 1:20, donde suenan calidas guitarras acústicas y sirven de obertura para el tema siguiente titulado “el reto”, uno de los temas más rápidos y en donde los músicos demuestran el por que son una de las bandas más pesadas y talentosas, una canción rapidísima que no deja tiempo para respirar, otro de los puntos altos del álbum.

“Purificación”, “Lo desconocido” y “Metal himmo” son los últimos tres temas de la producción, y son un gran cierre para un gran álbum no es por exagerar pero “Orden y caos”, es de lo más sólido y creíble que ha realizado el virtuoso de las 6 cuerdas, no por nada Alejandro Silva es invitado constantemente a tocar a diversos países de Latinoamérica y cuando vienen los alienígenas de las 6 cuerdas, Silva es el primer invitado en sus shows.

Simplemente recomendar y avalar la carrera de Alejandro Silva, esperamos que siga en la misma senda de hacer buenas canciones de rock and roll.

Radiohead: “In Rainbows” (2007); Innovadores, como siempre

Francisco Quevedo
(disponible también en www.humonegro.com)

Radiohead ha vuelto y vaya de qué forma. Con un golpe a la cátedra: el pasado 10 de octubre comenzaron a vender su nuevo material, “In Rainbows” por la web y al precio que cada fanático quisiera o pudiera pagar. Libertad total.

Lo mejor no es eso. Es la música. Es verdad, la banda innovó una vez más y eso se aplaude. Pero hay un punto, a lo menos curioso, en todo el asunto: descargar “In Rainbows” gratis o pagando poco es injusto porque, pese a que todos soñamos alguna vez con este sistema de distribución, el disco vale mucho más de lo que uno podría pagar.

Mirado desde la otra vereda, es excelente acceder a tan buena música pagando nada. Porque ese es el punto: “In Rainbows” no sólo entró a la historia por su forma de venta sino que porque es un gran disco, una obra calculada y craneada con maestría. Cada canción es parte de un único gran concepto, pero es, en sí, un mundo paralelo que te invita a viajar por el espacio, hundirte en el océano ó navegar por tu mente. Una agradable "volada rock", como diría un amigo.

El séptimo trabajo de los ingleses es envolvente desde el primer segundo y también, desde la primera vez que uno lo escucha. Otros discos son como una patada al hígado: te contaron que era bueno, pero por más que lo escuchas una y otra vez, no hay caso y te golpea, te duele. “In Rainbows” es al revés: mientras más veces lo escuchas, mejor; más elementos descubres y más profundo te adentras en lo que el disco propone.

La propuesta del disco es amplia e inagotable. Con elementos sacados de todos los álbumes anteriores (aunque sean sutiles) y rescatando virtudes del proyecto solista de Thom Yorke, “The Eraser” (2006), el concepto es fresco e innovador. Sin seguir una sola línea, el disco viaja por variados estilos que tienen como eje la voz siempre sobrecogedora de Yorke, pero apoyada en todo momento por la banda. El grupo completo alcanza un gran nivel.

“In Rainbows” nos enseña que aunque una agrupación haya realizado cosas geniales antes, nunca hay que creer que no se pueden superar o reinventar. Sin desmerecer ningún álbum de Radiohead, este último material entró de lleno a pelear por el premio al mejor. “Quizá po aí” (término netamente futbolero; gracias Matador) es una exageración, pero también grafica de alguna manera la potencia y significado del disco.

Todas las canciones, por el concepto antes mencionado del mundo paralelo, son claves. Hay unas que gustan más que otras, pero se debe reconocer que hace mucho tiempo no aparecía un trabajo tan sólido, compacto, preciso y, además, con hits tan hermosos como “In Rainbows”.

Justamente, cada hit es una razón para escuchar el disco. Por lo tanto, hasta el 3 de diciembre -fecha en que sale el trabajo en formato vinilio y cd- tenemos diez perfectas razones para escuchar Radiohead. Motivos que son como un río y su cascada que fluyen desde los orígenes de la Tierra, y que nada, ni siquiera las fallas geográficas o la explotación humana, logran alterar su curso.

Por lo tanto, hacer una mención para cada hit es casi imposible porque, insisto, son un mundo en sí, profundo y único. Entre todos forman, en conjunto, una obra sublime que supera por mucho a lo que se hace hoy generalmente en el planeta de la música: muchas veces vale más el negocio y las ventas, en desmedro de la calidad del trabajo.

Radiohead es un ejemplo de que las cosas se pueden hacer más por el contenido que por lo superficial (ventas). Podría seguir adentrándome en “In Rainbows” y todo lo que conlleva, pero estaría mucho tiempo dando vueltas y, de seguro, acabaría perdido.

Sólo me queda recomendar este disco porque es una oportunidad, hoy, de escuchar algo notable, innovador e único y de volver a creer en que aún se pueden hacer cosas que rompan con lo típico a lo cual cada vez nos hemos acostumbrados sin darnos cuenta.

Si vienen a Chile se arma un despelote rock de proporciones...

Andrés Calamaro:"La lengua Popular" (2007)

Rodrigo Damiani.

Sin duda, Andrés Calamaro es uno de los cantautores más destacados de latinoamérica y el mundo, caracterizándose desde siempre con un estilo único y reconocible, todo un rockstar latino, un músico que hace y siempre ha hecho lo que se le antoja, pasan los años y el talento sigue intacto, así lo reflejan sus últimas producciones discográficas “El Cantante”(2004), “Tinta Roja”(2006) y “El Palacio de las Flores”(2006), discos que siguen derrochando altos niveles de talento y soberanía musical.

La soledad, el alcohol, las mujeres y el tal manoseado concepto de “amor”, es manejado con maestría por el cantautor en sus producciones, las que se han destacado siempre por mezclar estilos y temáticas en su totalidad referidas a vivencias personales y con una voz tan característica a la que nos tiene acostumbrados.

Este punto para mí es lo más importante y es lo que lo diferencia al argentino de cualquier artista en el mundo; las creaciones artísticas del cantante son reflejadas en canciones personales que realmente están creadas para satisfacción personal, no veo una intención de la masividad, pero una buena canción traspasa fronteras, por lo que la carrera de artista se ve cada día tejida con argumentos poéticos transformados en música.

Calamaro no tiene que demostrarle nada a nadie y eso se nota en su último álbum de estudio llamado “La lengua Popular” (2007), lo que más me gusta de la música de Andrés es su sinceridad y simpleza, da a conocer su humanidad, sin duda es un rockstar, todos tenemos claro este elemento, su larga trayectoria en los escenarios mundiales lo han hecho el artista que es hoy, pero su humildad ha sido reflejada durante toda su carrera, el poeta es de carne y hueso, alguien que ha sufrido y ha sido feliz como cualquier persona, esa humanidad que impregna en su última producción es lo que te hipnotiza y hace que las letras se asemejen a tu simple vida.

El álbum consta de 12 canciones, las cuales oscilan entre el rock característico del argentino y baladas que van mezclando diversos elementos. Destacan en la producción “Carnaval de Brasil”, con una letra extraordinaria, Calamaro nos muestra sus mejores dotes como baladista de rock, por que la canción no se puede tildar de balada, ya que tiene el rock sutil que siempre el artista imprime en los temas. “soy tuyo”, otro de los tracks destacables, nuevamente encontramos una letra desgarradora y poética, una música que acompaña de manera notable el relato del músico. “mi gin tonic”, otro de los temas rockeros al estilo inconfundible de Calamaro que podrían perfectamente empezar a sonar en las radios nacionales. Los otros temas deambulan entre el folclor y el funky, también posee temas lentos y hasta una cumbia. Otra de las producciones que destacan se llama “sexy y barrigon”, un tema divertido donde destaca en la producción, una letra simple y divertida su titulo lo dice ¿o no?

Uno de los mejores trabajos solistas que ha realizado el cantante en las últimas producciones. Es el trabajo más completo y redondo. Recordar también que Andrés Calamaro nos visita a fin de año, por lo que al igual que yo, miles de fanáticos nacionales estaremos en el Arena Santiago para corear los excelentes temas de su nueva producción, simplemente recomendar el disco, sin duda les hará pasar un rato agradable.

Luca Prodan y Sumo:Hablemos de ciertas cosas; ¡no kayes nunca!

Francisco Quevedo

De Sumo, la mítica banda argentina (1981-1988), se pueden decir muchas cosas: que cambiaron la escena rock argentina de la década de los ochenta, o bien, que nunca fueron comprendidos, que tuvieron una fugaz, pero genial carrera discográfica etc. Sin embargo, cualquier comentario, mito o afirmación en torno a Sumo va, inevitablemente, de la mano con un nombre: Luca Prodan.

Sí, el vocalista. Un tipo bajo y calvo, de origen romano y con una vasta educación europea. Un tipo que huyó de la selva del primer mundo para salir de la heroína y disfrutar de los paisajes de los valles argentinos. Un tipo al que le ofrecieron una beca en Cambridge, pero la rechazó. "Yo viví siete años en Londres y tuve que dejar todo y venirme porque la heroína me estaba matando. La heroína es la mamá eterna, es como el útero que te protege. Con ella no se jode...”, sentenció en alguna ocasión. Recordemos que Luca Prodan nació en 1953 en Roma. Estudió en Escocia, vivió en Londres y en 1981 llegó a Argentina. Murió el 22 de diciembre de 1987 en su departamento por un paro cardiorrespiratorio, una cirrosis hepática aguda y una sobredosis. Fue hallado en su habitación en posición fetal y con el rostro lleno de risa. Con él, Sumo también desapareció.

¿Sabia reflexión? Puede ser. De Prodan se esperaba cualquier cosa. Impredecible, único, impulsivo, auténtico, rockero, natural, jodido…en fin…Salir del mundo aristocrático que le ofrecía Inglaterra y venir al culo del mundo para hacer, en un principio, quién sabe qué es simplemente rock. Al llegar, la historia es medianamente conocida, en vista de lo realizado durante los ochentas por Sumo. Tres discos oficiales mientras Prodan estuvo con vida: “Divididos por la felicidad” (1985), “Llegando los Monos” (1986) y “After Chabón” (1987). A esta lista se suma el “disco póstumo”: “Fiebre” (1989), álbum que seria el siguiente material discográfico de Sumo si la muerte de Prodan no hubiese firmado lo contrario. Luego se sumó la reedición de las primeras grabaciones de la banda: “Corpiños en la madrugada” (1992).

El nexo entre Prodan y Sumo fue mucho más que musical. Fue más allá. Una unión de por vida, una relación humana llena de sentimiento, pero que a la vez, nunca estuvo definida. Basta con saber lo que opinaba sobre la banda: “Sumo es como un casamiento, o sea que estamos casados en beneficio mutuo. Para divertirnos con la música, para ser creativos con la música, y para ganar guita para poder vivir y comer. Y entonces si nos peleamos se caga todo. Y más para ellos, porque si yo me voy de Sumo, si yo me enojo con ellos... Ese es mi poder en Sumo: si yo me voy, no existe esto. Yo soy el que es más carismático y el que habla más y el que le da más bola a la gente. Los otros, directamente... Pettinato se hace el agrandado... Vos me parás a mí, pero si vos parabas a Pettinato en la calle, por ahí te miraba mal, con desprecio. Esa es la diferencia.", afirmaba.

Otra reflexión más tajante sobre su creación: "Alguien me preguntó: - ¿Qué es Sumo? Es una pregunta estúpida... Es como preguntar: ¿Qué es tu zapato? ¿Qué carajo respondés? Entonces yo le dije: - Sumo es algo que hace tu abuela cuando no tiene nada que pensar”.

¿Insólito? No señor, nada de eso. Prodan, por lejos, era el más lúcido de todos. Esa fue una de sus gracias. Él fue así, murió así. Llegó a Argentina a desintoxicarse de la heroína y se sumergió en la ginebra trasandina dejando un camino para tomar otro. Ambos con el mismo final. La lucidez lo acompañó siempre. Esa máscara de supuesta locura funcionaba para aumentar su lucidez más que para alentar su demencia. El caso de Luca Prodan responde a ese loquito que uno juzga y destruye por el simple hecho de no calzar con lo establecido y que rompe todo tipo de esquemas sin detenerse ni siquiera un instante a escuchar, comprender y valorar su obra. Más fácil, cómo no, es tildarlo de loco de patio y mandarse a cambiar. Obvio.

Sin adentrarse mucho en la vida de Prodan, algunas características o rasgos de su personalidad salen a flote de inmediato y otros se dejan entrever con una facilidad digna de la mejor intuición. Lo más fácil sería alabar –y admirar- al calvo vocalista por sus locuras y plantear que su adicción a la heroína, su alcoholismo, desenfreno y manera de vivir lo convierte de inmediato en un ser que merece todo tipo de laureles. Sin embargo, creo, eso sería como recorrer todo el iceberg para quedar en la punta. Es decir, es lo mismo que nada. Ese sería el otro camino fácil. La otra cara de la moneda a la de no valorar al “loquito de patio”. Ambas son salidas superficiales.

Es verdad, Prodan fue un drogadicto, un demente alcohólico, dueño de una personalidad frenética, capaz de decir lo que otros querían, pero no podían, ir más allá de lo establecido etc. Suficiente. La leyenda se encarga de alimentar eso constante y recientemente a medida que pasa el tiempo.

Sin embargo, hay un aspecto que es esencial para entender al italiano: su autenticidad. Él fue así no por una moda; las odiaba. Por ejemplo del reggae dijo: “…es una boludez. Al principio me gustó, pero después me di cuenta de que no eran de verdad. La mayoría de esos que se dicen rastas son unos ladrones... unos hijos de una gran puta... ¡Quieren volver a Etiopía! Andá a Etiopía, se están cagando de hambre. Murieron dos millones en los últimos años y esos idiotas de Jamaica quieren volver a Etiopía, están locos. Encima todas las rastas tratan re mal a sus mujeres. La mujer es totalmente sometida. Tiene que tener un turbante, no se puede soltar el pelo, tiene que tener polleras por los tobillos, tiene que estar con el nene en la cocina mientras los hombres bailando, fumándose 80.000 porros y cagándose de risa..., Váyanse a la mierda..."

Tampoco fue así porque le pusieron una escopeta en la cabeza. No. Él fue rockero porque nació así. Nada más. ¿Existe otra explicación más natural que esa? No es necesario buscar otra. Tampoco cuesta mucho llegar a ella. Tan sólo con escuchar canciones como “Banderitas y globos”, “El ojo blindado”, “Nextweek”, "Kaya", “Mejor no hablar de ciertas cosas”, “Mañana en el abasto”, “Heroína”, “Estallando desde el océano” (que bien podría acompañar a una persona al momento de morir) “Lo quiero ya”, “Fuck you” o “La rubia tarada” se puede comprender en gran parte como Prodan veía y sentía el mundo y la sociedad que lo rodeaba.

A modo explicativo, dos frases de Prodan con respecto a “La rubia tarada” y su forma de concebir las letras de sus canciones: "Acá "La Rubia Tarada" pegó y yo sé porqué. No la hice para que pegue pero le pegó a todos los negros. Viste aquellas rubias con tanga que van por la playa en Villa Gesell o en Punta del Este con la cola afuera y no cogieron nunca ni saben coger?". La segunda papa: "Las letras son siempre producto de zapadas, de improvisaciones. Lo que importa es el ritmo. Cuando al final escucho la letra que quedó armada digo: `La puta madre, sin darme cuenta conté toda una historia". La única excepción es “La Rubia Tarada”, que la pensé. Es la historia de las rubias y los negros que se las quieren coger y no pueden. La venganza es esa, decirles taradas, por que hay más fantasías sexuales que sexualidad, porque se hacen la película, se masturban con esa rubia, se la violan en la cabeza, pero saben que nunca, nunca, la van a coger. Esa agresión está reflejada en el tema."

Simple, nada de rodeos absurdos ni nada que lo conduzca por las ramas. Para qué, si en la autenticidad y simpleza están las claves. Eso, Prodan no lo aprendió. Nació con esa virtud y la supo utilizar para vivir. Suena tan sencillo, simple; llegar y aplicar. En su caso fue así: llegó, improvisó, rockeó, jodió y murió. La imagen que Prodan proyectó, golpeó con una fuerza desmedida a sus compañeros de Sumo. Ricardo Mollo, guitarra líder de Sumo y actual líder y guitarrista de Divididos (banda que comparte con Diego Arnedo, ex bajista de Sumo) se mandó tres reflexiones interesantes sobre Prodan.

Sobre su lucidez: "Se notaba en el escenario. Cuando yo hacia un solo, él venía y me toreaba. Me patoteaba. Era como un duelo de gordos. Un duelo de Sumo. Era bárbaro Luca. Un tipo impresionante. Muy lúcido, extremadamente lúcido".

La importancia para él y la imagen que proyectaba Prodan: "A Luca el hecho de ser italiano ya le daba un toque melancólico. Yo creo que la felicidad fue un objetivo que jamás alcanzó. Desde el escenario, a veces, tenia una mirada muy fuerte y generaba como una autoridad. Cada uno veía en Luca lo que quería. Además, el decía cosas que nadie se atrevía a decir pero que las pensaba, entonces cuando alguien dice algo que uno se reprime, ese alguien pasa a ser parte de uno."

Sobre el escenario y su actualidad en Divididos, a modo de comparación: "Yo extraño mis peleas con Luca en el escenario. Siempre que venía el solo de guitarra me miraba con cara de odio. Esto tiene que ver con esa historia entre la voz y la guitarra, que son los dos instrumentos que cantan. Se acercaba y me molestaba para que yo dejara de tocar. El era como el antihéroe que venia a destrozar esa historia del héroe de la guitarra. Ahora, con Divididos, Es distinto, cada unos esta concentrado en su instrumento y no hay nadie que corra por el escenario, aunque la música sigue teniendo mucha polenta."

Sin dudas, las tres frases apuntan a aspectos claves de Prodan. ¿Son potentes? Por supuesto. Eso si, hay una determinante. El “pasa a ser parte de uno” ejemplifica perfectamente como una persona, en base a carisma y personalidad extrapolada en el rock, es capaz de marcar para siempre a otra. (Las declaraciones de Mollo son de 1996, es decir, 9 años después de la muerte de Prodan). El sentimiento aún permance intacto y así se mantendá por siempre.. Tanto así que Divididos suele tocar alguno que otro hit de Sumo en sus shows. En su mayoría, en tributo a la voz original del grupo.

Volvamos al calvo vocalista. Su historia llena de excesos se reflejó como en un espejo en sus declaraciones y su forma de actuar. Sumo, su invensión rompió con todo. Incluso con el cantar en inglés en plena guerra argentina con los británicos por las Malvinas. Algo tonto si se quiere, pero arriesgado para el contexto de ese momento. Argentino por fuera, italiano por dentro, Prodan nunca aceptó algunas costumbres o actos de los trasandinos, los que criticó sin asco. "Aquí (en Argentina) hay demasiada seriedad. Todos quieren ser " profesionales" y se olvidan que el rock es una locura y que los que hacen rock son locos", declaró. O bien, con respecto a sus pares: "Casi la totalidad de los músicos de rock argentino son unos pajeros. Yo no los invitaría a comer a mi casa. Bah!...”.

Asco, resentimiento o soberbia son algunos de los sentimientos que nacen cuando uno lee este tipo de declaraciones. Mejor tenerlo como amigo antes que como enemigo diría cualquiera. Luca Prodan dejó un legado vital y que es uno de los pilares del rock argentino que hoy se escucha. Una encuesta a variados músicos argentinos, publicada en un medio argentino hace un par de años, arrojó que “Una mañana en el abasto”, del disco “After Chabón” de 1987, es la canción rock argentina más admirada, hermosa y predilecta. Un dato anecdótico, pero que entrega un parámetro para saber hasta que grado logró Prodan y Sumo penetrar en el corazón del rock argentino.

Ciclope: "Lluviacida"

Francisco Quevedo
“Lluviacida” de Ciclope es una experimentación musical. Tanto que llegan, casi, al nivel de alterar hasta el nombre de la banda. Llevar la experimentación a su extremo es un arma de doble filo: o resulta bien o, derechamente, es un asco. Ciclope es un caso que se pasea en el precipicio, pero con elementos que lo mantienen más con vida que con posibilidades ciertas de caer por el barranco.

Por momentos, la propuesta es notable, alcanzando peaks excelentes. “Criogenia” es un ejemplo. En el minuto en que dejan fluir la música el resultado es mucho más potente. Cuando se dejan llevar. Sin embargo, el mezclar es algo que no muchos hacen y, por lo tanto, tiene su mérito. Eso se valora hoy, cuando muchas bandas hacen lo mismo que otras y no pretenden romper esquemas, como si lo intenta Ciclope. Esa determinación es clave para lograr resultados.

La banda, oriunda de Puerto Montt, formada por Francisco Beller (Bajo), Pablo Núñez (Guitarra), Andrés González (Batería - Percusión) y Andrés Saldivia (Voz y rarezas) arremete con sonidos parecidos a Weichafe (de hecho han taloneado a dicha banda en alguna oportunidad) y entra como “caballo de carrera” por lo oídos. Este efecto alcanza su máxima expresión cuando, como repetí antes, dejan fluir el sonido. En esos momentos logran explotar mejor sus cualidades y también con la combinación de algunos elementos interesantes: megáfonos, solos de guitarra, gritos…El resultado ahí es potente y, en ningún caso, deja de lado la veta experimental del grupo la que es , a la larga, su columna vertebral.

Mención aparte merece “Lluvia ácida”. Es la canción que grafica mejor este concepto de mezcla y experimentación y lo explota al extremo superando la prueba. Transita por pasaje que supera lo experimental y los diferentes elementos adquieren “vida” dándole un peso al tema que en los demás no está tan presente (sin desmerecerlos en ningún caso). Está un paso por sobre el resto.

En Luz, la voz es un actor principal. Esto, porque en las demás no lo es tanto y aquí tiene su momento. Se luce por dónde se la mire. Logra una armonía que la distingue y hace única a la canción. Es, quizás, el tema que menos encaja en el esquema experimental. Es, por decirlo de alguna manera, la canción más convencional, pero no por ello menos atractiva. El final rompe con aquello y retoma el camino de lo experimental.

“Lluviacida” es el nombre apropiado para este material porque nada calza tan bien para describir lo que produce escuchar a Ciclope. Al contrario de lo que puede parecer, no es dañino ni mucho menos. Es más bien, una sensación diferente y a la cual no estamos muy acostumbrados, pero que merece una oportunidad. De seguro, va a ser una satisfactoria lluvia.

Stella:Rock and Roll sin fronteras

Rodrigo Damiani.

Una nueva banda emergente ha nacido desde los rincones de la ciudad de Santiago de Chile. La agrupación en marzo del 2006 comienza con una nueva propuesta buscando un sonido único y exclusivo. Los integrantes: Felipe Troncoso (voz/guitarra), Leandro Contreras (batería), Oscar Videla (guitarra) y Daniel Vásquez (bajo).

Sin duda estos muchachos darán que hablar en el pequeño mercado musical nacional. Razones, muchas. Poseedores de un estilo único y reconfortante, desarrollan un rock elegante que perfectamente podría sonar en las radios del país. Su música mezcla el virtuosismo con la simpleza melódica, lo que atrapa inevitablemente al oyente en el transcurso de las canciones.

Stella acaba de lanzar un demo el cual tiene cuatro temas, con los cuales intentan llenar un espacio en algún lugar de esta sociedad. Canciones que cumplen a cabalidad la interesante propuesta, un demo ciento por ciento recomendable, redondo y con muy buena producción y calidad de sonido. La música va desde la vanguardia del rock callejero antiguo, hasta los sonidos contemporáneos de bandas como The Strokes, Franz Ferdinand y The Magic Numbers. Una mezcla realmente notable.

La juventud de sus integrantes pasa a ser relevante en la agrupación, se nota el entusiasmo, originalidad y la proyección, se nota que no quieren ser una banda más, recordar que hay miles de ellas donde la mitad no les alcanza el nombre de agrupación de rock. Otro aspecto positivo es que la música y letra te quedan rondando en el inconsciente, y eso es bueno por que para eso es la música, para que trascienda de alguna manera en las personas.

Este año, acaban de sacar al mercado su Demo del que hablábamos anteriormente. Este puedo ser descargado gratuitamente en www.myspace.com/stellabanda, hecho importante ya que este sistema es simplemente para la expansión de la música y la cultura.

El Demo homónimo comienza con “no todos están tan muertos”, un tema ganchero y entretenido, y con toda la actitud roquera, un gran partida.

Le sigue “corazón de miel”, el último tracks creado por la agrupación y uno de los más interesantes, podría ser utilizado sin duda como single. Una guitarra armónica acompañada por una fiel batería que no transa en los ritmos rockeros, la voz, uno de los puntos altos de la canción, esta envuelve y llega directo.

Le prosigue “autopista” la cual obviamente abarca la temática de los motores y el rock and roll, un tema redondo con buen final, un desarrollo definido y un espectacular desenlace, de los temas más entretenidos de la producción.

Termina con el tema titulado de la misma forma que la banda “stella”,un comienzo relajado, algo evolutivo que a medida que va avanzando la canción esta va tomando más fuerza y poder. Destacan las guitarras, las cuales en todo momento se acoplan haciendo sentir como que fueran una sola.

Una banda que hay que tener en cuenta, esperamos que sigan trabajando profesionalmente y saquen un largaduracion, yaque si el objetivo del Demo era eso, dejarte con ganas de más rock, bueno lo consiguieron y de que forma.

Exodus - Shovel Headed Kill

Sebastián Galindo(Guitarrista Atomic Head)
El disco data del año 2005 sin embargo ha llegado recién a mis manos. Al parecer, Gary Holt quiso comenzar todo de nuevo, con una formación completamente nueva luego del excelente disco "Tempo of the Damned" (2004). Aquí se anunciaba un sonido mucho más pesado, luego de los tres discretos discos que suceden a "Fabulous Disaster" (1989).

A pesar de que los que somos más fans del Exodus clásico, pudimos haber extrañado las voces de Steve Souza, quien fue dejado de lado en medio de una gira que no alcanzaría a pasar por Chile y que culminó con un concierto de despedida en Brasil, realmente pasa desapercibido, ya que es remplazado de gran forma.

En referencia al álbum, destacar la portada, mostrándonos por fin una digna de EXODUS, debido que los últimos años dejaron que desear con las portadas exceptuando "Tempo of the Damned".

Al poner el disco te encuentras con "Raze", un tema brutal, pesado, con un excelente trabajo del bajista Jack Gibson y del ex-Slayer, Forbidden y Testament, entre sus bandas más destacadas, Paul Bostaph, siendo lo más notable y destacable del disco, sin desmerecer a Tom Hunting, el más clásico baterista de la banda y que ahora está de vuelta luego de 2 años de ausencia.

"Deathamphetamine" demuestra que no se ha dejado de lado el Exodus clásico en cuanto a composición de riffs, aunque sí se echa de menos el trabajo melódico del "H Team", compuesto por Gary Holt y Rick Hunolt, quien ya no está en la banda, siendo reemplazado por el excelente Lee Altus, ex guitarrista de Heathen y Angel Witch. Sin embargo, los riffs más melódicos y con ligados en las cuerdas gruesas que nos tienen tan acostumbrados están camuflados entre pesadísimos ritmos y riffs con acordes con la 5ª en la sexta cuerda, y las voces de Rob Dukes te impresionan a cada momento.

El tema más "lento" podría ser Shudder to Think, el cuarto corte con excelente trabajo en la sexta cuerda y excelentes riffs bien melódicos que están presentes durante toda la placa, sin embargo regresan con temas como Going Going Gone para volarnos la cabeza nuevamente y todo regresa a la normalidad.
El disco es impecable de principio a fin, las diez composiciones presentes en este CD fueron hechas única y exclusivamente para patearte el cráneo, ningún tema baja las revoluciones, pero el tema que termina por reventar tus tímpanos y ponerte a cabecear de inmediato (si es que aun no te duele el cuello) es "Shovel Headed Kill Machine", que le da el nombre al disco.

Shovel Headed es, sin duda, el trabajo más pesado en 27 años de existencia de la banda, pero los vaticinios para el próximo son increíbles, Tom Hunting públicamente dijo en foros oficiales que el próximo trabajo de la banda californiana dejaría a "Machine" como un disco de rock suave, así que a esperar lo que se viene.

En resumen, el disco goza de excelentes riffs de primera calidad, rítmicos a más no poder por parte de Gary, buenísimo trabajo vocal y una sección rítmica nunca antes vista. Lo único que podría extrañar tal vez es ese tan fino trabajo melódico de la dupla guitarrística presente notoriamente hasta el disco anterior, pero sin lugar a dudas es otro Exodus, un Exodus más brutal, con riffs más incisivos, baterías más rápidas, voces desgarradoras. En 52 minutos dejaron más que claro que Exodus está más vivo que nunca Y NO PIENSA PARAR así que, amigos, tenemos thrash para rato.

Revolver: “Todos están locos”

Francisco Quevedo

El sur de Chile se caracteriza por tener buenas bandas de rock. Eso ya es una garantía nacional. Concepción es el centro natural, pero también otras ciudades dicen presente. En este caso, Temuco tiene la palabra. Y la banda es Revolver, quienes presentan su segundo EP “Todos están locos”.

Los seguidores de Adicccion recordarán que en 2006 ya escribí sobre esta banda. En esa ocasión, afinaban los últimos detalles para lanzar este material. He aquí el resultado. Un trabajo pulcro que rescata lo esencial del rock and roll. Cómo ya nombré esa vez, su influencia por The Beatles no sólo se ve en el nombre del grupo sino que en los arreglos musicales de las canciones.

Sin embargo, este trabajo está cargado hacia lo chileno. El primer cd de Los Tres, por alguna u otra razón, se vienen de golpe a la cabeza. No sé si es la voz o la música. Más bien creo que es el conjunto en su totalidad el que logra que uno respire, a ratos, el rock de la reagrupada banda penquista.

No sólo eso. Sonidos de la onda funky también destacan y no es un dato menor. No pasan desapercibidos. Influencias de Florcita Motuda o de James Brown son tal palpables como un buen golpe de puño en el rostro. Más claro imposible. Es una combinación precisa entre guitarras y bajos. Ese toque sutil que un sonido funk puede entregar. Un funk chileno.

Revolver no es una banda pretenciosa. No abusa. Menos se encierra en su estilo. Es adaptable y flexible. Esto le da la ventaja de poder pasar de una cosa a otra con total libertad sin estar amarrado a ningún canon establecido. Su música es bastante fluida. Prueba de eso, son las grabaciones en vivo incluidas en el EP. Musicalmente libres.

Además, en el sonido de Revolver se nota cada una de las corrientes musicales inspiradoras de sus integrantes. A saber quienes son: Osvaldo Montanares y Mauricio Lagos en guitarras, (Lagos es la voz también) Eduardo Petit en bajo y Cristóbal Correa en batería.

Por ahora, no queda más que apoyar a esta banda. Es lo mínimo que se puede hacer como pago al cada día más fértil sur del país, roqueramente hablando. “Todos están locos” es un ejemplo de rock simple, pero efectivo. Agradable y sin pretensiones. Ahora, a disfrutar.

Total Mosh: Génesis

Rodrigo Damiani

Sin duda una de las propuestas más interesantes del rock pesado nacional, después de 10 años de carreras han sobrevivido a una difícil escena local. Total Mosh lucha diariamente por situarse en el sitial que se merece, es una banda realmente profesional con un sello único e irrepetible, destacándose sin duda respecto a otras bandas criollas. Es el año 2006 cuando vuelven con su tercer y mejor álbum de estudio,”Génesis”, dejando atrás sus dos placas anteriores “Violencia Necesaria” y “Terror Activo”.

Destacar la iniciativa del sello independiente BTS por creer en la agrupación desde sus inicios y apoyarlos en la distribución y grabación de su última grabación. Si bien la producción fue lanzada el año pasado, recién en la actualidad es cuando “Génesis” llega a mis manos. También felicitar el arte del álbum es realmente fantástico el trabajo que se hizo en el diseño del arte y fotografía, la cual estuvo a cargo de Claudio Bergamin.

Adentrándonos en la producción, afirmo que es un disco excelente y redondo tiene un inicio arrollador y un desarrollo esplendido, un desenlace. B151 es el primer track del larga duración y es la introducción para lo que sería el primer tema que abre el álbum “Factor Inhumano” un inicio arrollador y contundente que sitúa al oyente en lo que seria la mística de Total Mosh, le prosigue “Sentencia”, una canción simple pero eficaz, mostrándonos las habilidades de todos sus músicos.

Al escuchar los dos primeros tracks sin duda te dan ganas de seguir adentrándote en la furia del álbum. “Doctrina” es el siguiente paso, riff pesados, un teclado ambiental y una batería poderosa, acompañada de una voz que por primera vez nos muestra otra faceta, mezcla lo gutural con lo lírico, efectivamente el vocalista canta, no sólo ruge.

“Necrosistema”, uno de los temas mas eficaces y rudos del LP, te imaginas en un concierto en pleno mosh bailando y danzando a través de los sonidos de metal que exprime la banda; le sigue “Ilusión” el tema más conocido del disco. Aquí nos muestran otra faceta, ya no tan arrolladora pero igual de efectiva, algo más industrial y centrada. El teclado pasa a ser fundamental en esta canción acompañándola y dándole el toque.

“Rebelión”: guitarras escupiendo rabia y energía son la tónica de la canción, junto con la doble peladera seguida por el agudo bajo y una voz más industrial, otro de los puntos altos de la producción

“Orden del Caos”, vuelve la fórmula utilizada en las dos primeras canciones. Lo industrial se deja de lado, volviendo al sonido más callejero, una furia metalera, nuevamente los riff se apoderan de la canción haciéndola suya un ciento por ciento.

“Detonación Frontal”, “Ángel de Insurrección” y “Génesis” son las últimas canciones del álbum, simplemente un gran final, pareciese que fuera una misma canción dividida en tres capítulos, al menos así me lo imagine. La primera con toda la rudeza de los temas anteriores la segunda un descanso con armonías suaves y complacientes y la tercera canción y última entregándonos una ultima pincelada de lo que es Total Mosh, un metal sincero y directo.

Esperamos que la agrupación siga adelante y sigan evolucionando en su sonido, no me queda más que felicitarlos y alentarlos a que sigan en esta difícil carrera.

La agrupación está compuesta por Osvaldo Quinteros (Voz), Rodrigo Penafiel(Guitarra), Marcelo Herrera(Bajo/voz) y Fernando Salinas(Teclados) y todas las canciones están cantadas en castellano.

Megadeth: “United Abominations”

Renato Zelada

Megadeth volvió en gloria y majestad, tras “The System Has Failed” (2005), disco que fue catalogado como un fracaso según la prensa roquera especializada y los fans. El disco no cumplió las expectativas de la banda ni de su sello en ese entonces, Sanctuary/Capitol.

El cambio de sello desde Sanctuary/Capitol a Roadrunner, le dio más libertad para componer a la banda como dijo Mustaine en una entrevista realizada previamente al lanzamiento de este nuevo disco, lo que gatilló que hicieran bien lo que mejor saben hacer: rockear.

Este disco musicalmente es el mejor desde la edición del comercial “Cryptic Writings” 10 años atrás (último disco con la formación dorada de Mustaine / Friedman / Eleffson / Menza). Los riffs demoledores, la batería al más puro estilo del “Youthanasia” (1994), la voz desgarradora y apasionada del maestro Dave Mustaine, dejan en claro que Megadeth esta de vuelta, y más fuerte que nunca.

Los músicos que componen esta formación son de primer nivel. Los que vimos a Megadeth en vivo el año 2005 en el Court Central del Estadio Nacional presenciamos la gran calidad interpretativa y técnica de los hermanos Glenn y Shawn Drover, guitarrista y baterista respectivamente, quienes en esta placa reafirman que son músicos de gran nivel. Cabe destacar también que es el primer trabajo de estudio con el bajista James Lomenzo reemplazando al despedido James MacDonough.

La tematica del disco, al igual que en sus dos trabajos anteriores “The World Needs A Hero” y “The System Has Failed”, la banda critica fuertemente a las injusticias y abusos provocados por los poderes políticos del mundo, que no dejan de abusar de la sociedad, una y otra vez. Se critica la política expansionista de George W. Bush y principalmente a las Naciones Unidas, institución que fue fundada para dirimir conflictos y que hasta el día de hoy no ha asumido sus responsabilidades.

“Sleepwalker” abre el disco. Un tema que comienza con unas guitarras acústicas bastante parecidas a las de “A Tout Le Monde”, pero inesperadamente Mustaine entra con unos riffs bastante “trasheros” y la suavidad del tema se va a la cresta. Doble bombo, guitarras pesadas, puro poder, nada más. Lejos uno de los mejores temas del disco.

El disco prosigue con“Washington Is Next!”. Un tema que me recuerda mucho a la banda en sus tiempos de “Rust In Peace” (1990). Un tema que tiene un aire a “Hangar 18” reviviendo los mejores momentos de la banda. Excelente solo de guitarra.

“Never Walk Alone… Call To Arms”. Un tema bastante trabajado, con un Mustaine inspirado llegando a los límites de su capacidad vocal. Unos riffs bastante marcados que hacen cabecear a cualquiera. Buen solo, aunque bastantes corto.

Y llega el tema que nombra el disco, “United Abominations”. Tema que parte suave al igual que el primer track, y que descarga unos riffs bastantes pesados, no rápidos pero bastante machacantes.

El disco continúa con “Gears Of War”. Un tema bastante básico, pesado, directo. Esta canción peca de repetitiva y simple, aunque igual engancha.

“Blessed Be The Dead”. Otro tema que comienza lento y posteriormente entran en escena los riffs demoledores. Tema directo, que muestra lo que la banda sabe mejor hacer.

El disco prosigue con “Play For Blood”. Puede ser el tema rompe esquemas del disco ya que es el único que posee un tipo de riffs distintos a todo el disco. Bastante técnico y con varios cambios de ritmo. Bastante power los solos de guitarra. Un poco distinto al resto del álbum pero uno queda satisfecho.

“A Tout Le Monde (Set Me Free)”, clásico del album “Youthanasia” del año 1994 es la siguiente. Un remake que cuenta con la participación de la atractiva vocalista de Lacuna Coil, Cristina Scabbia. Esta versión posee un solo de guitarra adicional y unas pequeñas variaciones que la hacen distinta a la versión original. Las voces de Scabbia pasan a segundo plano ya que no se escuchan tan fuertes como las de Mustaine. Para mí, uno de los puntos bajos del disco. Más allá de ser el primer single del álbum, y el remake de un clásico de la banda, no corresponde introducirlo en una nueva placa de estudio de una banda con la reputación que tiene Megadeth. Debería ir en un disco recopilatorio, o un single o un disco de lados B.

“Amerikhastan” comienza con un discurso político de Mustaine, en el cuál critíca la actitud de su país con respecto a las políticas que adoptaron con Afganistán. Sobre el tema, nada especial, guitarras pesadas, riffs marcados, a medio tiempo, un tema fácil de digerir.

El penúltimo tema es “You’re Dead”. Excelente tema, de gran complejidad interpretativa. La cantidad de guitarras fusionadas crean una atmósfera bastante especial que al final, como dice el título de la canción, te mata. En los últimos minutos hay una batalla de solos impresionante.

El disco cierra con “Burnt Ice”. Un tema que comienza con Mustaine tosiendo, no se si es un tributo a Black Sabbath por “Sweet Leaf”, pero no se que otra cosa podría ser. El tema más lento del disco (exceptuando el remake de “A Tout Le Monde”), riffs poderosos y posee una simpleza que otros temas no poseen. Buen rock, directo a la vena.

“United Abominations” es lejos lo mejor que han hecho en los últimos 10 años, posee esa personalidad que discos desde “Risk” en adelante no poseían. Riffs poderosos, destructores, y una cantidad de ingredientes que solo una banda como Megadeth nos puede dar. Es un disco directo, sin complejidades, sin vueltas, solo Rock.
Esperamos tenerlos de vuelta en una nueva gira mundial. PAZ.

Tracklist:

1.- Sleepwalker 5:53
2.- Washington Is Next! 5:19
3.- Never Walk Alone… A Call To Arms 3:55
4.- United Abominations 5:35
5.- Gears Of War 4:26
6.- Blessed Are The Dead 4:02
7.- Play For Blood 3:49
8.- A Tout Le Monde (Set Me Free) 4:11
9.- Amerikhastan 3:44
10.- You’re Dead 3:18
11.- Burnt Ice 3:47

Francisco González: La nueva luz

Francisco Ready

En Chile no es fácil hacerse un nombre después de haber participado en una banda exitosa. Los canales y medios de distribución son pocos, a veces hay que apelar más los contactos que al talento. Francisco González, ex baterista de Lucybell, hace tiempo que está apostando a una carrera solista. Primero fue “Ovalo” (2002), un disco electrónico que lo hizo paralelo a su estancia en el grupo. Tuvo cierta relevancia en un mercado plagado de electrónica, lleno de conciertos bits y poco rock y que casi cualquiera que hiciera sonar su computador era catalogado casi como maestro.

En el 2004, González pedía más cancha dentro del grupo. Se atrevió a cantar canciones y participar más con cuerdas que con tambores, pero no completó sus expectativas y decidió abandonar el cuarteto (hoy trío).
Pancho quería crecer personal, espiritual y artísticamente, razones suficientes para que naciera “Mi propia luz” (2006), su primer disco rock como solista.

Este disco me descoloca un poco, no entiendo mucho la idea que busca. A veces me suena como un “Gustavo Cerati chileno” y otras a riffs repetidos de cualquier disco de Oasis de la década del 90´. No creo que haya nada novedoso en la música, son baladas poperas que se mezclan con guitarras y bajo rockero, pero que no pesan mucho, el peso puede que lo otorgue un invitado de lujo que tiene el disco, nada menos que Carlos Cabezas, un personaje de culto de la música under ground en los 80´, que en un mínimo aporte llena todos los vacíos de la canción. Otra participación y “contribución” es Nicole, si bien ella canta de manera adecuada, creo que no es necesario y demasiado pretencioso por parte de Gonzáles sumarla al disco. Quizás por marketing o por ampliar el mercado a cual apunta.

Música de sonido simple y a ratos compuesto, bien estructurado renunciando al virtuosismo de los instrumentos para dejar a las líricas como sostenedor y principal elemento. Que éstas sean de un bajo color poético no significa que no se puedan escuchar, seguramente seguirán sonando en radios y pegando mientras dure la moda.

No voy a destruir el trabajo de un músico ni mucho menos, pero es mejor estar a la espera de un nuevo trabajo donde la experiencia vivida en el disco pueda dejar nuevos conocimientos y un atrevimiento más a la creatividad. Eso es lo que se necesita hoy y no más copias enchuladas de lo que ya existe.

Silencio - Lecciones

Francisco Quevedo

-Pero majestad, es la princesa…
-¡Silencio!
Un comienzo que combina delirio y precisión es lo que esta banda nacional nos entrega como primer combo en este cd. A todas luces, un acierto. Prometedor, sin dudas. Sin embargo, con el correr de las canciones el disco entra en un pantano rockero. Como un hombre que conduce un auto que se esfuerza por acelerar y pasar las velocidades, pero que lo logra en contadas ocasiones. Esto, no es algo evidente al momento de escuchar el álbum. Tan sólo es una de las sensaciones que queda en el aire. Sensaciones, porque Silencio alcanza momentos magistrales y otros, un poco más débiles.

No revisaré el álbum track por track. Tomaré los momentos que ejemplifican de mejor manera el poder de esta banda. “Cópula”, “Sangre”, “Masa”, “Realidad” y la que remata el disco, “Yo caigo sobre ti” son los puntales. “Sangre” es un combo directo que mezcla el poder de un buen hardcore con elementos progresivos y que deja en evidencia todas las corrientes inspiradoras de Silencio, como, por ejemplo, el “tributo” al comienzo de “Children of the Grave” de Black Sabbath en la mitad de la canción. La guitarra distorsionada también se luce. Esto es una constante a lo largo de todo el disco: la guitarra es el bastión que sostiene a la banda, situación que no se da en vivo donde el bajo es quien toma el liderato y se luce por sobre el resto. Esta diferencia se nota bastante, pero no contamina para nada el sonido del grupo.

Los quiebres sonoros son un elemento que Silencio maneja muy bien, ya sea al mirar el disco en su totalidad o bien, dentro de las canciones. No abusan de ellos, más bien están poco presentes, pero cuando aparecen son en el minuto justo cumpliendo a cabalidad su objetivo. En este sentido, la banda aprueba con creces. Eso si, el poco uso de este elmento (descontando algunos tracks) les impide “pasar más velocidades del auto” y eso entrampa al disco. Igualmente, hay canciones como “Postumo” que son calmadas y entregan, de golpe, un rompimiento. Justo al medio. A eso apuntaba con el buen manejo de quiebres sonoros.

La recta final es genial. Son tres hits audaces y directos. Son el cierre perfecto para que el auto “pase velocidades” y se vaya como avión. Los más nutridos, donde cada miembro de la banda brilla con luces propias. Además, se notan más claramente las influencias de la agrupación. Algo de Deftones, Sepultura, Black Sabbath se deja entrever. Claramente.

Silencio tiene potencial y eso es lo rescatable de este trabajo. Una de las sensaciones con que uno se queda. Una de varias. Cuando logren transformar ese auto en un bólido nadie los detendrá. Por ahora, un puñado de hits les basta y sobra. Y eso, con tanta banda basura que sale, es más que meritorio.

Porcupine Tree: “Fear Of A Blank Planet”

Renato Zelada
Steven Wilson nos tiene acostumbrados a grandes piezas musicales, en las cuales las fusiones entre la psicodelia y el rock progresivo se hacen uno, y ese uno es Porcupine Tree.

Banda creada y liderada por el gran compositor, productor y guitarrista Steven Wilson. Entre sus proyectos se encuentra I.E.M., Bass Comunión, No-Man y Blackfield, esta última realizada con el artista israelí Aviv Geffen, el proyecto más aclamado por la crítica especializada y los fans.

“Fear Of A Blank Planet” viene a ser el noveno álbum de la banda británica. Las expectativas no eran menores ya que los últimos tres trabajos de la banda (Lightbulb Sun-2000, In Absentia-2002 y Deadwing-2005) son verdaderas obras de arte por lo que la vara estaba muy alta.

El disco comienza con el tema homónimo “Fear Of A Blank Planet”. Excelente forma de abrir el disco. Un tema el cuál hace crítica a lo “vacío” de la sociedad, de cómo el mundo va avanzando hacia la autodestrucción. Las guitarras acústicas y eléctricas se fusionan creando una atmósfera roquera y a la vez bastante suave, digno de estos maestros.

El album prosigue con la psicodélica y melancólica “My Ashes”. Gran tema, con unos teclados que te envuelven en lo que Wilson comenzará a relatar, la historia de su vida. Tema muy suave y melancólico.

El próximo tema debe ser una de las mejores composiciones jamás creadas por Wilson en los más de 17 años de carrera que posee esta grandiosa banda. “Anesthetize”, el tema larga duración del álbum, casi 18 minutos de una pieza musical que rompe todos los esquemas. Tiene psicodélia, metal, progresivo, alguna parte thrash e incluso unos riff muy a lo “Tool”. La gran sorpresa de este tema es el solo de guitarra, el cuál es interpretado por el maestro Alex Lifeson de Rush. Lejos el punto más alto del disco.

Sigue “Sentimental”, un tema suave, bastante pop de alguna manera. Comienza con un piano bastante pegadizo que va a destiempos con la percusión y la voz, bastante progresivo. Para los fanáticos será una gran sorpresa el escuchar en el medio de esta cancion los riffs de la clásica canción de PT “Trains”.

El disco continúa con “Way Out Of Here”, un tema meloso con secciones bastantes metaleros, y partes también bastante psicodélicas, donde el teclado y las guitarras llenas de eco crean una atmósfera, un ambiente bastante meloso y especial. En este tema otro maestro esta a cargo del solo de guitarra, nada mas y nada menos que Robert Fripp de King Crimson. Excelente tema.

El disco cierra con “Sleep Together”. Un tema bastante depresivo y a la vez intenso. Los teclados al principio crean un ambiente bastante denso mientras Wilson comienza a agregarle toques depresivos con la melodía vocal. Un tema intenso y como se dice, directo a la vena. Excelente forma de cerrar el disco.

Disco totalmente recomendable. Wilson y compañía demuestran una vez mas que son una banda innovadora y diversa, pero siempre manteniendo una misma línea. Puedo decir con autoridad que superaron la vara y dejaron una inalcanzable para su próximo disco. Yo personalmente creo que hasta el momento, es el mejor disco de este 2007. Paz.

Charly García: Say no More

Alonso Sánchez

Él es muy raro. Impredecible en cada uno de sus actos, presentaciones, entrevistas y discos. Muchos le temen, pero la gran mayoría lo idolatra. Es un hombre record en todo sentido. Considerado como uno de los padres del rock argentino, este personaje ha editado más de 40 discos, congregó a miles de personas a lo largo de su carrera (que aún no termina), ha pisado los escenarios más importantes a nivel nacional e internacional, se dio el lujo de tocar en la autopista más ancha del mundo por más de dos horas y en la actualidad, está por terminar de editar su último disco. Un fenómeno, un genio, un incomprendido.

Porteño como él solo, nació un 23 de octubre de 1951, una época difícil a nivel político en su país, gobernaba un tal Perón. Las posibilidades monetarias siempre las tuvo, su familia acaudalada se dio el lujo de autoexiliarse a Europa en este período, pero no se fueron todos. El pequeño de 3 años se quedó, según fuentes extraoficiales, con una niñera o con una tía muy estricta. A la vuelta, su madre le había traído un regalo que hasta el día de hoy se lo tendría que agradecer y que si no fuera por él, no hubiera conseguido las grandes cosas que forjó a lo largo su carrera. Un órgano.

Se dice que hay una persona de cada diez mil que puede reconocer cada ruido que escuche y transformarlo en una nota musical. Pues bien, estamos en presencia de un genio. Su oído absoluto y su gran destreza en el piano lo llevaron a graduarse, a los 12 años, de profesor de música. De ahí en más, no paró.

Su morada, ubicada en Palermo Hollywood, una zona de alta vida nocturna, no es más que el fiel reflejo de lo que es, por fuera. Su puerta principal, escrita con aerosol y lápices esencialmente rojos, es un espectáculo. Uno podría pasar un buen par de horas tratando de descifrar lo que dice, pero es imposible, al igual que él. Jamás podremos saber lo que está pensando, lo que va a decir y mucho menos, adelantarnos a lo que va a hacer. Charly García es un ícono, un rebelde sin causa, el inadaptado de siempre.

Se le ha tildado de loco, esquizofrénico y paranoico. Creo que tiene mucho de las tres, pero en su justa medida. Son la combinación perfecta para obtener un excelente músico y un conflictivo personaje. Si no fuera por estas “supuestas” enfermedades que tiene, y lo digo así porque me parece que es más bien un personaje creado por él para engañar a la gente y así que lo dejen tranquilo, su personalidad sería la de cualquier mortal, y su existencia se limitaría a la de un simple músico frustrado, pero no. Su desprolijo vestir, su descuidado aspecto avejentado y su manera de ver la vida tan someramente, han llevado a Charly García a estar en repetidas oportunidades en el centro de la polémica.

Su fuerte adicción al alcohol y a las drogas, sumado a sus repentinos cambios de humor en medio de un recital o simplemente mientras camina por la calle, han deteriorado la fama que un día alcanzó con Sui Generis, Serú Girán, La máquina de hacer pájaros o como solista. Un ejemplo que respalda lo anterior, es un extracto de una entrevista de Clarín en 1993, donde fue hospitalizado en clínicas de desintoxicación, le preguntan si no le da miedo vivir así, a lo que él responde, “No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones”.

El Charly que todos conocemos de a poco se va deteriorando más y más. Ya le cuesta confeccionar las frases al hablar, se le pierden las palabras, su bigote bicolor se empieza a tornar casi íntegramente de color blanco y las grietas en su rostro están cada vez más profundas.

En la soledad de su habitación, lo acompañan una guitarra y un órgano. Quién sabe si quizás cuando se pare de su cama para ir al baño, al cerrar la puerta, reconozca un Mi mayor, al abrir el agua, un re menor sostenido y al bajar la tapa del excusado, un Si Mayor 7. Se dará media vuelta, tomará su guitarra y tocará lo que escuchó. Lo más probable es que estemos frente a una nueva creación musical, quizás la mejor del siglo, pero jamás nos daremos cuenta porque sólo personas como él lo pueden apreciar.
Al final, él no resulta ser un raro que toca música sin sentido, somos nosotros los que no entendemos a un genio que pide a gritos sabiduría para el resto.

Danzig: Simplemente rock

Francisco Quevedo

Mi ignorancia sobre el tema me conducía antes, indeclinablemente, a confundir a Danzig con Rancid. Tamaña pelotudez es imperdonable. Eso era hace tiempo si, hasta que conocí el primer disco de Danzig. No tengo nada contra Rancid. Sin embargo, Danzig es un fenómeno. Su primer trabajo es prueba empírica de eso. Potente, preciso y descarnado. Tres adjetivos que grafican con claridad de disco debut.

Danzig representa, en mi caso, como a ese engendro que uno nunca quiso enfrentar pensando que es algo terrible y que sólo es para un determinado tipo de personas. Onda: “Como voy a escuchar a Danzig”. Otro grave error. No es nada espantoso y terrorífico, al contrario, es más agradable que la cresta. Así de simple. Nada de vueltas, directo al grano.

Su sonido no está basado en composiciones complejas. Más bien es sólo un buen rock con influencias de variadas tendencias que le dan un atractivo único al disco. “Ideal para compartir con amigos” porque las canciones pasan, pero dejan su huella. No se las lleva el viento así cómo así. Esa es una gracia del álbum: alguna melodía te queda dando vueltas en tu cabeza y, sin que te des cuenta, luego estás tarareando una guitarra o repitiendo una letra. Son canciones de sencilla digestión. Tampoco hay que situar a Danzig como un maestro porque logra esto, pero son más los que no lo logran que los que sí. Por tanto, es un mérito.

El disco tiene un soporte que lo ayuda, mediáticamente, mucho: “Mother”, el superhit de Danzig es el track 6. Con ese elemento, es más fácil vender la pomada. Pero no es lo único. Si lo fuese, no escribiría del disco. Canciones como “Twist of cain”, “Devil thing”, “Soul on fire” ó “Am I demon” son un soporte enorme para “Mother”. De esta manera se estructura un trabajo sólido de principio a fin.

Hay que aclarar que Danzig no es un tarado que se deja estar. Su voz, más parecida a la de Jim Morrison que a la de su etapa en The Misfits, se luce. Es un Morrison oscuro. La banda también merece tribuna. Es simple, pero efectiva. No pretenciosa. Una banda de rock ideal. Buenos solos de guitarra, riffs parecidos a los de Metallica en el “Kill en All” de 1983 y una limpieza en su sonido son argumentos que se pueden nombrar de inmediato al escuchar este trabajo. No es poco.

Danzig carga con la “mochila Misfits”. Ese estigma de haber querido salir y seguir su propio rumbo abandonando la banda con la que consiguió fama mundial. La hizo bien: se salió y creó buena música. Experimentó, disfrutó, roqueó y la cagó. Las hizo todas. Nada que decir. Un rockero.

Queda la apuesta lanzada. O escuchan el disco o se pierden de una experiencia rock de otro nivel. No hay que ser fanático hasta la muerte de The Misfits o haber seguido la carrera solista de Danzig y sus hitos. Nada de eso. Basta con tener sensibilidad rockera y valorar un disco que no es muy popular (pese a “Mother”) y atreverse a escucharlo. De seguro, la reacción y sensación será agradable y pasará a engrosar la lista de discos de la colección personal. Porque la colección no puede estar completa sin falta este trabajo de Danzig. Y si después se motivan con los otros álbumes, mejor aún. Pero para comenzar, es ideal el primero. Con ese se van a la segura.

Rodrigo Lira: El Poeta Maldito

Rodrigo Damiani
Rostro serio grandes ojos tristes que irradian la maldita soledad e incomprensión, poco es el cabello que tiene, el exceso de neuronas hizo que este se fuera cayendo, la liberación de pensamientos del poeta maldito, también destacan sus grandes lentes que parecen dos lupas unidas por un puente, ojos rodeados por grandes ojeras negras están ahí como si fueran una maldición, además destaca de su rostro las grandes patillas al estilo Rock And Roll de los años 50, su nariz normal y amplia boca donde surgían diariamente palabras, versos, locuras y oraciones proféticas que avalaban la genialidad hecha poesía. Le gustaba salir a caminar, generalmente lo hacia con grandes bototos que le llegaban hasta las rodillas de paso se ponía su boina, pareciendo un chico punk la mayoría de las veces.


Hoy en día es una figura de culto, su persona ha tomado más valor e importancia. Se llamaba simplemente Rodrigo Lira, irónico y culto, crítico de una sociedad de mierda, utilizaba el humor negro en sus relatos, atacaba al resto y a si mismo, buscaba comprensión y el tan deseado amor. Un poeta extremo que vivía una vida mentalmente extrema. Una lucha constante contra la esquizofrenia y los malos momentos que su mente y conciencia le hacían pasar. Era una persona buena, buscaba la perfección, quería ayudar a sus pares a ser mejores escritores, se sentía de alguna manera el dueño del mundo, le encantaba ser vividor, compartir tardes llenas de mujeres y alcohol, quería, fama y dinero, pero en realidad ¿Quién no quiere eso?.

Lo que quiero simplemente agregar es que este primate del lenguaje era más humano que nadie, sentía y vivía como le nacía, tomaba en exceso como cualquier desquiciado lo hace hoy, vivía tristemente, era incomprendido por sus pares, la fama y el dinero jamás le llegó ,encontrándose en su mayor parte en un túnel sin fondo, oscuro como la noche. El genio de Lira manipulaba el lenguaje a su antojo, sin duda su mayor característica. No se consideraba un poeta, simplemente se creía alguien que mezclaba el lenguaje de forma bonita y transversal, aquí podía reflejar sus criticas, humor, sentimientos y pensamientos.


¿Qué es la poesía?, es lo que me he preguntado durante toda mi vida y que aún y sin vergüenza lo digo, me cuesta comprender. Porque existe la poesía, en que se diferencia con una novela, canción o una actitud, es lo que trato diariamente de entender y que gracias a Rodrigo Lira, el poeta maldito, he podido en parte comprender.


Para mí la poesía antes de leer Lira simplemente no existía ni me interesaba en lo más mínimo, de esto culpo a la propia sociedad, la educación en Chile es pésima, deberían de enseñarte los iconos verdaderos de la poesía y la literatura chilena, no sólo rellenar con Neruda, Mistral y Parra. No tengo nada contra ellos pero estoy aburrido de que la enseñanza básica y media, gire entorno a estas tres personas. Seria una persona más culta si esto fuera distinto, me hubiera encantado sumergirme en la obra del poeta maldito a más temprana edad, no se pudo, pero estos días sin quererlo comencé a conocer y respetar la obra del revolucionario de la poesía.


Después de escribir estas líneas voy a mi dormitorio me acuesto prendo un cigarro, voy a la cocina saco una cerveza bien helada, vuelvo a la habitación apago el televisor que por algún motivo estaba funcionando, enciendo la radio, subo el volumen, me acuesto, durante 20 minutos trato de dormir pero no pasa nada, decido relajarme, en mi mente comienzan a divagar diversos extractos de los poemas que me sorprendieron y gustaron, impresionándome su temática más que la forma literaria.


Subo a la cama, termino mi cigarro y la lata de Heineken aún esta llena, decido terminármela, la música no para de sonar y envolver con su agradable sonido la pieza, decido subir el volumen todavía más, cierro los ojos y una música ambiental proveniente de otras latitudes, comienzan a transportarme a un lugar desconocido, junto con la poesía de Lira a mí alrededor, traigo a mi mente los párrafos de distintos versos del autor nacional “sobrevivo a una muerte que podría vivirse, además la poesía me abandona al medio día, cuando escriba no conduzca no corra, poesía hay en todas partes” (Ars poetique, Deux) o “ A la gente pobre se le comunica que hay cebollas para ella en la Municipalidad de Santiago” (El comunicado), más poesía “Cuando te consta y es evidente que esa poesía que escribiste no hace mucho, también esta mal hecha, la poesía esta mal hecha” (autocríticas uno).


Comienza la reflexión, la poesía no sólo son versos de amor y lujuria, también son una crítica social, nos muestra los pensamientos más profundos del hombre como lo son el miedo y la desesperanza. En el primer extracto por ejemplo esta presente la muerte, la que puede llegar en cualquier instante, pero la poesía esta ahí para permanecer para toda la eternidad. Los pensamientos llegan y se van, pero siempre de alguna manera quedaran. El segundo extracto es una fuerte crítica social, a la gente pobre se le reafirmará su condición social y que no podrá surgir, menos que se le ayudará de forma digna y respetable. En el tercer extracto se refiere a una autocrítica, esta característica es la que más me gusta del autor, sabe que es humano, sabe que no es perfecto, sabe que no es Neruda. Lo mejor de todo, le importa poco y nada serlo, quiere cambiar el mundo a su modo, el arte y las letras sus principales herramientas.


En su obra poética Lira presenta un sin fin de simbolismos, el autor poseía actitudes para poder desarrollar esta característica, el poeta fue una persona muy culta que se educó en las principales universidades del país. Manejaba distintos idiomas por lo que en mucha de sus creaciones eran tituladas con nombres en otro idioma. La última vez que se le vio fue andando en una bicicleta, que fue comprada gracias al dinero que se ganó en “cuanto vale el show” una semana antes del fatídico suicidio.

Hasta la muerte del poeta presenta símbolos, decidió suicidarse el 26 de diciembre de 1981 en su cumpleaños numero 32 a la misma hora de su nacimiento (11:30), se corto las venas siguiendo la recomendación que le dio una joven en una fiesta cuando este le comentó que quería matarse. La vida y la muerte es un proceso muy similar, es lineal eso Rodrigo Lira lo sabia, las voces que escuchaba diariamente me imagino, acentuaron la necesidad del autor a pasar a una mejor vida.

Para finalizar, hago esta pregunta: ¿Ha cambiado Chile con la existencia de la poesía de Rodrigo Lira? La respuesta es sencilla, realmente no tengo idea, al sentir una conexión espiritual con el autor me doy cuenta que me gustaría que se respetara y admirara de mayor forma, que su obra fuera enseñada en los colegios y estudiada en las universidades, no se si al país le influyó en algo, pero la realidad señala que si llegó a una persona, ahora es cuando me enorgullezco de llamarme Rodrigo, Realmente un placer el viaje que tuve con la poesía maldita de Lira.

El Lado Oscuro de la Luna: 34 años después.

Renato Zelada

¿Sería el Rock lo mismo sin este disco? Yo, personalmente, creo que no. El 24 de Marzo de 1973 la banda inglesa “Pink Floyd” (El nombre proviene de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council) lanzó un álbum conceptual, fusionando la psicodelia y el rock progresivo.

Este disco marcó un antes y un después en la música moderna. Por algo esta en los Guiness Records entre los 10 discos más vendidos de la historia, ha estado en las listas “Billboard” durante más de 26 años y es considerado el mejor álbum de la banda.

El noveno álbum de la banda fue grabado en el estudio “Abbey Road” (“The Beatles” grabó en ese mismo estudio su último álbum un año antes) entre marzo del ’72 y enero del ’73. Según Roger Waters las letras y la música fueron compuestas en un periodo de 7 semanas aproximadamente, pero fue grabado en 11 meses debido a que querían realizar un trabajo perfecto, vaya que lo lograron.

La música es del mismo estilo que sus dos discos anteriores, “Meddle” y “Obscured By Clouds”, sólo que posee muchos efectos sonoros y la producción para la época es notable. Pink Floyd, entre el año 1967 (cuando editaron su álbum debut “The Piper At The Gates Of Dawn”) y el lanzamiento de este álbum, era una banda que tocaba conciertos con una asistencia promedio de 7,000 personas. Incluso Roger Waters odiaba tocar en recintos grandes debido a que el público no los llenaba.

La historia relata sobre la locura del hombre moderno, como la humanidad va hacia abajo y como el hombre se autodestruye. Debido a esto mucha gente lo relaciona con el fundador de la banda, Syd Barrett. ¿Qué posee “The Dark Side Of The Moon” que después de 34 años de su edición sigue atrapando gente de distintos paladares musicales? TODO. Las canciones te envuelven en una atmósfera en la cual te desconectas de la realidad y realmente viajas al lado oscuro de la luna. Eso fue lo que muchos tuvimos la suerte de presenciar el 14 de marzo de este año, y realmente fue Waters quien nos dijo “see you on the dark side of the moon”...y ahí fue donde lo ví.

Jim Morrison: The Dark Horse

Francisco Quevedo

“Este es el fin, hermoso amigo…este es el fin, mi único amigo, el fin” quizás susurraba mientras hundía su cabeza en el agua. Postrado en una tina parisina, mugrienta, pero elegante a la vez, su melena comienza a cubrir sus retorcidos ojos que ya no expresan nada más que abandono y tristeza. Desenfrenados, perdidos, inertes al fin.

Su vida no fue siempre así de miserable. Bueno, casi. Dotado de un coeficiente intelectual privilegiado, una capacidad lectora exquisita y envidiable, su existencia fue algo fuera de lo común. Su rebelde pelo café como una barra de chocolate -típico de los setenta- representaba su descontento. Su cara angulada, pero que producto del abusivo uso de alcohol y drogas se fue “redondeando”, muestra también su manera de enfrentar al mundo. La piel lisa, tan suave como un trozo de seda. Directo como una flecha medieval, preciso como un pase de Maradona y carismático como él mismo. Su altura estaba sobre la media del vulgo, tenía más estilo que un Cadillac e inteligente hasta las uñas de los pies. Sus ropas estaban a la moda, a lo que se usaba, pero, de todas maneras eran inmundas, similares a las de un vagabundo. Pese a esto, nunca perdieron la mística. El producto final, era asombroso. Encontrar a alguien así, es más complejo que ver un cerdo que vuele (aunque yo si he visto…).

Una bestia indomable, a veces mirado en menos y en otras exultado hasta niveles ridículos, hizo cosas increíbles. Criado bajo una estricta, pero fallida instrucción militar, su infancia fue aberrante. Con un padre ausente enviado a la guerra y una madre que parecía un alma en pena. Sus actitudes futuras son prueba de eso. En su juventud, sus ideas se plasmaron en poemas que publicó. Se alejó de su familia tanto como le fue posible. Como un fugitivo que huye de la policía.

Los Angeles era su templo, él, el rey. Pamela, su reina. La mujer de Los Angeles, uno de sus cantos. “La cuidad de la luz”, la definió en alguna oportunidad. Era el mejor lugar para vivir en ese momento. La farra urbanizada, la vorágine humana en su máximo esplendor. El ser humano se reflejaba en dicho contexto y él era el mejor ejemplar. Único.

Su mirada, profunda e intimidante, reflejaba seguridad y también expresaba sus más profundos temores. Sin embargo, gracias a eso se imponía por sobre el resto con suma facilidad. Su presencia no pasaba desapercibida. Para nada. Sus actos, menos. De hecho, esa mirada fue uno de los pilares de su banda. Una imagen de su rostro bastaba. Suficiente con eso. Sobre el escenario, su carisma estallaba cual mina antipersonal en el desierto. Una explosión de incalculable potencia. Una caja de sorpresas. En escena, supuestas masturbaciones y deseos violentos y sexuales desenfrenados lo impulsaban a cantar: “Padre te quiero matar y a ti, madre, te quiero violar”. Suave perversión.

Su coeficiente intelectual de 149, lo convertía en un fuera de serie. Docto como pocos, un “come libros”, estudioso, intelectual y poeta de excepción. En ningún caso, un artista “cuneta”. Universitario por placer, “no tenia nada mejor que hacer, por eso fui”, afirmó en alguna ocasión con respecto a su breve paso por la universidad. Genial. Dentro de su biblioteca mental, existían registros de Nietzsche, Cocteau, Blake, Artaud, Plutarco entre muchos más, los que eran una importante fuente de inspiración al momento de componer. El concepto convencional del músico se quebró como un ventanal con su aparición. Así de simple.

Con los años, sumado al desgastante estilo de vida, su cuerpo comenzó a sufrir las consecuencias. De hijo único y abandonado, con corte de pelo militar, mirada serena cual busto romano y finos rasgos, se convirtió en un verdadero oso en las postrimerías de su vida. Barba griega, cara hinchada, mirada desilusionada, frustrada y una nariz cada vez más hundida que se asemejaba a un corcho de vino. Cambió Los Angeles por París. Un trueque “saludable”. En la capital francesa se encerró a invernar. Escribió poemas en compañía de su amada. Alejado de sus compañeros de banda, sin contacto con la selva californiana. Fue un autoexilio. Un ermitaño, drogadicto y alcohólico. Un genio descomunal.

Más no se puede agregar. Es uno de los tantos maestros que ha pasado por este mundo. Una infinita lista de características se podría usar para describirlo. Con mencionar que fue un intelectual alcohólico capaz de todo, una caja de sorpresas, un dark horse que murió ahogado en su propia mente lo resumo todo. Con ustedes, Jim Morrison.

JOEY RAMONE: Detrás de la leyenda del punk

Rodrigo Damiani.

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Punk rock, melodía rebelde que insita a revelarse contra el maldito estado y la política bastarda. Lentes oscuros, melena abultada, piel blanca, jeans gastados, chaqueta de cuero, olor a whisky y tabaco, remera blanca, y una voz poseída por los demonios del rock and roll. Larguirucho, destacaba por ser una momia dentro del escenario, siempre pegado en la misma posición durante el tiempo que durase el show, fue hippie pero la vida lo llevó a ser el líder del movimiento punk norteamericano, borracho en exceso, demócrata y líder de los Ramones.

Joey Ramone (Jeffrey Hyman), deslumbraba en los conciertos, alcohólico y estático tomaba el micrófono y cantaba las grandiosas canciones, alguien tímido que sólo hablaba lo necesario. El rol de Joey en la banda era algo más mediático que artístico, Johnny Ramone era el encargado de la composición, Dee Dee Ramone era el encargado de las letras, pero eso a la gente no importaba, la mayoría iba a ver a Joey por eso su liderazgo se tornó de forma natural y espontánea, un verdadero imán para los rebeldes de la época.

La madre que era una conocida artista de la ciudad de New York, hecho a su hijo a los 21 años, ya que este era un vago que no estudiaba, ni trabajaba y pasaba la mayor parte del tiempo borracho junto a su amigo Dee Dee, por lo que su madre tuvo que tomar medidas al respecto. La independencia fue realmente algo necesario en su vida, comenzó a trabajar para sobrevivir y fue gracias a su independencia que pudo conocer el rock and roll. En ese tiempo es que el líder de la banda se interno en una clínica siquiátrica, Joey comenzó su proceso de internalización en el arte comenzó a hacer esculturas con elementos extraños y comenzó a hacer grabaciones extrañas las cuales compartía con sus amigos.

Johnny Ramone el guitarrista y fundador de los Ramones fue quien involucró a Joey en su grupo de amigos, principalmente por su absurda locura que caía bien, para el entorno era su principal atractivo. Un día borrachos un amigo de Dee Dee invito a Joey a cantar en una banda Glam(Sniper), este acepto el reto, pero su apariencia no lo ayudo mucho, era un bastardo demasiado grande y poco glamoroso y con una voz poco fina para el estilo. Pero Johnny se convenció de que la actitud de Joey era lo que necesitaba su nueva banda para llegar lejos, al principio tocaba la batería pero duro poco tiempo tras las cajas, su talento lo llevó tras el micrófono. Comenzó la euforia por los Ramones, canciones breves y contagiosas y con líricas fuertemente en relación con la política y la sociedad.

Las principales influencias musicales para Joey Ramone, tienen que ver esencialmente con dos bandas, The Beatles y The Stooges, esta última la banda de Iggy pop. Lo mágico de toda esta historia es que la mayoría de las bandas buscaban un sello que los identificara al resto del mundo, los ramones lograron esta identificación gracias a Joey quien con su naturaleza mostró como se vive el rock de manera real y sin prejuicios, el único problema que tenia joey con su banda, era el exceso de drogas duras que se consumían al interior de esta. El cantante de la banda nunca estuvo de acuerdo en el abuso de estas sustancias, ya que el consumo hacía que los miembros de la banda vivieran fuera de la realidad y no tomaran conciencia real de lo que pasaba en el mundo donde vivían.

La única espina que tuvo Joey en relación a su banda fue el poco reconocimiento que se le dio en su propio país, recordar que Ramones llenaban estadios en todo el mundo y vendían miles de discos, pero jamás se les premio sino hasta después de la muerte del cantante. El 2001 a la edad de 49 años un cáncer linfático le quitó la vida al mejor en su estilo, jamás el mundo podrá olvidar a personas como Joey Ramone, vividor esplendido cada minuto de su vida fue algo único e irrepetible y es por tipos como el que uno sigue soñando y amando al whisky y al tabaco.

El Laberinto del Fauno (2006)

Rodrigo Damiani.

También en www.humonegro.com
Guillermo del Toro es un director que aborda similares temáticas en sus películas, donde la guerra y la fantasía se mezclan constantemente. Prueba de aquello son sus producciones anteriores Hellboy(2004) y Blade II(2002). A pesar de que cada película esta ambientada en distintos lugares, la trama es la misma, caos en el mundo y personajes de ficción que son capaces de luchar contra la maldad presente. En el laberinto del fauno el director mexicano participa no sólo en la dirección, sino también en la producción y guión.

La cinta está ambientada en la Guerra Civil de España (1944) y cuenta la historia de Orfelia (Ivana Barquero), una inocente niña que cree en los cuentos de hadas y que inconscientemente crea una realidad ficticia, como medida de escape para enfrentar a su padrastro, el capitán Vidal (cruel militar del ejército franquista), quien se casó con su madre Carmen, con el único fin de poder tener un hijo varón.

Una noche Orfelia en su curiosidad encuentra un laberinto, en donde una extraña criatura (un fauno) le hace una increíble revelación, la niña es una princesa del reino bajo tierra y tiene que cumplir distintas pruebas para poder vivir eternamente en un mundo de fantasía. Paralelamente se desarrolla la otra historia, aquí se nos muestra la maldad humana personificada en el capitán Vidal, quien mata cruelmente a sus enemigos.

Del Toro sin duda pega un salto en su carrera con la producción de la cinta. Los efectos visuales son realmente espectaculares, muy bien logrados que reflejan de buena manera el mundo ficticio con hadas, animales gigantes, reyes, flores mágicas y otros elementos más que se muestran en la producción.

Lo que más se puede rescatar de la película son los efectos visuales, el vestuario y la recreación del mundo ficticio en contraste con el mundo real, donde abunda la crueldad y la desesperación producto de la guerra. El Laberinto del Fauno logró ganar tres Oscar, mejor maquillaje, mejor dirección artística y mejor dirección de fotografía. La actuación de Sergi López (capitán Vidal), otro de los puntos altos, refleja en su persona todo lo malo de la humanidad.

El punto bajo de la película va relacionado con la falta de claridad en algunos elementos, como por ejemplo el cierre de la cinta, deja muchos elementos en el aire sin resolver. Otro de los puntos bajos es el exceso de muertes que se muestra, recordar que esta es una cinta para menores de edad en donde se supone la parte ficticia es la que tiene que envolver al público con su magia y no la violencia con su crueldad.


Reparto: Alex Angulo, Sergi López, Manolo Solo, Ivana Baquero, Cesar Bea, Ariadna Gil, Doug Jones.
Director: Guillermo del toro
Productor: Guillermo del toro, Alfonso Cuaron, Alvaron Agustín.
Estreno: Miércoles 11 octubre 2006
Género: Acción
País: España, Reino unido
Distribuidora: Warner Sogefilms


Filmografía de Guillermo del toro:

El laberinto del Fauno(2006)director, guionista, productor
Hellboy(2004) director
Blade II(2002) director
El espinazo del diablo (2000) Director, Guionista
Mimic (1997) Director
Cronos (1992) Director, Guionista

JAMES BROWN: Explotó “Mr Dynamite”

Francisco Quevedo

Hay un hecho que marcó al mundo de la música durante diciembre: la muerte de James Brown. Sé que es un poco tarde para referirme a este deceso (casi un mes), pero más vale tarde que nunca.

Sólo un maestro podía elegir el 25 de diciembre para partir. Ya sea para bien o para mal, se ha escrito mucho de este showman y la verdad es que no es para menos. La influencia de este mito trasciende las fronteras de lo musical. No sólo aportó con notables discos y una puesta en escena fuera de serie, sino que, además, peleó por los derechos de la raza negra de dos maneras: ya sea por medio de sus canciones o bien por el lobby político.

James Brown era una leyenda viviente. Padre de ritmos como el funk y el soul, su estampa marcó a muchas generaciones de músicos de todas las latitudes. Esto quedó en evidencia con la ola de declaraciones y el pesar mundial tras su partida.

Hablar de su muerte puntualmente es algo que está más que cocinado a estas alturas. Prefiero explicar como veo a Mr Dynamite. La primera referencia que tuve de él llegó gracias a Los Tetas y su canción “James Brown” del disco La Medicina de 1997. Esto despertó mi curiosidad por saber más de este negro funketa. Fue así como llegué a discos compilatorios y de a poco fui conociendo su trayectoria.

Debo reconocer que su carrera no la conozco en profundidad, pero con lo que sé ya logro dimensionar los alcances de este monstruo del espectáculo. Sus canciones están cargadas de una energía única y transgresora para su tiempo. Autor de discos aclamados y animador de shows con un sello inigualable, James Brown logró crear en su persona al mito y lo mejor es que todo eso lo logró en vida y no después de “apagar tele”. Gracias a ese mérito, su valor como artista aumentó considerablemente. Sus shows en el Apollo en 1962 están dentro de los mejores recitales de la historia.

Un punto por el que lo hincharon mucho fue por su conducta. Fue detenido por violencia doméstica, tuvo problemas con el alcohol entre otros. Estos hechos, bajo mi perspectiva, no fueron algo que mermara su carrera sino que, más bien, se transformaron en elementos que ayudaron a agrandar la leyenda en torno a su persona.

La verdad, escribir más no tiene sentido. Basta quedarse con el recuerdo de un ser incombustible que vino dos veces a Chile y que a través de su vida nos entregó su talento y que, como herencia, nos dejó una larga lista de éxitos y discos de valor incalculable.

Reflexionando...

por Los Liberty
Todo partió hace poco más de dos años. El verano temuquense, las clases, las visitas a la escuela de Roberto Lecaros, quinientos proyectos fallidos y las ganas de intentar salir fuera del cuerpo con canciones propias, se tradujeron en un proyecto que en estos días gracias a las casualidades y al destino, está por dar su estallido para lograr convertirse en una verdad.

Hoy, lunes 11 de diciembre, estamos a muy poco tiempo de plasmar muchas horas de sala de ensayo, bares y escenarios, en un disco que será nuestro primer larga duración, producido bajo condiciones que nosotros requerimos y creemos son las más adecuadas para trabajar cómodamente. Será una realidad.

La fecha de grabación ya está fijada, y aunque no puedo decirla, solo diré que se vienen días de mucho oficio y reflexión, que esperemos desemboque en algo que a más de alguna persona desconocida pueda tocarle aunque sea el más ínfimo sentido. Que mas puedo decir, el momento es simplemente brillante, ya que tienes la oportunidad de grabar y dejar registrado para siempre algún pasaje de tu vida en un par de canciones compuestas por un grupo de amigos más tu, que cuando seas un viejo cu….. Vas a escuchar el disco y te traerá nostalgia… en fin, son tantas cosas y el clima se vuelve muy espectante, sorpresas importantes por concretarse estos días y mucho por trabajar.

En cuanto al disco, cuando esté terminado y lo escuchen, espero sea del agrado de muchos.
“No prometo nada porque eso me hace ser un esclavo”…

Saludos a Santiago, esperamos muy pronto estar por allá para volver con una sonrisa.

VISIÓN DE ROCK

por LERDO
¿Cómo Lerdo ve el mundo? No sé si en realidad lo vemos como es, más bien creo que lo vemos como queremos, y eso incluye burlas constantes frente a temas que la gente normalmente no se reiría, ironismo y el hermoso sarcasmo.

Y esto parte porque Lerdo es una sociedad demasiado cerrada, que se asquea de lo convencional y de la típica mierda que todos planean seguir construyendo sin realizar cambios.

Creemos que hay mucho conformismo, todas las bandas o son pop, o son metal, o son hip-hop, o son punk y, mal que mal, todas terminan siendo igual que millones de bandas que hay en el exterior y lo peor es que sólo el mínimo porcentaje de estas pretende hacer un cambio en la música en si, ya que se basan en copiar un estilo que ya funcionó, haciendo que toda la música hacia adelante suene igual. Y esto no sólo pasa en la música, sentimos que estamos rodeados de muchas personas que no piensan ni cuestionan y que se comen todo altiro o simplemente no están dispuesto a prestarse para algo nuevo.

Nos da lata ir a conciertos con mal sonido, nos da lata ir a conciertos donde llegar borracho sea casi un requisito, esperamos que Lerdo le llegue al hueón que se pasa en su casa jugando playstation o leyendo que a un hueas que se la pasa tomando y volándose.

Todos nos dicen “su música es súper volada”y, al contrario, Lerdo casi funciona al mando de la sobriedad, tocamos todo pensando. Estamos completamente en contra del pensamiento “curao toco mejor” eso no entra en Lerdo. De hecho, cuando esta banda comenzaba a formarse uno de los requisitos importantes era no ser un ebrio de mierda o un drogadicto, que no significa que estemos en contra de alguien que beba de vez en cuando, si no que estamos en contra de presentarse en vivo curado o volado, ensayar curao y de esa actitud tan estúpida de casi endiosar al alcohol. Con las letras pasa lo mismo, son raras, súper surrealistas y casi sin sentido pero no significa que las escribamos volados, es sólo que damos tarea para la casa; si te interesa saber porqué en una canción dice “la tierra es un gran cangrejo”, puedes investigar, deducir o interpretar. Pero eso ya casi no existe y menos en gente de nuestra edad que son holgazanes en su generalidad, que no saben ni lo que es un índice o un glosario.

Queremos cambiar todos esos aspecto tanto técnicos como de digestión musical que existen, queremos que Lerdo si llega a mayores ligas suene bien, entregue un buen show, que nos escuchen y que digan: "fueron 2 lucas bien gastadas". Lo mismo queremos con los discos, etc. No estamos dispuesto a hacer cosas al lote como muchas que hemos visto y estamos dispuesto a dar el tiempo y los recursos necesarios para poder entregar un trabajo bien hecho. Siempre nos dicen: "Ustedes ensayan demasiado..."y yo respondo:"¿...y tu queris que las canciones salgan bien de una?”. Otros dicen que las canciones son desordenadas y ESA ES LA IDEA, que sea como un zapping, que te gire la cabeza.

Hay mucho que fertilizar en el territorio virgen chileno, y nosotros estamos dispuestos a dar toda nuestra esperma(en el caso de que seamos fértiles) para que las próximas camadas no sean mononeuronales.

ATOMIC HEAD:“El thrash metal versión chilena”

Rodrigo Damiani

Esta es una nueva propuesta nacional, que ha surgido haciendo ruido en la escena local, no tanto por la trayectoria sino por el sonido metálico que imprimen en sus canciones recordándonos los mejores momentos mundial del thrash metal. Esta banda está integrada por Sebastián Galindo (guitarra/voz), Luis Pozo (guitarra), Hugo Vásquez (bajo) y Diego Mardones (batería). Es imposible no compararlos con los grandes Necrosis(Chile). Recordar que éstos con su disco “The Searsh”, trajeron este ruidoso estilo a la escena nacional en los roqueros años 80. Actualmente, no hay muchas bandas que practiquen el estilo y lo hagan tan bien como Atomic Head, aquí los riffs demoledores te arrancan los tímpanos desde los primeros rasgeos que realizan, grandes letras, gran batería y me llamó mucho la atención la voz, la cual se acopla perfectamente a los instrumentos y al ritmo de las canciones.

Al cerrar los ojos y ponerle play a los temas de esta banda te transportas automáticamente a sonidos de bandas como Destruction Sodom y Kreator. Sorprende la calidad sonora del Ep recién lanzado por ellos, el cual se llama Atomic Head y contiene cinco temas: The sinner, Nuclear attack, Sentenced to die, The punishment y Genocidio.

A continuación, mostraremos la entrevista que amablemente nos otorgó su guitarrista, Sebastián Galindo (SEB):

Breve reseña de la historia del grupo

“Bueno, la banda empezó a fines del 2004 cuando Seb quería componer música cercana a sus más viejas influencias del metal como son Metallica, Megadeth, Exodus y otras bandas de la bay area y tenía un par de canciones cuando conoció a Luis Fuentealba, ex bajista de Primate y empezamos a trabajar en más temas cuando en abril del 2005 llega Diego Mardones a la batería. La banda debuta en Julio junto a SQUAD, ORCUS ATER y otras bandas. En noviembre de ese año, en plena grabación del disco, Luis decide irse y Diego con Seb siguen con la banda, hasta marzo del 2006 que llega Luis Pozo en guitarra y Gabriel en bajo. La cosa sigue así hasta que en octubre de ese año Gabriel se va de la banda y lo reemplaza Hugo, debutando con nosotros el 12 de noviembre en la Trifulca junto a Inanna. Diego también decide irse, pero está tocando con nosotros hasta que encontremos batero nuevo”.

¿Qué opinan de la escena local en Chile y del resto de Sudamérica?

“La escena chilena, hoy más que nunca, está dando de qué hablar, hay buenísimas bandas, están TargeT, Darkemist, Inanna, Kintral, por sólo mencionarte algunas. Hay un puñado de bandas buenas, pero ojo que también hay un puñado de bandas que le quitan profesionalismo al asunto, no se preocupan del sonido, o de la organización en las tocatas, así como producciones pobres y eso le quita un poco de seriedad creo yo, pero afortunadamente hay muchas buenas bandas y creo que el metal chileno está muy bien visto afuera de Chile y eso nos llena de orgullo, las disqueras extranjeras están mirando a Chile y puedes ver el caso de Mar de Grises, por nombrarte sólo uno. El resto de Sudamérica también nos mira super bien, hay muchas bandas que quieren venir a tocar acá y se van muy felices. Eso creo que también se ve con las bandas gringas y europeas que vienen acá, como no tenemos conciertos siempre como en Europa, el público de acá es muy eufórico. Respecto a otras bandas de Sudamérica, siempre Brasil ha sido un pilar de bandas increíbles y también ahora he estado escuchando otras bandas de Ecuador y Colombia. Eso en cuanto a metal, ya que Argentina es muy fuerte pero en Hard Rock… no he escuchado bandas METALERAS argentinas que me llamen mucho la atención”.

¿Qué concepto de sonido manejan?, ¿Cómo autodefinen su actitud, y su sonido? y si pudieran definirse en una sola palabra, ¿Cuál sería?

“Como dije antes, el sonido inicial de la banda era volver al thrash/speed metal de la baya rea, con bandas como Exodus y Metallica, pero obviamente con un toque más moderno, en cuanto a sonido de guitarras bien pesadas y eso creo que le da un toque más actual, pero sin dejar de lado las raíces. El tema de la actitud yo creo que es un poco subjetiva, una de las principales influencias es MegadetH y creo que también eso se maneja en la actitud. En general se maneja mucha rabia en las líricas y en la música y eso también se transmite a la hora de tocar, hay una actitud de “aquí estoy yo” (risas), no es de quebrado ni nada parecido, pero nosotros disfrutamos de lo que hacemos, creemos que lo hacemos bien y si a alguien le gusta, perfecto!! Tampoco creemos mucho en el prototipo de metalero engrupido onda vestido de negro y con cara de rudo todo el día. En la calle somos tipos totalmente normales y amables (ríe). Una palabra es muy poco para definirnos, la verdad… BORRACHOS!! (risas)”.

¿Cómo creen que el público los mira?

"Mira, por lo poco que hemos tocado en vivo, hemos recibido buenas críticas, al menos nos han felicitado cuando nos bajamos y el público nos vacila harto igual. Es super rico eso, sentir el afecto del público cuando estás tocando y que te inviten a una cerveza después de tocar (sobre todo porque tomas gratis). Yo creo que el público tiene buena opinión de nosotros pero aun nos falta tocar en algo grande para consagrarnos y ver de lo que somos capaces”.

¿Cuál ha sido el suceso más importante que les ha ocurrido?

“El mayor anhelo de la banda es hacer giras por Sudamérica, por Chile y, si nos va bien, por el mundo, pero eso más a largo plazo. Nos encantaría ir a tocar a Brasil, hay muy buenas bandas y muy buenas mujeres allá, pero yo creo que el mayor suceso hasta el momento es que en nuestro lanzamiento vendimos algunos discos. Yo creo que otro gran anhelo es dejar bien puesto el nombre del metal chileno en el mundo y también dejar bien puesto el nombre de ATOMIC HEAD en el metal chileno”.

¿Cómo se proyectan en los próximos años?

“Nos gustaría firmar con un sello de afuera para poder distribuir nuestro disco en otros lados y que nos inviten a tocar a Europa, por ejemplo… hay muy buenas bandas allá y muy buenas cervezas también ”.

Respecto a la manera en que crean sus canciones, ¿Cómo es el sistema de composición de la banda?

"Es súper relativo, como que no hay un sistema de creación determinado, algunas canciones simplemente salen completas, otras se hace la música y la letra por separado y luego se acoplan, otras veces se hace primero la música y se le pone letra… en fin!! Es un tanto variado”.

No me queda más que felicitar la labor que esta realizando la banda. Esperemos que el sitial que se merece el thrash metal en Chile pueda ser llevado a cabo a manos de Atomic Head.


www.atomichead.tk

THE BEATLES:Love (2006)

Francisco Quevedo

Escuchar a The Beatles siempre es un placer. Aquí no existen cuentos ni nada. Es un placer rock. En mi caso, es un gusto que me ha acompañado desde los 10 años. Por eso, al saber que sería editado un “nuevo” disco de los maestros de Liverpool me emocioné.

La verdad, es que de nuevo este disco no tiene nada, en relación a si hay o no nuevas composiciones. Lo que realmente se destaca en este álbum es el trabajo de George Martin, para muchos el quinto beatle, y su hijo Giles. Ambos tomaron las grabaciones originales de los estudios Apple y simplemente (nótese) remezclaron las canciones, obteniendo notables resultados. Esto será utilizado por el Cirque du Solei para un musical graficando justamente conceptos como la alegria y el amor.

Más que centrarse en eso, vale la pena mirar el resultado de Love en su totalidad, como una gran canción de 78 minutos. Lo que sorprende es la alteración para bien de algunas canciones, dándole un efecto bien psicodélico. Es un viaje que pasa de un estado a otro con suma facilidad, logrando a ratos niveles altísmos. Las versiones de Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Get Back, While my Guitar Guently Weeps o Strawberry Fields Forever, por nombrar algunas, son ejemplo de aquello.

A esto debemos agregar que este disco mantiene a The Beatles vigentes, pese a que nunca han dejado de estarlo. Es una muestra más de que con un buen trabajo, los “Fab Four” se pueden reinventar una y mil veces, pero siempre manteniendo la esencia de sus canciones intacta. Eso es imposible que se altere, por más que le pase un tractor por encima; el espíritu seguirá siendo el mismo. Aunque una parte importante se fue con Lennon y Harrison (maestros), The Beatles es algo inmortal.

Si quedaste insatisfecho y con gusto a poco luego de “One”, llegó el momento de degustar una reinvención de los maestros provista de un gran potencial y habilidad. Sin dudas, es un disco destacable y recomendable para los fanáticos de The Beatles y de la buena música.

THE BEATLES:"Revolver", un arma adictiva

Francisco Ready

Me había comprometido a escribir sobre el SUE, tenia que entregar un trabajo para un ramo; tenía varias cosas que cumplir y no pude. La información en mi computador se perdió y no tuve otra alternativa que priorizar trabajos para la universidad.

Pero bueno, mucha gente me comentó mis columnas, algunas les gustaron y me motivaron a seguir escribiendo sobre discos que a mi me parecen esenciales.

Con el permiso de mi editor, al cual agradezco la oportunidad de escribir, el disco que quiero comentar es uno de mis favoritos de “The Beatles”. Aunque debo decir que todos, pero todos los discos sus me gustan.

“Revolver” fue creado en 1966 y producido por el conocido George Martin. Es en este disco en el que aparecen grandes revoluciones en la música y a la hora de grabar en estudio.

Me refiero a revolución cuando a un disco de carácter “rock pop” se le introdujo una canción que sólo contiene instrumentos clásicos, no hay guitarra, batería, ni bajo. Pero a la hora de escuchar “Eleanor Rigby” es sentir a estos genios de la música hacer un homenaje a todo lo clásico que primó por tantos siglos y sin perder la línea que pretende el grabado.

A la hora de grabar en estudio se nota que las canciones no son largas, tienen un promedio de 3’30’’. No hay interés en extender la música, solo un mensaje claro y directo. Acá nos muestran la forma de cómo se debe grabar un disco. Para entrar en el estudio, sentarse, componer y grabar de manera elegante, es como se debe hacer y el ejemplo es “Revolver”.

Los sonidos son envolventes, como en casi todos los discos, pero quiero enfatizar en el bajo, un instrumento que suena en forma majestuosa, en donde McCartney muestra toda su delicadeza, fineza y modernismo. Como en “Taxman” con escalas melódicas o más radical como “Tomorrow never knows” donde hay un acoplamiento entre el bajo y la psicodélica voz de John Lennon.

George Harrison tuvo la misión de componer y poder cantar sus canciones. Acá es donde nos damos cuenta de la capacidad de este genio para hacer música. Es donde se empieza a valorar como uno de los mas grandes de la historia y uno de mis favoritos.

John Lennon escribe con su característica ironía y acidez. La tolerancia no es un ejercicio que se practique en el disco, se nota que quiera expresar muchas anécdotas de vida de las cuales se quiere reír y bajarle el perfil de lo que la gente pensaba que era lo importante.

Falta muy poco tiempo para conmemorar otro triste aniversario de la muerte de John (8/12/1980). Sin duda que internarse en Revolver es un muy buena manera de acercarse al legado Beatles. Y no sólo eso, sino que también una buena oportunidad de encontrar música que sigue viva y que perfectamente podría ser compuesta en esta época.

MASTODON:Blood Mountain (2006)

Rodrigo Damiani
Sin duda el mundo no seria el mismo si esta banda no existiera, realmente necesitaba escuchar una banda original y por sobre todas las cosas con gran actitud rock y grandes temas. Vivimos en un mundo donde cada día nacen miles de bandas, muchas de estas pueden llegar a grabar un álbum, pero si la banda no tiene la esencia de un grande, realmente puede pasar a la historia sin pena ni gloria. Esto no pasa con esta banda compuesta por brann Dailor(batería), Bily kelliher(guitarra y voz), Troy Sanders(bajo) y Brent Hins(guitarra), donde esta característica sobra y fluye de gran manera.

Un poco de historia antes de hablar de su nuevo disco de estudio para quienes no conozcan esta gran agrupación. Estos sorprendieron al mundo el año 2000 con el lanzamiento de su EP “Lifesblood”, con el cual atrajeron a un público que estaba insatisfecho en un mercado, como decía antes llena de bandas de relleno y sin estilo. Después del EP vino el arriesgado primer larga duración “Remission”, este disco “debut” llevo rápidamente a que la banda se consolidara y saliera de gira con bandas de la talla de Slayer y Arch Enemy.

En agosto del 2004 se lanza el segundo trabajo de Mastodon, titulado “Leviathan”, disco grabado en Robert Lang Studios (estudios donde grabase Nirvana) y Litho Studios (Deftones, Soundgarden) con el productor Matt Bayles. Con esto la banda se hizo mundialmente conocida siendo invitada a diversos festivales mundiales que tienen relación como el metal mundial “Ozzfest”, “Metal Hammer”, entre otros festivales más. Con la carrera en alza, logran firmar con uno de los sellos más importantes del mundo Warner Music. Con este graban su ultima producion “Blue mountain”, producido por Matt Bayles(Isis, Both), logrando llegar sin duda alguna al techo de su carrera, su música se expandió por el mundo captando la atención de miles de fanáticos. Actualmente se encuentran en una gira mundial con los legendarios de Tool. Volviendo al dato anterior muchos pensaron que con la incursión a un sello más popero,la música de Mastodon se relajaría y se haría más comercial, pero gracias a dios no paso eso, al contrario el sello aguanto la brutalidad de la música y las letras, no queda mas que felicitar al sello por la gran jugada.

Volviendo al tema del álbum editado en septiembre del 2006 “Blood Mountain”, nos entrega un disco conceptual que trata la historia de un castillo encantado que se encuentra en una valle infernal, cada pasaje es una capitulo de la historia, aquí van relatando diversas historias terroríficas. Los riffs rápidos y técnicos destacan al igual que la gran voz a veces gutural y a veces lírica que le imprime su cantante, nota aparte hay que hacerle al baterista de la agrupación americana, simplemente se roba la película. Sencillamente un disco redondo de inicio a fin, nos muestran en conjunto los elementos que llevaron a la fama a bandas como Metallica, Megadeth, Sepultura y Slayer, Todo en un mismo conjunto. Todas las canciones destacan los doce tracks , al escuchar el disco una vez quedaras con gusto a poco, algún espíritu infernal te ayudara a que pongas la producción con todo su poder. El único punto bajo de la producción es su portada que realmente me parece horrible, con canciones tan buenas y ricas en contenido, se merece sin duda una presentación digna para los fanáticos del mundo.

tracklist:

1. The Wolf Is Loose
2. Crystal Skull
3. Sleeping Giant
4. Capillarian Crest
5. Circle of Cysquatch
6. Bladecatcher
7. Colony of Birchmen
8. Hunters of the Sky
9. Hand of Stone
10. This Mortal Soil
11. Siberian Divide
12. Pendulous Skin

DEFTONES:Los sábados ya no son lo mismo

Francisco Quevedo
(publicado también en www.humonegro.com)

Hay un recuerdo de Deftones que no olvidaré: el juramento de “Chino” Moreno de no poner un pie nunca más en Chile. Esto, luego de ser bañados por escupitajos de un repleto Teatro Caupolicán, en enero de 2001. Ahora, casi 6 años después, espero que “Chino” se arrepienta de su estúpida decisión y vuelva por estos lados junto a su banda para presentar su nuevo y notable disco “Saturday Night Wrist”.

Este disco, sucesor de “Deftones” de 2003, es una bomba sonora de una notable calidad. El sonido es pulcro y elegante y, sin dudas, marca una evolución en el “sonido Deftones”. Eso es lo primero que destaca.

El álbum tiene elementos claros que merecen ser reconocidos. La voz de “Chino” suena mucha más clara y se afirma en la maquinaria que disparan sus compañeros. Con melodías poderosas, Deftones logra algo más que un simple cabeceo roquero. “Hole in the Earth” es el primer single y en ella se resumen estos elementos. Una buena melodía marcada por constantes y poderosos quiebres, más una voz que se escucha pulcra y firme.

Luego de ese primer combo, viene “Rapture”. Su misión es subir los decibeles y eso lo logra a cabalidad. Con tiempos marcados y precisos anima y cumple con la idea del disco. Después, viene un par de tracks un tanto más relajados: “Beware” y “Cherry Waves”, que emocionan al “estilo Deftones”. Guitarreos pesados, pero que se arrastran creando una atmósfera pausada, sin dejar en ningún momento de lado el rock. Luego “Mein” es la encargada de devolver el poder. Breve canción, pero muy compacta.

Las “baladas”, si se les puede llamar de alguna manera, también dicen presente. “U,U,D,D,L,R,L,R,A,B,Select.Start” y "Xerces" rompen el esquema, pero se destacan. Que rompan el molde no está mal. Al contrario, le dan el toque que un disco así necesita. Volviendo al rock duro, “Rats, Rats, Rats” es una de las joyas de disco. Impresionante golpe roquero directo a la vena. Da la idea de que te golpean la cabeza con un martillo. Es realmente de lo mejor. “Pink Telephone” marca una experimentación sonora, pero que se queda en eso. Un experimento. Quizás el punto más flojo.

Las canciones que cierran el álbum son dos disparos certeros: “Combat” y “Kimdracula”. Breves y potentes, son el broche prefecto para el disco. Mantienen la misma línea sonora y no son pretenciosas. La última canción es “Riviere”. Precisa, pero más pausada que las anteriores, es la canción que apacigua las aguas después de la tormenta. Es la encargada de llamar al orden.

A veces, es mejor ser directo y no darse tantas vueltas. El resultado es más efectivo. Esa es la fórmula que ha utilizado Deftones. Es un disco recomendable y cumple con creces. No hay razones para quedarse con gusto a poco. Ahora, a esperar que “Chino” olvidé su juramento y decida volver a Chile. Sería un regalo para el rock.

The Iron Maidens:Las mujeres también cabecean

Renato Zelada

Bandas tributo a Iron Maiden en el planeta sobran, eso está más que claro. En todos los países del mundo, hay mínimo 20 bandas promedio tributo a Maiden, lo que no es noticia. En cambio en el año 2001, nació la banda The Iron Maidens, la primera banda femenina tributo a estos grandes del Heavy Metal.

Cuando escuché sobre su existencia, me provocó bastante interés, ya que bandas femeninas de Heavy Metal son contadas con los dedos de una mano, así que conseguí el disco y quedé bastante impresionado.

Este quinteto está compuesto por Aja “Bruce Chickinson” Kim, Linda “Nikki McBURRain” Mcdonald, Elizabeth “Adrianne Smith” Schall, Sara “Mini Murray” Marsh y Wanda “Steph Harris” Ortiz.

Editaron varios demos (que conseguí por internet) y el año pasado editaron su primer disco llamado “The Iron Maidens: World’s Only Female Tribute To Iron Maiden” en el cual tocan canciones desde el primer disco de Maiden hasta el “Somewhere In Time”.

Hay que destacar la gran interpretación de los temas, tanto instrumental como vocalmente, con un sonido fresco y pesado. La vocalista posee una muy buena voz y su interpretación es fantástica, con solo escuchar el excelente cover de “Children Of The Damned” uno queda “plop”.

La potencia de “Phantom Of The Opera”, la rapidez de “Killers” y la interpretación en vivo de “Remember Tomorrow”, entre otras, lo transforma en un disco distinto pensando en que son mujeres (no es por faltar respeto a ellas jaja, solo que es algo poco común) y realmente no decepcionan.

El tracklist es el siguiente:

1) The Number Of The Beast
2) Two Minutes To Midnight
3) Children Of The Damned
4) The Trooper
5) Wasted Years
6) Killers
7) Aces High
8) Phantom Of The Opera
9) Run To The Hills
10) Hallowed Be Thy Name
11) Remember Tomorrow (en vivo)

Si eres fanático de Maiden, y los eternos tributos que han hecho mil bandas te aburren, escucha éste. Seguramente no te defraudará.

Cê – Caetano Veloso: Exigindo Rocks, Metais, Totais, Letais.

Alejo Lobos

El maestro del bossanova ha decidido tocar rock. ¿Rock? Sí. Y para esto decidió comoponer un disco íntegro junto a la ayuda de su hijo y de varios músicos brasileños más.

A diferencia de lo que había hecho en su disco de estudio anterior (Anqotô) y lo que ha sido su extensa y prolífica trayectoria, ha tomado la decisión de incursionar en un terreno en el cual juega de visita: el Rock.

¿Qué se puede esperar de uno de los máximos exponentes del Bossanova? Pues, la respuesta que nos da Caetano es tajante: Todo.

En Cê, está el gran abanico del rock desplegado; desde un rock clásico hasta la psicodelia se encuentran y moldean esta placa. Canciones con la formación original de una banda rockera (batería, bajo, guitarra y voz), nos muestran que para Veloso no hay meta que no se pueda cumplir. ¿Quería hacer rock? Pues lo hizo, incluyendo las infaltables Power Ballads, las canciones de sonidos profundos, y las rockeras que te activan el cuello de goma.

¿Razones para escuchar el disco? ¡ Ufffffff! hay varias. Pero por mencionar las más importantes tenemos:

- Es un disco de rock sincero. Con esto me refiero a que se siente la alegría de realizar, de componer y de grabar este disco…. Se nota que la pasaron bien al momento de hacerlo.
- Tiene de todo. Cómo ya lo mencione más arriba, las Power Ballads no faltan, los headbanging tampoco.
- Es una propuesta diferente de Caetano. Algo que había dejado entrever antes en discos como Muitus Carnavais y en canciones como Rock and Raúl.

Cê, viene de la abreviación de Você (tú) y que además constituye la primera letra de su nombre, aparece en escena en un momento tranquilo de su vida. Y eso se traduce en las líricas del disco, dejándonos entrever que ya, a estas alturas del concierto, Caetano ya hace lo que quiera, casi todo un rockstar. Pero de los buenos. De aquellos rockstars que son un modelo a seguir, estando a la altura de Eric Clapton y Bono.

Y bien, creo que la propuesta de Cê es diferente y buenísima. No sólo porque es Caetano el que la desarrolla, sino que es un deleite, un verdadero manjar de los dioses.

DE SALOON:Cuando la fórmula funciona

Alfredo "fantasma" Gazitúa

Se puede decir que esta banda que se auto define como pop - rock chileno es de las más populares hoy en día. Y es simplemente porque este trío formado por Jean Pierre Duhart (voz y guitarra), Roberto Arancibia (bajo) y Ricardo Barrenechea (bateria), poco a poco ha captado fanáticos tanto de Chile como del extranjero, basándose en un producto con la clásica forma: canciones románticas, sonido "rockero" y gran promoción por las radios y la TV.

De Saloon, dentro de cierto margen, no ofrece nada nuevo. Es la típica agrupación que sigue los pasos de bandas como Los Tres, La Ley y Lucybell. Esto, que en un principio no tiene nada de malo, por momentos transforma a este grupo en algo poco innovador, que entrega los mismos sonidos y ritmos de siempre. Otro punto que les juega en contra es la falta de temática en las letras. Practicamente todas hablan del amor y el desamor, en el fondo, todas están dedicadas a algún tipo de mujer especial. Sin embargo, a pesar de esto, muchas contienen un juego de palabras interesante y entretenido.

Los origenes de esta banda se encuentran en la ciudad de Concepción, para algunos la cuna del rock chileno. Ya en el año 1999 divulgaron su primer demo, llamado "Esfumar", con el cual llegaron a la capital para tocar en bares y eventos pequeños. Gracias a eso, la banda comenzó a adquirir una fiel fanaticada que se mantiene hasta el día de hoy y que va creciendo con el correr de los meses.

Fue recién a fines del año 2003 que lanzaron su primer disco, originalmente llamado "De Saloon" que en cierto modo consolidó su entrada al escenario rockero nacional. Dentro de este disco, hay que destacar el primer single "Té", el cual fue muy tocado en las radios, con buen sonido y una letra muy interesante en cuanto al juego de palabras utilizado. También destacan otras canciones como "Brígida" que entrega un sonido mucho más rockero y "Esfumar" otra canción con un gran juego de palabras y un sonido más bien relajado. Tampoco hay que dejar de lado "Quédate", una canción extremadamente romántica, ideal para todos aquellos que están o estuvieron enamorados.

El año 2004 con una nominación a mejor banda nueva de los premios MTV, lanzan su segundo disco "Morder", el cual definitivamente marcó la consagración de esta banda tanto a nivel nacional como internacional. Este disco es mucho más rockero que el anterior, y si bien sigue siendo la misma temática y un sonido muy parecido, se nota una gran evolución en todo tipo de aspecto, en especial en cuanto a lo instrumental, talvez las letras siguen teniendo la misma temática, pero está vez las canciones tienen un mayor poder musical. Dentro de las mejores canciones de este disco, además de los singles "Morder", "Quiero hacerte feliz" y "Asfixiar", destacan "Relajarme", una canción con gran velocidad dentro de los márgenes de este grupo; "Nadar" para variar con un gran juego de palabras; "Anzuelo" la cual talvez es una de las mejores canciones del disco y "Adios", otra canción romántica, parecida a "Quédate".

En estos momentos, De Saloon está a punto de lanzar lo que vendría a ser su tercer disco, el cual es de esperar que presente una nueva evolución y talvés algo más innovador de esta banda, que ya cuenta con grandes seguidores en el plano nacional e internacional, en donde hay que destacar la participación en el "Yoko Fest" de Corea hace unos años, entre otras grandes presentaciones internacionales. De este disco ya esta sonando en algunas radios la canción "Déjalo", que en pocos días estará en "hitspedia" (hitspedia@gmail.com), para que la disfruten todos los seguidores de De Saloon y de Adicción.

Sitio web: www.desaloon.cl

HITSPEDIA: ...and hits for all

Con el fin de promover la pasión por el rock y la buena música, hemos destinado un mail especial para que, entre todos, creemos una biblioteca virtual de hits. Todos tendrán acceso a ella y la idea es que todos aporten buenos temas.

El mail es el siguiente: hitspedia@gmail.com
La contraseña es: purorock

Saludos, Staff Adicccion

SIMPLEMENTE ROCK

Rodrigo Damiani
(proximamente en www.rockunion.cl)

El rock pesado sin duda es parte importante del mundo, sólo me queda hacerme una pregunta. ¿Que seria del mundo sin el metal? La respuesta: un maldito infierno.

Semillas de metal:

El denominado heavy metal o rock duro nace junto a black sabbath, estos sin duda son los padres del rock pesado. Paralelamente a ellos existían bandas más de rock como Led Zeppelín y Deep Purple entre otras, pero fue Black Sabbath mejor dicho Tom Iommi en las guitarras quien hizo sonar este instrumento como algo infernal y obsesivo, por su parte Ozzy Osbourne le imprimió letras “satánicas” y un estilo vocal que influyó sin duda alguna en el mundo de la música. Sin la existencia de esta banda inglesa el metal y rock pesado actual no tendría el peso actual. Con relación a la vestimenta, la de Black Sabbath y sus similares no se separaban en demasía, vestimentas hippies con la diferencia de que Ozzy siempre fue un hippie de un estrato social más bajo, con su vestimenta no mostraba seducir a las chicas sino quería perturbar la mente de las personas así de simple.

Este movimiento fue creciendo y se fue expandiendo a los jóvenes que Vivian un permanete descontento social, comienzan a formarse bandas que quieren actuar de la misma forma que los Black Sabbath buscan destruir y dominar el mundo, aquí comienzan a nacer bandas iconos como Motorhead, Venom, Iron Maiden entre otras, aquí la vestimenta y los estilos musicales comienzan a diferenciarse, con Motorhead comienza el Trash, con Venom el black y con Iron Maiden el heavy, no olvidar que el movimiento punk inglés era lo que estaba pegando.


Obviamente son muchas bandas más pero sólo estoy nombrando a las más influyentes. En los Estados Unidos se desarrolla el death metal con bandas como Napalm Death, Deicide,Morbid Angel y obituary, fenómeno aparte es el que se vivió con Pantera un rock pesado mas comercial logrando vender una gran cantidad de discos en el mundo masificando lo que era el rock pesado.

De a poco la vestimenta entre estilos comenzó a diferenciarse, la influencia del rock fue llegando a nuestras latitudes sudamericanas, muchos creerán que Sepultura fue la banda de metal extremo de Sudamérica pero están totalmente equivocados la primera banda de metal extremo se llamaba Pentagram y era chilena de hecho esta fue influencia para los hermanos Calavera quines vieron en vivo a la banda en una gira que desarrollaron en brasil.

Made in Chile :

Para continuar me gustaría hacer la diferencia para que no existan dudas. Hubo otra banda en Chile que se inicio en el metal, pero se fue relacionado más con el trash metal, la banda se llamaba Necrosis y fue la primera que público un álbum el cual se llamaba“the search”. Recordar que sólo existían bandas de estilo punk rock como los Fiscales ad hok y Anarkia, los cuales vestían con ropa de milicos para mostrar de alguna manera el rechazo por el régimen militar que se vivía en esa época.

A Pentagram y necrosis les preocupaba la fuerte opresión policial de la época y se encargaron de organizar un centenar de conciertos en el mítico Manuel plaza (demolido actualmente), a la propuesta de estas geniales banda se sumo Dorso y Atomic agressor, los primeros con un pera cuadra como su principal líder y compositor mostrándonos un rock mas parafernálico y menos serio, los segundos tomaron la enseñanza de Pentragam y masificaron el death metal en Chile. Gracias a la opinión de mi hermana mayor quien tuvo la suerte de asistir a este mítico Manuel Plaza, me pudo describir mas o menos como se vivía el metal en esa época “los weones iban al Manuel Plaza a dejar la caga me acuerdo que se agarraban a pollos y siempre llegaban los pacos a las bandas las pescaban poco pero después de un tiempo y cuando se calmo la cosa la gente iba a ver las nuevas propuestas musicales, también recalcar que muchas veces quedo la caga por que el precio de las entradas asi lo meritaban la wea se llenaba de pelusas sin nada que hacer, las entradas oscilaban entre los 300 y 400 pesos por lo que la wea se llenaba de pelusas”, a esto agregó, “recuerdo también perfecto la pinta de los lokillos ,ropa desastrada pelos indecentes y lo peor weones hediondos”, el metal al igual que la sociedad chilena evolucionó y esto quedó demostrado en la nueva gama de bandas que nacieron post 90 cuando el rock y metal ya era un fenómeno que habían llegado al país.

Criminal, Dorso y Dogma continuaron su lucha contra si mismos, pasando la época antes mencionada los músicos comenzaron a preocuparse de la música y la vestimenta. Ahora los músicos se bañaban y se vestían de forma decente para las presentaciones, el copete, hueveo y la lucha ideológica dejo de ser lo más importante, esto lo demostró Criminal con su ida a Inglaterra para profesionalizar un poco la carrera, a estos los siguió Undercrof y Coprófago. Esperamos la escena nacional pueda de una vez por todas profesionalizarse y que se le respete a los músicos como se debe.

Discos imperdibles para un metalero chileno:

Necrosis: the searsh

Pentagram: los dos demos que alcanzo a lanzar la banda y que se encuentran hoy día remasterizados en un álbum que salio el 2001 titulado “Pentagram”.

Criminal: Antón, el lider de Pentragram, crea criminal creando una de las bandas más profesionales del circuito local
Discos recomendados: Victimized, Dead Soul, Sicario

Atomic agressor: demo de 4 temas, llamado de la misma forma brutalidad y potencia.

Dorso: romance

Dogma: Super Fix mostrándonos un sonido más europeo y vendible.

Coprófago: última gran banda de metal chileno, radicados en Francia “Unorthodox Creative Criteria”

FESTIVAL CREAMFIELDS:La fiesta quedó en deuda

Francisco Quevedo

“¿Porqué tan choro?, le pregunta un joven increpando a un guardia a la salida del Festival Creamfields en Ciudad Empresarial. Todo por un trozo de “pan con morta”. Inentendible para un evento de tal magnitud. Como leí por ahí, el Creamfields es, por concepto, el evento que más nos une con el mundo moderno. Ese de Europa, con grandes bandas y millones de personas disfrutando de la música. Lamentablemente, en Chile eso aún no ha sido comprendido. Esto, porque en la tercera edición de este festival la fiesta parecía más en evento de colegio que un espectáculo de nivel mundial.

Los artistas invitados respondieron bien, el público a medias. Sin embargo, voy a centrarme en los desordenados de la noche: Catupecu Machu. Los argentinos fueron el alumno problema, si se puede decir de alguna manera, porque simplemente destruyeron el clásico esquema de la música electrónica: nada de beats y agua mineral de diez lucas o drogas taradas. El rock se apoderó de uno de los cuatro escenarios por más de una hora. Bienvenida la cerveza (me cayeron dos del cielo) y a disfrutar del show. Sólidos, con desplante y personalidad, Catupecu Machu sacó adelante la tarea con honores. Además, estuvieron apoyados en el bajo por Zeta Bosio (ex Soda Stereo) lo que le entregó un plus a la presentación, graficado en la notable versión de “Persiana Americana” que interpretaron en tributo a la disuelta banda argentina. El climax se vivió cuando Fernando Ruiz Díaz, voz y guitarra, bajó del escenario y entró en el VIP. En ese lugar, rockeó y entregó la descarga de energía precisa que el decepcionante (y escaso) público necesitaba para despertar.

El público llegó tarde a la fiesta. Mientras Sasha actuaba se produjo el peak de gente. Eso ocurrió alrededor de las 2 de la mañana. Sasha junto a Dj Tiga fueron dos puntos altos de las sesiones electrónicas conocidas por ser monótonas, planas y, más encima, largas. Estos dos Djs manejaron bien sus recursos y lograron prender el ambiente. “Dar jugo” fue la única solución para afrontar la noche. En Creamfields, más que nunca, hizo falta un número de peso tal como lo fueron Groove Armada y Prodigy. Este año, Underworld era el plato fuerte, pero se negaron a tocar en dos países seguidos durante su gira, privilegiando la versión argentina de este festival.

La reflexión que queda es que, después de ver a Catupecu Machu y el funcionamiento de los 4 ambientes, se podría llevar a cabo el mismo concepto de Creamfields, pero reemplazando la electrónica por el rock. Del recinto no hay nada que decir porque es ideal para realizar shows de esta envergadura. Eso confirmaría mi teoría del evento rockero. Se necesita un espectáculo a ese nivel de producción, pero con rock. De esta forma, nos evitaríamos tanta parafernalia e iríamos directo a la vena.

PD: Se agradece a Eduardo Mora, por las facilidades entregadas para llevar a cabo el reporteo...

LARVAS:Rock fresco del otro lado de la cordillera

Francisco Quevedo

El nombre de esta agrupación argentina no refleja la música que interpretan. Con claras influencias del rock argentino, como Pappo o La Renga, Agustín Isaac (voz - guitarra), Javier Mira (batería - coros) y Matías Villalba (bajo) se las han arreglado para comenzar a hacerse notar en la generosa escena under rock trasandina.

Isaac, la voz y guitarra de Larvas, explica que “la escena local, acá en Capital Federal., está muy difícil, ya que con lo ocurrido en Cromagñon han cerrado muchos lugares”. Esto ha mermado las opciones de este grupo y de tantos otros en la difusión de su música. Ante esto, la solución de Isaac es simple: “Bueno, no hay que bajar los brazos y ¡luchar por lo que uno quiere en la vida!”. Un mensaje cargado de idealismo, pero, a la vez, lleno de convencimiento.

Larvas editó un EP que incluye cuatro canciones: “La forma”, “Tuve un plan”, “Invierno Infinito” y “Mi revancha”. Las canciones son de corte rockero y como se citó anteriormente, con influencias de La Renga y Los Tipitos por nombrar algunas bandas. La voz de Isaac hace rememorar a Jorge González de los chilenos Los Prisioneros. Es un rock cumplidor que no busca aparentar sino concretar. Por lo tanto, es directo. Larvas ocupa una fórmula invencible: rock simple y preciso sin pretensiones. Eso, a la larga, los debería conducir al éxito.

El EP está marcado por constantes quiebres que, pese a que son sólo cuatro canciones, le dan un dinamismo al disco. En ese sentido, uno queda con gusto a poco por la poca cantidad de tracks. Habrá que esperar. Aparte de ese detalle, el material que hay es destacable. Dentro del EP, cada instrumento se destaca, sobretodo la guitarra que lleva la batuta. Las composiciones son frescas y con flexiblidad. Coros pegajosos y buenos riffs le dan el toque al disco. La gran mayoría de las composiciones está a cargo de Isaac. “Pero eso (el proceso creativo) no está limitando a los demás de ningún modo”, sentencia la voz de Larvas.

De momento, queda aguardar que editen su primer trabajo oficial, para así confirmar cual será el real alcance que tendrá Larvas. Otro acierto del rock argentino.

Se pueden bajar temas en: www.purevolume.com/larvas

ALTER BRIDGE:One Day Remains

Renato Zelada

Corría el año 2003 cuando Creed, banda compuesta por el vocalista Scott Stapp, el guitarrista Mark Tremonti, el bajista Brian Marshall y el baterista Scott Phillips, se disuelve. Esta banda alcanzó el éxito, con solo 3 discos editados vendieron más de 30 millones de copias alrededor del mundo.

En ese mismo momento Tremonti anuncia que tiene una nueva banda. Junto a sus 2 ex –compañeros de Creed, Marshall y Philips, más el vocalista ex –Mayfield Four Myles Kennedy, forman Alter Bridge.

Su disco debut (y único disco editado hasta la fecha) “One Day Remains” (2004) es, de alguna forma, una evolución de lo que fue Creed, sólo que mucho más pesado y melódico. Una banda del llamado post-grunge, que posee la potencia de Alice In Chains y la solidez de Pearl Jam.

El disco comienza con “Find The Real”, un tema directo, con un riff bien pesado en el intro. La intepretación de Kennedy en este tema es fenomenal, el cuál deja en evidencia su gran registro vocal y la capacidad que tiene de llegar a los tonos altos.

El disco prosigue con “One Day Remains”, un tema rápido, con unas notas en la guitarra que dejan bien en claro que los dedos de Tremonti literalmente vuelan.

“Open Your Eyes” es el primer single del disco. Un tema “enganchador” con unas guitarras bien melódicas, suaves y pesadas. Un coro bastante “pegajoso” y un solo de guitarra bastante metalero. Excelente elección de la banda como primer single.

El siguiente tema, “Burn It Down”, es una canción de bajas revoluciones, algo “blusera”, con guitarras limpias y un ritmo algo “apagado”, una canción que de a poco va agarrando intensidad hasta que al final deja un gusto que podría haber sido algo más.

Si eres de esos que les gusta cabecear, las guitarras bien pesadas con un “palm muting” al estilo Metallica y con una bateria bien intensa, “Metalingus” sin duda que va a ser una de tus favoritas. Debe ser el tema con guitarras más pesadas jamás compuestas e interpretadas por Tremonti, y el final del tema tiene su toque “trashero”. Uno de los puntos altos del disco.

“Broken Wings” es el segundo single y otro de los puntos altos del disco. Acá uno puede encontrar el “vínculo” con Creed. Un tema oscuro, con guitarras lentas al comienzo, que ha medida que avanza el tema se vuelven más pesadas y el resultado final es excelente.

“In Loving Memory” es la balada del disco. Un intro bastante meloso, unos acordes bastante suaves y una voz bastante melancólica.

Si yo hubiera podido elegir los singles, aparto “Broken Wings” y, a cambio, dejo el siguiente tema. “Down To My Last” podría perfectamente ser una balada si no tuviera el elemento “rock”. Buen coro y excelente solo de guitarra.

“Watch Your Words” es un tema con guitarras cargadas de metal, fuerte y directo. Rock “puro a la vena”, con unas voces bastante rockeras.

“Shed My Skin” es algo parecido a “Down To My Last”, va en la misma onda, pudo haber sido balada, pero contiene el elemento “rock”.

Y el disco cierra con “The End Is Here”. Un intro que se parece al de “Who’s Got My Back” de Creed, que ha medida va agarrando fuerza con guitarras bastante pesadas. Uno de los puntos altos. No pudo haber sido mejor forma de cerrar el disco.

“One Day Remains” es un álbum que si lo escuchas por primera vez te va a enganchar. Mark Tremonti se consolida en la guitarra, demostrando que no es un guitarrista más del montón, y Myles Kennedy, con su estilo roquero, bastante parecido al de Chris Cornell es sus inicios con Soundgarden, se complementan y crean un sonido único, que difícilmente alguna otra banda del llamado “post-grunge” podrá alcanzar. Si eres fanático de Creed, no te lo puedes perder.

Sitio web: www.alterbridge.com

WEICHAFE:Rock y Guitarras

Rodrigo Damiani.
(proximamente en www.vortex.cl y www.humonegro.com)

La principal banda exponente en Chile de hard rock es sin duda Weichafe ("guerrero", en lengua mapuche), esta agrupación ha impuesto durante toda su carrera un sello innovador y rockero, mostrándonos frescura y fuerza. No sólo en sus grandes canciones, sino también en las letras, que se nota que son trabajadas de manera exhaustiva por los miembros de la banda.

Weichafe es una banda que existe desde el año 1997, y esta compuesta por tres integrantes. Marcelo Da Venezia (voz y bajo), Mauricio Hidalgo (batería) y Ángelo Pierattini (voz y guitarra), el cual participa paralelamente en Hueso y el Ibanez army. Recordar que Ángelo se hizo conocido por su participación en Bambú, banda en donde compartía escenario con Quique Neira (ex Gondwana).

Este power trio es muy respetado en la escena nacional, han editado hasta la fecha cuatro producciones, “Tierra oscura del sol” (1998), "Weichafe”(2002), “Pena de ti”(2004) y el recién lanzado “Harto de todo”(2006) , sigue siendo una de las bandas más sólidas del medio. En Chile han sido partícipes de los principales circuitos locales compartiendo escenario con otros grandes como Dorso y Alejandro Silva, recorriendo además, de manera exitosa todas las latitudes el país.
Esta solidez lograda durante la carrera en Chile, hizo que la banda argentina La Renga(maestros), los invitaran a abrir dos show de la gira “Insoportablemente Vivo” en la ciudad de Mendoza (Estadio Godoy Cruz) y Córdoba (anfiteatro La Falda), teniendo una gran aceptación tanto del medio, como del público argentino. Este hecho desencadenó que la banda fuera invitada; representando de forma dignísima a Chile; a la versión 2004 del festival “Cosquin Rock”, uno de los más importantes de Latinoamérica.

Como se imaginarán, cuando vienen bandas trasandinas como La Renga, Divididos y Attaque 77, siempre Weichafe es considerada como invitada, lo que habla del respeto que estas grandes bandas le han tomado al trío capitalino.

En referencia al lanzamiento del disco nuevo”Harto de todo”, que se realizó el 3 de noviembre en el excelente Galpón Víctor Jara (plaza brasil), sólo me queda recalcar la excelente organización del evento, el cual presentó un rotundo lleno total (600).

Antes de ingresar al galpón, me di cuenta de que el público era variado. Podíamos encontrar desde góticos a trashers tanto de antaño como más jóvenes. Un hecho que me llamo gratamente la atención es que nunca había asistido a un concierto local en donde más de la mitad del público tuviera la polera con el logo de la banda, demostrándonos así la gran pasión que siente el roquero chileno por Weichafe.

Cuando la gente hizo ingreso al recinto se encontraron con la sorpresa de un telón gigante rojo, con el imponente logo de la banda, todos estaban expectantes sobre lo que habría detrás. Pasada las 23:30 horas y después de haber compartido con la banda un rato de conversación, comenzó a rodar un video de la banda donde con su simpatía de siempre mostraron imágenes de la grabación de la nueva producción y de su nuevo video clip “Me voy a encerrar”. El ambiente estaba encendido sólo se esperaba que la banda saliera en escena, se baja el telón y comienza el show, en el escenario se encontraba una foto del personaje principal del nuevo álbum “Milo Maccioni” y una gran cantidad de fotos en una especie subnormal de collage, algo que realmente le dio el toque mágico. La interpretación de los tres músicos fue simplemente magistral cada uno manejando su instrumento como si fuera parte de si.

Fueron más de dos horas de música donde se pasearon sin titubear por los clásicos de todas sus producciones, ‘No es Malo’, ‘Tierra Oscura del Sol’, ‘3 Puntas’, ‘Respiro la Luz del Sol’, ‘Pan de la tarde’, ‘Las Cosas Simples’, ‘Ripio y Soledad’, ‘Pena de ti’, ‘Festín de Muecas’, ‘Rock del Poncho’ y ‘Pichanga’ entre otros y también tocando su nuevo álbum, el cual fue interpretado en su totalidad. Para mi sorpresa, los asistentes al show corearon todas las canciones del nuevo disco demostrándome nuevamente el fanatismo que existe por el trío capitalino, Refiriéndome a la nueva música del nuevo disco, puede apreciar con claridad la intención de la banda, la cual sigue en la idea de entregarnos temas de excelente calidad en donde la temática y la producción siguen siendo el elemento fundamental.

Simplemente grande Weichafe, esperamos que con este cuarto álbum en estudio puedan ser valorados por la gente y la prensa por lo que realmente son, una máquina de rock.

Sitio web: www.weichafe.cl

FESTIVAL CENTENARIO FECH:Rockeando junto con vos

Francisco Quevedo

Por el precio popular de la entrada, era una ocasión única que no se podía dejar pasar. Ver a Los Tres, Vicentino y Chaly García juntos, pero no revueltos no es algo de todos los días. Hasta la luna se asomó el sábado 4 de noviembre por el estadio Nacional en el marco del festival de la Fech (Federación de Estudiantes Universidad de Chile) con motivo de la celebración de su centenario (1906-2006).

La celebración comenzó con bandas universitarias para dar paso a Guachupé!, agrupación de caracteríticas fiesteras y de ská, pero sin mucho brillo. Una banda ideal para animar una fiesta de tal envergadura. Dentro de ese contexto no desentonaron. Sin embargo, los verdaderos encargados de abrir la fiesta serían otros: Los Tres.

A eso de las 20:15 salieron a escena a mostrar un repertorio que resumía perfectamente los shows realizados en el mes de julio pasado en el Arena Santiago. Así, temas como “Hojas de té”, “El aval”, “He barrido el sol” o “La espada y la pared” se pasearon durante la hora y media que estuvieron sobre el escenario. Mención aparte merece la notable versión de “Déjate caer”. Su sonido no presentó fallas y se siente la “buena onda” que transmiten. El fiato entre Henríquez, Parra y “Titae” Lindl está intacto. El público ovacionó a la banda. Tampoco faltaron los mensajes políticos.

Luego de una larga espera de 45 minutos –en eso la organización falló toda la noche, simplemente no estuvo acorde a las circunstancias- salió Vicentino. En ese momento, el Coliseo del Nacional estaba en su peca de público. Vicentino hizo lo suyo. Apoyado en un carisma que pocos tienen, rápidamente se “echó al bolsillo” a la masa. Literalmente. Recurrió a sus “caballitos de batalla” para darle vuelo a la hora que duró su presentación. La cancha se transformó en una gran pista de baile y el show alcanzó un gran nivel. Se vio un Vicentino relajado al punto de echar la talla con la gente entre canción y canción.

Después del espectáculo del ex vocalista de Los Fabulosos Cadillacs estaba todo listo para que apareciera en escena Charly Garcia, el maestro rock argentino. Digo “apareciera” porque antes de Charly (luego de otra eterna espera) se cruzaron en el camino Los Van Van. Esta agrupación cubana estaba fuera de contexto. Es un grupo más para animar un matrimonio que a un estadio con 20.000 personas. Es tolerable para un rato, no más de media hora, pero no para una hora y quince minutos, tiempo que duró el show. Nada más que decir de Los Van Van. Todo por culpa de Charly.

Si. Charly García estaba amurrado y por esa razón los cubanos tuvieron que rellenar. Cuando llegó la hora del maestro, que salió a las dos de la mañana, comenzó un verdadero espectáculo. El que va a ver a Charly con la intención de presenciar un concierto “políticamente correcto”, está perdido. De este genio se puede esperar lo que sea. Para empezar, estuvo un buen rato sentado mirando al público esperando quién sabe qué. Cuando se dignó a tocar (que en su caso es una suerte que lo haga) el rock que desparramó por el escenario escapó de todo límite. Además, justo en ese momento comenzó a llover. Todo un presagio.

Realmente lo que había escuchado en torno a la persona de este genio era verdad. Sus eternos hits no faltaron, además de canciones nuevas. Regaló al menos una decena de frases históricas tales como: “No me vengan con boludeces de que escuchan Los Prisoneros y esas mierdas...con todo respeto” o “de diez mil tarados no hay ninguno que me traiga un vaso con bebida” ante lo que apareció de inmediato un tarado cumpliendo su orden. Con Charly las cosas se hacen a su modo. Rompió guitarras, pateó, rockeó, se olvidó de las letras, se enojó con los audífonos y con el vaso (si, aunque no se crea), casi rajó su polera, puteó…en resumen: las hizo todas. Y todo en un poco más de una hora. Terminó con las luces del estadio ya encendidas. Una falta de respeto.

En general, el festival fue una excelente ocasión para degustar rock. Charly fue el broche de oro para un evento que cumplió con las expectativas en cantidad de público, pero quedó en deuda en la parte de la organización. Los discursos populistas de los líderes de la Fech estuvieron demás al igual que las imágenes de Pinochet, aunque quizás era lo mínimo, por las características de la federación. Lo rescatable es que la música fue el centro de la fiesta. Por suerte. Si existiese una frase para resumir este festival, seria esta: Allá van los tontos, pero no pesados, por uno de los caminos de la vida rezando por vos.

Magma - Mekanïk Destruktïw Kommandöh:Rock Progresivo Kobaïano a la Vena

Alejo Lobos.

ADVERTENCIA: Banda exclusiva para quienes gustan del Rock verdaderamente progresivo.

Si alguien quedó rallando con grupos como Il Balleto di Bronzo, Dunwitch, o Premiata Fornería Marconi y aún no ha escuchado este disco, tiene dos opciones: O pegarse un tiro; o ir corriendo a conseguírselo.

Como dudo que alguien tome la primera opción como válida; les sugiero conseguírselo; claro, después de leer este artículo.

Para comenzar quiero dejar en claro que lo que está usted por escuchar, es una de las bandas más difíciles de tragar que me ha tocado oír. Es difícil de agarrarle el gusto, cuesta entender lo que comunican, quizás es por culpa del idioma Kobaïano, en el cual están escritas las líricas de esta agrupación.

El disco se trata de una maldición que en el futuro un humano lanza a la Tierra, que en esos tiempos va camino a su perdición. Este sujeto huye hacia el paneta Kobaïa, en donde pide ayuda para salvar a la humanidad de un inminente colapso. Amablemente los kobaïanos aceptan otorgar la ayuda, pero en el momento que llegan a la tierra, y de haber sido bien recibidos por las autoridades, son traicionados. Esto se traduce en la indignación de los kobaïanos quienes vuelven a su planeta y de allí preparan su venganza.

Los coros que acompañan en todo momento a la música dan una impresión de estar junto a la milicia prusiana, son fuertes y profundos. La mezcla a su vez, de la guitarra con los profundos teclados, los clarinetes, las percusiones y las baterías, te dejan pegado, como que no atinas a nada, ni siquiera a moverte. Sucede que de pronto son mezclas tan inentendibles que se pierden en la mezcla, pero después de varias escuchadas, de ponerle oreja muy atentamente, esa amalgama de sonidos raros, se vuelven claramente descifrables. Se entienden los órganos, y las percusiones, y es en ese momento que se descubre la naturaleza progresiva de Magma.

Esa naturaleza que denota una pulcritud casi perfecta de sus composiciones. Toma, eso sí, tiempo entenderlos. Pero lo que consigue esta banda francesa es una obra importante dentro de la historia del Pogresivo, llevándolo casi a su máxima expresión.

Y ahora el aviso: Se viene el DVD de Magma, asi que estén atentos.

ESCOLEOSIS:Una dosis de poderosa melodía

Francisco Quevedo
“Rock power melódico”, sentencia Felipe Goldsack, guitarrista y vocalista de Escoleosis. Esa es la definición musical que mejor refleja a este cuarteto creado a finales de 2001. Llegaron a ese concepto porque “no somos un grupo con un sello onda de estilo muy marcado como otras bandas”, según palabras de Goldsack.

Esa versatilidad es, precisamente, el sello de la agrupación formada, además de Goldsack, por Ignacio Álvarez (batería), Rodrigo González (guitarra y voz) y Pablo Solari (bajo). Escoleosis está en una constante búsqueda de su estilo para ser reconocibles algún día, pero “siempre siguiendo una línea de lo que nos gusta, porque no nos interesa hacer música ultra innovadora, pero que no nos guste nada”, resume Goldsack.

Escoleosis ha editado un trabajo, aunque aclaran que no es profesional y que su despegue y debut oficial se acerca. "Lento, pero seguro", aclara Godsack. Sin embargo, “Nuestro Mundo” (2004) podría ser considerado, de alguna u otra manera, el debut del grupo. Esto, porque en la actualidad trabajan en su segundo material. Avanzan de a poco, pero “con potencia”, comenta la voz de la banda.

En “Nuestro Mundo” queda claro el concepto musical de la agrupación de comienzo a fin. Es un disco de fácil digestión y que no desentona, pero tampoco descolla. Es correcto. El “rock power melódico” envuelve al álbum en su totalidad y ningún track escapa del “manto” melódico. A pesar de que ningún tema rompe con el esquema, igual hay variedad dentro del álbum. La mayoría de las canciones mantienen la línea, pero algunas incluyen quiebres dinámicos (Sin ti, tu y yo), otras recurren a elementos más pausados sin perder en ningún segundo el eje melódico (Soledad, Mi mundo).

Esta placa responde y se relaciona con el concepto de mundo en que viven sus integrantes. También va de la mano con lo que la banda pretende con su música. En palabras de Goldsack: “Personalidad, emociones, sentimientos, o prácticamente cualquier cosa que queramos transmitir, es posible lograrlo por medio de nuestra música”.

Como muchas bandas, Escoleosis sufre el “mal del bajista”. Desde 2001 han tenido 3 bajistas en sus filas lo que, en parte, ha mermado la estabilidad del grupo. No significa que están estancados, sino que no contar con un bajista estable ha jugado en contra. Es necesario tener un miembro estable y no estar sumido en cambios de un año a otro.

Ahora, es de esperar que Pablo Solari no los abandone y cumpla con responsabilidad su rol dentro de la banda. Ahora queda aguardar la edición de su trabajo debut para ver, en concreto, los resultados y evolución de este cuarteto. Adicccion se cuadra con su proyecto y el rock nacional. Arriba el rock chileno.

Sitio web: www.escoleosis.cl

Se puden descargar temas en: www.purevolume.com/escoleosis

MILES DAVIS: Un legado en el jazz.

Francisco Ready.
A vista de los expertos en jazz, una de las obras prima de este género es "Kind of blue" (1959), no sólo porque el maestro de la trompeta Miles Davis es su creador, sino también por el elenco de músicos que forman este mágico disco. Un verdadero "dream team" del jazz.

El sexteto está compuesto en primer lugar por Miles Davis (tompeta), John Coltrane (saxo tenor), Cannonball Adderley (saxo alto), Bill Evans, Waiton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Jimmy Scott (batería).

Por el año en que se grabó, se podría pensar que la música refleja un jazz más clásico y estructurado, dentro de los cánones donde las improvisaciones se tienen que manejar, pero no es tan así. Lo que hace este disco indispensable en cualquier cartuchera de CDS, es el quiebre de lo clásico a lo moderno, a veces intermedio, pero otras veces polarizado hacia algún sector.

Las improvisaciones son perfectas, crean una atmósfera limpia, en donde deja y obliga que fluya la imaginación de cualquier persona que lo escuche. Despertando emociones constantemente, ideal para relajarse y dejarse llevar en un viaje atemporal y con destino incierto.

El liderazgo de Miles es increíble. Se nota como guía y como da ciertas "libertades" a los demás músicos para que caminen por donde él quiere llevarlos. Pareciera que cada nota está perfectamente pensada, pero es claro que las improvisaciones provienen del virtuosismos de cada músico que acompaña y como aporta un sello específico para cada segmento de canción.

Creo que para empezar a escuchar jazz es bueno tener "Kind of blue". Es parte de la primera década de discos que compuso. Después, uno puede ir escarbando hacia lo anterior y luego seguir hacia lo posterior de "Kind of blue". Les aseguro que con él van a encontrar toda la evolución del jazz. Es tan grande el legado de este virtuoso de la música que, incluso, se dio el lujo de tener guardada su trompeta por 20 años. Aun así, a su vuelta fue revolucionario en la forma de tocar jazz. Pareciera que se hubiese adelantado esos años.

Bueno, en fin. Hoy está de moda poner música al momento de los partos. Sin duda alguna este sería mi disco escogido, un disco ideal para nacer - ser, despegar - volar y escuchar -sentir.

FAHRENHEIT: Nuevos tiempos. (2006)

Rodrigo Damiani.
“Nuevos tiempos", es la segunda producción de Fahrenheit, en la cual trabajó el productor norteamericano David Prater (Dream Theater, Firehouse). Quien está en conversaciones para trabajar con los también nacionales Six Magics.

Recordar que su producción anterior, “Chains Reaction” (2002), tuvo un gran éxito en el medio nacional, no sólo por el simple hecho de innovar en un estilo musical y en atreverse en hacer un disco completamente en inglés, sino también por los grandes músicos que posee la banda, en donde destacan de manera especial Christopher "Chaz" Thomson ex Misty Eyes (voz) y el virtuoso Javier Bassino (guitarras), el cual también pertenece al Ibanez Army. El resto de la banda esta compuesta por Carlos Otto (guitarra y fundador de la banda), Carlos Cid (bajo) ex Mythology y Diego Bombardiere (batería).

Volviendo al disco, destacar que este a diferencia con el anterior, está en un ciento por ciento en español, demostrándonos así la ambición de la banda por conquistar el territorio nacional. Destacar y agradecer también las intenciones de la banda por renovar de alguna manera la escena nacional, en la cual hoy en día abundan bandas demasiado parecidas. Aquí en Chile no conozco otra banda como Fahrenheit, la cual imprime este estilo de rock que fue tan exitoso en los años 80, el denominado glam rock, pero el cual nos muestran de manera fresca y renovada, con un gran sonido y lo más importante: entregándonos un disco redondo y de fácil digestión.

El disco comienza con la canción “Vuelvo a vivir”, la que esta sonando en todas las radios nacionales y la cual le esta dando un sello importante a la banda. Este es el primer single de la producción, la cual incluye además un video clip el cual esta rotando de apoco en MTV y Via X. Una canción totalmente ganchera y entretenida, una gran letra y un desarrollo impecable de los instrumentos sin duda uno de los puntos altos del álbum.

“Siente el silencio”, un tema un poco más relajado en donde destaca el virtuosismo de Bassino, y los tonos que alcanza Chaz en la voz. Si te gusta Bon Jovi, Poison, Motley Crüe, la canción sin duda te recordará a los maestros del glam.

“Nuevos tiempos”, es la canción más entretenida del disco. Es la típica que uno escucha una vez y que jamás se te podrá olvidar, es muy pegajoza y muy bien lograda, ahí se nota la mano del productor quien le saca provecho a una canción simple, dejándola como una de las indispensables de la producción.

“Tan lejos de mi”. Si estas enamorado, sin duda esta canción te removerá los sentimientos. Una de las baladas del disco, realmente espectacular mostrándonos de esta forma otra faceta de la banda, su lado relajado, gran letra y por sobremanera gran melodía, otro de los puntos altos de la banda.

“Y tu te vas”. Si te gusto la anterior, con esta vas a estallar. La segunda balada del disco realmente buena, sin duda será el futuro single del álbum, puesto que es directa a la vena y la cual llega a todo el público ya que las buenas canciones son universales. Sin duda, es la mejor canción de la producción, totalmente recomendable.

“Inimaginable”. Como se estarán dando cuenta, el disco esta lleno de hits y este es otro de aquellos, una canción armoniosa con la misma tónica de las anteriores, gran letra y un gran arreglo de cuerdas.

“Euforia” un tema con coros muy al estilo de Def Leppard, sin duda un acierto. Ya que de alguna manera rompe el esquema, un tema hecho sin duda para ser cantado por los fanáticos en vivo.“Por ti” un tema que perfectamente pudo haber estado en el disco de Bon Jovi “New Jersey", simplemente notable.

“Mis destierro” y “No necesitas más”. Estos dos últimos ponen fin a un disco simplemente redondo y espectacular, donde nos muestran toda la actitud callejera que tiene que tener un buen tema de rock. Como todos los temas del álbum, continúan los ritmos contagiosos y entretenidos.No me queda más que recomendar y apoyar a un conjunto que sin duda dará que hablar en el difícil mercado nacional, a través de buenas canciones y gran actitud, viva el rock.

G3 EN CHILE: Rockeando junto a los astros.

Alejandro Lobos.
Ver a tres grandes de las seis cuerdas no tiene comparación alguna, y eso debiera ser una máxima en la vida.

Sentado este precedente, podemos hablar de lo que fue el show de John Petrucci (Dream Theater/Liquid Tension Experiment), Joe Satriani y Eric Johnson, en el marco de la Gira G3 2006, realizado en el Velódromo del Estadio Nacional el pasado 21 de Octubre. Un show que venía bajo muchas expectativas, pues la anterior presentación que realizó el G3 en nuestro país -el 12 de diciembre del 2004- dejó una vara sumamente alta, cuando Satriani, Vai y Fripp (King Crimson) alegraron la noche aquella vez. Eso obviamente, hizo que uno esperara algo de similar calidad para este año. El G3 '06 no defraudó y todo tipo de expectativas quedaron reducidas a su mínima expresión.

El sol aún no se escondía, cuando a las 20 horas en punto (sí, en punto, pese a que estamos en Chile), Johnson se encargó de dar el puntapié inicial a lo que serían 3 horas 45 minutos de la más pura entrega de calidad musical.

Durante 45 minutos nos maravilló con su puesta en escena y demostró las razones que justifican el lugar que tiene junto a los otros dos y que también, dicho sea de paso, lo llevaron a ser parte del primer G3 en 1996. “Manhattan”, el punto más alto de su presentación, nos invadió con una tranquilidad especial. Tendías a cerrar los ojos, pero no querías hacerlo, pues te perderías parte del magnífico show de luces con que contó el escenario. Un perfecto aperitivo.

Luego de un intermedio de 15 minutos, llegó el turno de John Petrucci. Virtuoso de la guitarra, tiene méritos más que suficientes para pasearse dentro del escenario de la forma que desee. Criticado por tener, supuestamente, “poco feeling”, hizo vibrar a la masa con temas de su disco solista (“Suspended Animation” de 2005). Venía, eso sí, con otro virtuoso: Mike Portnoy (baterista de Dream Theater). ¡Que manera más notable de acoplarse estos dos! Cambios, cambios y más cambios sin fallar. Un deguste para los oídos rockeros.

Y llegó el turno del anfitrión de la fiesta: Joe Satriani. Nos deleitó con su colección de clásicos y con su gran empatía con el público. Cualquiera diría que por la efervescencia que causó su aparición en escena no viene nunca, pero resulta que en los últimos 6 años ya ha venido 4 veces. No estuvieron ausentes las clásicas “Flying in a Blue Dream” y “Summer Song”. El dueño del boliche sacó a relucir su oficio.

Parecía que nada más podría mejorar lo ya hecho. Pero mientras el maestro tocaba la magistral “Always with me, always with you” aparecieron Johnson y Petrucci, dando por iniciado el G3. ¡¡¡¿Are you ready for G3?!!! Una pregunta retórica de obvia respuesta.Así, se inició la cuarta parte y final de esta historia que dejó, tanto a protagonistas como a espectadores, fascinados. Quizás, cómo únicos dos reparos que le encontré a esta parte fue que “Keep on Rockin” (de Neil Young) debió cantarla Eric Johnson (¡Dios! ¡Qué feo canta Joe!). El otro es que fueron sólo 3 canciones de Jam. Hubiera preferido más. (Red House y Voodoo Child).

Un recital nada corto, aspecto que se agradece. Es de esos momentos en que lo único que deseas es que no termine nunca. Creo que de los miles que estuvimos allí (entre 7000 y 10000 personas) hubiéramos querido que los maestros de ceremonia no terminaran nunca esa entrega de música y rock and roll. Por nuestra parte, no pudimos quedar más satisfechos. En resumidas cuentas, un concierto redondo. Una combinación de feeling, técnica y acrobacia; y una muestra de buen rock.

UNION CARBIDE PRODUCTIONS: Los padres del circo rock escandinavo

Francisco Quevedo.

Hallé esta banda por esas casualidades de la vida. Esas inexplicables, pero gratificantes. Union Carbide Productions es uno de los fenómenos suecos más desconocidos que existe. Lo paradójico de este asunto es que la influencia musical de este grupo en su país es enorme y todas las bandas que nacieron de su separación son medianamente conocidas, pero ellos no. Es como un padre fracasado que tuvo en sus hijos el reconocimiento que siempre buscó. Son los gestores silenciosos de todo el movimiento de bandas roqueras de corte psicodélico y el rock de garage sueco. He ahí la explicación del fenómeno de Union Carbide Productions.

“In the Air Tonight” (1989), marca el debut de esta banda sueca. Información de su existencia y carrera discográfica no hay mucha. Esto ocurre porque Union Carbide Productions nunca realizó una gira como debía. Sólo se limitó a tocar en su Suecia natal y en países del norte de Europa además de escasas presentaciones en la costa este de Estados Unidos. Sería. Ni la prensa especializada europea los conoce. A ese nivel llega el anonimato de la banda.

Su primer trabajo rescata y ejecuta con maestría el rock. Así de sencillo. Es un sonido directo a la vena con toques del rock más puro de los setenta. En eso no hay doble lectura. Además, Union Carbide Productions mezcla ese sonido con una magistral psicodelia, reflejada en los vientos que incluyen en algunos tracks, otorgándole un sonido único al álbum y, de pasada, haciendo un homenaje a Frank Zappa. El disco es un perfecto equilibrio entre obras roqueras breves y precisas (Financial Declaration, Cartoon Animal) y obras épicas psicodélicas (Down on the Beach).

Las guitarras son el alma del disco. Union Carbide Productions abusa de ellas, pero con genialidad. No es un abuso forzado, sino que responde a lo que la canción pide. Es algo que nace naturalmente. Sólo fluye. Lo mismo ocurre en los tracks más psicodélicos. Da la impresión de que el álbum, en sí, es una gran obra improvisada en su totalidad. Justamente esa es la razón que lo hace adictivo y recomendable. Es un indispensable.

Este es el primer artículo de una serie titulada “La psicodelia roquera de Suecia” que incluirá un repaso por los “hijos” que nacieron de Union Carbide Productions, porque su aporte fue notable y no es reconocido. Es una manera de graficar el alcance que tuvieron.

LUIS ALBERTO SPINETTA: Habladurías de mundo.

Francisco Ready.
Tengo varios discos de cabecera, uno de ellos es “Artaud” (1973) de Luis Alberto Spinetta. Es un disco que fue grabado bajo el nombre de Pescado Rabioso (disuelta banda), que se volvió una especie de libro de respuestas para cualquier situación de vida. Este “libro” se escribió con cierta exclusividad, dedicada completamente a una historia de amor que el “Flaco” vivió.

No es extraño creer que el nombre del disco no nació por generación espontánea, el nombre apareció por un escritor francés, Antonin Artaud, creador del teatro de la crueldad, es aquí la relación con la mujer a la cual le fue dedicado este disco, una mujer que seguramente fue brutal con los sentimientos de Luis Alberto.

Cada tema cuenta distintas historias, momentos, sentimiento y emociones que compenetran en un profundo auto análisis del poeta. Y no sólo eso, sino que también reflejan historias comunes, que a cualquier persona alguna vez se ha visto dolido por eso llamado amor, que sin duda encontrara algún reflejo en el espejo poético de Spinetta.

Mezclando distintos estilos musicales como el rock, blues y coquetas pinceladas con el jazz , el "Flaco" crea una atmósfera progresiva tanto con la música como con las letras, letras a veces desgarradoras y otras veces directas a la conciencia. Haciendo de ella un circuito perfecto en donde deja un fluir natural canción tras canción.

Me cuesta encontrar fundamentos objetivos como para incentivar a escuchar este pequeña joya del rock latinoamericano que tuve la suerte de descubrir. Pero si alguna vez te sentiste idiota, si alguna vez sentiste que cada vez que pensaste en ella caíste muerto o que tiempo pasado no fue mejor que mañana es mejor, no dejes pasar la oportunidad de encontrarte con el "Flaco" Spinetta.

Datos "Artaud", 1973 Luis Alberto Spinetta,

1.-Todas las hojas son del viento
2.-Por
3.-La sed verdadera
4.-Bajan
5.-A Starosta, el idiota
6.-Cementerio Club
7.-Superchería
8.-Cantata de Puentes Amarillos

9.-Las habladurías del mundo

ZOÉ: Sonidos electrónicos y rockeros.

Alfredo "Fantasma" Gazitúa.

Este quinteto de Ciudad de México, simplemente nos enseña una gran propuesta rockera. Sin contar con músicos virtuosos, poco a poco se han ido ganando un nombre, principalmente en México y EE.UU. Con variadas influencias que arrastran grandes agrupaciones de renombre como The Beatles, Placebo y The Cure, esta agrupación conformada por León Larregui (voz - guitarra), Sergio Acosta (guitarra), Ángel Mosqueda (bajo), Jesús Báez (Teclados) y Rodrigo Guardiola (batería), logra entregar a todo aquel que los escuche, un sonido distinto, en donde se mezclan perfectamente distorsiones, sonidos eléctricos, acústicos y una gran percusión.

Si hay algo que destaca a esta banda es que ya sea cantando en español o en inglés, logran canciones limpias musicalmente y con gran contenido en cuanto a letras. Es más, es de los pocos grupos que al cantar en inglés no dan la sensación de que se están vendiendo al sistema estadounidense con el único propósito de vender discos. A pesar de que a veces no se les entienda nada cuando no cantan en español.

Su primer disco (utlizando un recurso muy creativo aplicado por muchas bandas) se titula Zoé y deja claro el sentido de este grupo, marcando la pauta de lo que vendría a futuro. La primera canción, Asteroide, entrega mucha potencia, en donde las guitarras invitan a relajarse y pensar. Otra canción destacada es "Deja te conecto" una canción más relajada, con sonidos más bien sencillos pero con gran valor en cuanto a la letra. Razor Blade, contiene una melodía que nos puede acercar a sonidos setenteros o ochenteros. En realidad, se puede decir que este disco es uno de los pocos en donde todas las caciones son de excelente calidad, a pesar de las cantadas en inglés (Beat Breaker y Random Time), que por momentos pueden sonar un poco más flojas, pero logran la excelencia al final de cuentas.

Sin embargo, fue con la canción "Soñé" (no incluida en este disco) con la que comenzaron a ser más conocidos. La razón de este éxito se dio por la película Amar Te Duele, en donde esta sencilla pero a la vez significativa canción logra darle una gran importancia a la escena en donde fue utilizada.

Rocanlover (segundo disco), si bien pierde un poco en cuanto a "poder", gana en armonía. En muchas canciones del disco se da un sonido más bien acústico que logra realzar las letras de las canciones. Mientras que en el las canciones mas "rockeras", se entrega la cuota justa, que generan un producto final ideal para escucharlo caminando por las calles o arriba de una micro, especialmente canciones como Veneno, Fotosíntesis y Love. Lamentablemente esta vez se caen groseramente en las canciones en inglés. Tanto Whatever como Mars 200 se tornan aburridas e inentendibles.

Este año, lanzaron el disco "Memo Rex y el Corazón Atómico de la Vía Láctea", el cual simplemente significa la consolidación definitiva de esta agrupación. Con un sonido limpio, canciones con gran contenido en todos los aspectos, se convierte en talvés lo mejor de este grupo hasta el momento. Vía Láctea, es el primer sencillo de este disco, y está sonando bastante, principalmente en las radios mexicanas. Con una percusión sencilla pero excelente, y una estructura que permiten escuchar la misma canción una y otra vez, se convierte en quizás la mejor canción del disco. También se destacan Human Space Volt y The Room, en donde por fin logran que canciones cantadas en inglés sean completamente buenas, demostrando que con el tiempo, han ido mejorando las fallas que tenían al principio. Este disco significa la maduración del grupo, tras 9 años tocando juntos, Zoé comienza a ganar terreno, es más, en los últimos premios MTV, lograron dos nominaciones, Mejor Artista Alternativo y Artista Revelación, en ambas fue superado por Panda... sin comentarios... premios MTV.

IRON MAIDEN: A matter of life and death.

Rodrigo Damiani.

Iron Maiden es sin duda, una de las bandas británicas más influyentes en el mundo de la música. La agrupación es de las más queridas y respetadas en Inglaterra. La humildad y grandeza de sus integrantes Steve Harris (bajo/teclados), Bruce Dickinson (voz), Dave Murray (guitarras), Adrian Smith (guitarras), Janick Gers (guitarras) y Nicko Mcbrain (batería), destacan de sobremanera, pero siendo siempre sus grandes producciones el sello de presentación. Esta banda lo ha logrado todo, por lo que se nota que ya no es sólo un trabajo, sino que un estilo de vida, se nota que hacen lo que realmente les gusta.

Los 31 años de la banda no han pasado en vano y eso se nota en la nueva producción, la cual salió al mundo el presente año. Se dieron el lujo de editar el álbum más extenso de su carrera (72 minutos), y aunque no lo crean el tiempo transcurre rápidamente sin que el oyente se aburra. Me gustaría destacar que las canciones son creadas en su mayoría para no decir en su totalidad por el gran Steve Harris (creador de la banda), y el gran vocalista Bruce Dickinson, el cual edita su tercer disco en estudio después de ser reincorporado junto a Adrian Smith. Siendo, "Brave new world" (2000), "Dance of death" (2004) los antecesores de “A matter of life and death”, tres discos totalmente distintos, pero con un matiz en común. La presencia de tres fenomenales guitarristas, hacen que las canciones suenen tan armónicas, como pesadas.

En “A matter of life and death”, no se nota la presencia de tres guitarras, muy por el contrario las guitarras se entremezclan sonando como una sola, hecho no fortuito, si no que pensado por la banda. E bajo sonando más fuerte, la batería acompañando, con la gran técnica de Mcbrain, y para que contarles como está cantando Bruce, quien a pesar de no llegar a tonos tan altos como en discos anteriores, sigue cantando de excelente forma. Alternando pasajes graves con agudos."Different world", la canción que inaugura el disco, es la más dinámica, para fanáticos de los primeras producciones será sin duda su canción favorita. Me imagino que en el tour mundial que haga la banda, será la canción de partida. La temáticas bélicas que inspiran el álbum desde su carátula hasta sus canciones, en la letra de “These colours don’t run", muestran su lado más crítico, ésta canción en su sonido mezcla la armonía con el volumen."Brighter than a thousand suns", es una canción donde las guitarras demuestran todo su arsenal, con unos maestros totalmente inspirados. En relación a las letras es una reflexión sobre las armas nucleares. Si la anterior era armonía con volumen, esta es coordinación con pasión.

“The pilgrim” es una canción correcta pero que no trascenderá como el mejor material de la banda. El punto más alto del álbum, es la interpretación de Mcbrain mostrándose progresivo y conciso, en “The longest day”, que trata sobre el desembarco en Normandia (II guerra mundial). Nos muestran una canción que intercala durante los casi ocho minutos, distintos pasajes musicales, pero sin perder el sonido clásico de la dama de hierro.

“Out the shadows”, para mi es uno de los puntos altos del disco, la canción fue escrita por Dickinson y Harris. Esto se nota durante el transcurso de los minutos, es una de las grandes baladas rock que ha realizado Iron Maiden. "The reincarnation of Benjamin Breeg", el primer single del disco, fue el tema con el cual le mostraron al mundo su nueva producción (record en ventas), personalmente me agrado mucho, se escucha un Dave Murray relajado y renovado.A continuación viene "For the greater good of God", escrita en solitario por Steve Harris. Aquí las letras tratan sobre las atrocidades que realiza el hombre en nombre de la religión.

“Lord of light” es el tema más hard rock del álbum, escrito por la tripleta mágica: Smith, Harris, Dickinson. El primero se roba la película, destacando en la gran armonía que implanta, totalmente recomendable. Con "the legacy" canción escrita por Harris/Gers encontramos un final totalmente espectacular y brillante, el tema más épico de la producción y que pese a su larga duración (9:20) logra dejar al fanático de Maiden muy contento, en este tema encontramos pasajes acústicos y rockeros, dándole un toque progresivo, sin duda la mejor aporte de Gers en la doncella.

Realmente un disco recomendable, nos muesta a un Iron Maiden más real, ya no tienen que demostrarle nada a nadie y eso se nota en la producción. Si te gusta la banda, el álbum sin duda te gustará. Quisiera agregar también que en la tienda UNDER se encuentra la versión europea del disco, este nos trae adicionalmente un DVD con videos y fotos.

REVOLVER: Un certero disparo rockanrolero.

Francisco Quevedo.

Enero de 1999. Una escuela de rock aterrizó en Temuco y a Osvaldo Montanares le dieron ganas de participar porque venía Florcita Motuda y él rayaba con su música. Para eso, debió formar un grupo. “Me hinchó para que creáramos una banda. Al comienzo éramos nosotros dos nada más”, relata Mauricio Lagos, vocalista y guitarrista de Revolver.

Eso ocurrió hace siete años y ha corrido agua bajo el puente. Ahora, la banda está formada por Mauricio en guitarra y voz, Osvaldo en guitarra; a los que se suman Cristóbal Correa en batería y Eduardo Petit en el bajo. La banda cultiva elementos del blues, funk, soul y jazz. “Principalmente somos un grupo de rock & roll”, aclara Mauricio.

Al parecer, Temuco es una tierra fértil para el rock y sigue los pasos de Concepción, pero a menor escala. “Existen bastantes bandas de calidad y que llevan varios años haciendo buena música original. Te podría nombrar a Los Liberty, Revolver, Exuvia, Rey Sombra, Código Raponchi, Lamina6, Cuervo, La Naranja De Merfy, Tierra Oscura, es decir, hay un buen número de bandas consolidadas de diferentes estilos que van desde el rock clásico, hasta el metal, pasando por los punk, ska, y también cosas más sicodélicas. Puedo afirmar que se está moviendo harto la escena roquera”, sentencia la voz de Revolver.

En sí, Revolver rememora en sus canciones a los sonidos clásicos del rock. Su pasión por The Beatles no se refleja solo en el nombre (tomado del disco “Revolver” de 1966), sino que sus melodías son el mejor ejemplo de la pasión que sienten por los de Liverpool. Sin embargo, el grupo no se queda sólo en The Beatles. Su rock es de fácil digestión, que recurre a los elementos citados anteriormente. El funk dice presente con autoridad, pero sin abusar. Lo mismo ocurre con el blues. En otras palabras, el estilo de Revolver es flexible, adaptable y agradable.

Sorprende que esa flexibilidad se note dentro de una misma canción y que no sea una canción blues, una funk, una rockera, una Beatles. Esto se logra por las diversas corrientes que influyen a cada integrante del grupo. Hay influencias del hard rock, del funk y soul, pasando por el rock clásico y el blues. Resultado: un rock & roll simple, pero de calidad.De manera independiente, el año 2004 editaron un disco llamado “Las mismas cosas”. Por estos días, Revolver afina los últimos detalles para lanzar su segundo EP con alrededor de cinco canciones (que aún no tiene nombre) y paralelamente, trabajan en la composición de los temas de su tercer EP. Hace poco, Revolver y Los Liberty realizaron un evento en la Universidad Católica de Temuco con gran éxito. Pronto, esperamos tener noticias de presentaciones y de su música, las que serán informadas aquí.

THE ANIMALS: Luces brillantes en la gran ciudad.

Alejandro Lobos.

¿Qué poder decir de una banda después de que han pasado cerca de 40 años de su máximo apogeo? En el principio de los tiempos, momentos después de que se inventara la vida, tiene suceso la génesis y trayectoria de estos grandes referentes del Rock.

The Animals es una parada obligada para quienes quieren conocer Rock, vivir Rock y soñar Rock. Con clásicos como "House of the rising Sun", "Bright lights, Big city" y "Bom bom", dictan la pauta en lo que a Rock-Blues eléctrico refiere. Uno no se sorprende entonces cuando escucha la voz raspada de Jim Morrison, o la forma de cantar de Julian Casablancas de The Strokes.

¿Qué me dió por escribir sobre esta gran banda? Pues nada en especial, sólo que desempolvé el House of the Rising Sun, lo coloqué en mi radio…. Y a gozar.Para comenzar, un clásico de clásicos cómo es la canción homónima del disco, nos deja vislumbrar lo que será esta inyección de rock-blues llena de guitarras y teclados, un ritmo típico y agradable.

¿Alguien alguna vez ha quedado pegado con una canción? ¿Y con dos? ¿Y si les digo que es posible quedar pegados tarareando un disco entero? ¿Alguien me creería si les digo que con este disco se puede? Pues si la respuesta es no, es que tiene que conocer a esta banda.

Creo que ya lo he dicho, es rock clásico del más puro. Escuchar este disco es como si te inyectaras toneladas de historia y música a la vena. Lamentablemente, poco conocidos por el fuerte impacto que causó el fenómeno Beatles en el mundo entero, no obstante, Eric Burdon (vocalista), Alan Price (tecladista), Hilton Valentine (guitarrista), Chas Chandler (bajista) y John Steel (batero); han sabido dejar su marca indeleble en el maravilloso mundo del rock.

LUCAS YAKSIC BAND: El poder de la guitarra.

Rodrigo Damiani.

Lukas Yaksic es uno de los guitarristas más influyentes del país, participó en la agrupación Dogma, editando "Improve the silence" (97), el gran "Superfix" (2000), catalogado por los medios especialistas como uno de los mejores discos del metal chileno. Además de "Disco Inferno" (2001), "Manifesto" (2004), siendo el único cantado en español y último disco lanzado por la banda. Su participación en Dogma le sirvió para agarrar entrenamiento y experiencia creativa, llevándolo de esta forma a consolidarse en el difícil mercado nacional.

Dos años tuvieron que pasar para que éste excelente guitarrista se decidiera a formar una banda. La cual esta compuesta por Leo Henríquez (bajo) también ex Dogma, Gonzalo Sepúlveda (batería) y Francisco Garcés (guitarra). La fuerza de la guitarra de Yaksic y compañía la pude apreciar en el concierto que realizó junto a Gabriel Hidalgo (Six Magics) en la increíble Escuela Moderna de Santiago el pasado 12 de octubre. Concierto que se llevó a cabo en el marco del concurso de guitarra eléctrica (YAMAHA), gracias de la iniciativa Fancymusic y Ibanez Army quienes hicieron posible la realización de este concierto.

Con una puntualidad realmente extraordinaria, se nos comunicó que aparte de Yaksic e Hidalgo se sumaría otro guitarrista de la Ibanez Army, el gran Claudio Cordero (Matraz), ex alumno de la escuela. Este interpretó tres temas el último acompañado por Hidalgo, desenfundando realmente una técnica exquisita y gran feeling, recordándome al maestro Joe Satriani.Quedándose Hidalgo en el escenario, ingresó su banda de apoyo, los cuales estaban compuestamente por su mayoría por miembros de Six Magics. Su actuación fue totalmente correcta, se nota que su motivación es el power metal y la rapidez en cada nota. Fue un show redondo en donde sólo tocó temas de su futuro disco solista. Este concierto tuvo una duración aproximada de 60 minutos. Posteriormente salió al escenario Lukas Yaksic Band, esta presentación me tenía confundido, ya que siempre he seguido a Dogma, por lo que me extrañaba que este guitarrista que siempre se ha caracterizado por el power, estuviera en cartel de virtuoso. Que equivocación tuve, desde el primer tema hasta el último imprimió canciones de total fuerza y virtuosismo . Me agrado conocer su faceta virtuosa, y que mejor si la fuerza que lo caracteriza se encontraba totalmente intacta e inclusive más brutal. Aquí nos mostró su nuevo álbum Vol. 10, simplemente espectacular. Los presentes en el show quedamos realmente impresionados por los grandes temas que interpretó la banda. Más emoción fue ganar una polera que la banda tiró. Primera vez en la vida que me llegaba algo en un concierto.

Realmente me dieron ganas de comprarme el disco, pero esperaré para el lanzamiento oficial de este que se realizará el 2 de noviembre en la SCD de Plaza Vespucio a sólo dos mil pesos (paso el dato). Sin duda alguna me compraré el disco, espero que los fanáticos del buen rock y metal puedan asistir a ver este exsimio de la guitarra, estoy seguro que no se arrepentirán.

Más información en http://www.lucasyaksic.com/

BITMAN Y ROBAN: Que no termine la sobremesa.

Francisco Quevedo.

Hay discos que uno mira a huevo, hay que decir las cosas como son. Para alguien que no conoce el trabajo de Bitman y Roban, ese dicho cae de cajón. Este dúo, formado en 1999 por José 'Toto' Bravo (scratch, voces) y Christián Powditch (teclados, voces), ha trazado su camino en base de “robar” melodías de otros músicos y mutarlas a tal punto de crear una canción nueva. Por lo tanto, es un “robo con estilo”. En términos computacionales, ellos hacen un “cortar-pegar musical”. Esta manera de hacer música la han pulido a lo largo del tiempo, logrando notables resultados en su último disco titulado “Música para después de almuerzo” (2005).

En esta placa, el concepto de “robar” evoluciona con la llegada de Roberto “Titae” Lindl (Los Tres) en el bajo y Adolfo Araus en teclados. Con esta formación ya no es sólo hurtar, ahora se suma la creación y la interpretación, logrando así, un combo más completo y satisfactorio. Este disco se agrega a los anteriores “Hurtos” (2000) y “Robar es natural” (2002). La palabra robar o hurto es recurrente a la hora de definir al grupo. No por nada es el pilar de este dúo para llevar a cabo sus creaciones.

Volviendo a “Música para después de almuerzo”, toman elementos del funk, hip hop y jazz, haciendo del disco la ecuación perfecta de la mente de cada uno de sus integrantes. Ya no es sólo un sampler y un fragmento de “Wanna be startin somenthing” de Michael Jackson o la inclusión de unas rimas perdidas como ocurre en “Robar es Natural”. Ahora cada uno aporta, las canciones alcanzan un peso tal, que le entregan la dosis exacta de consistencia al disco. Sin embargo, esto no merma en nada la naturalidad de las canciones. Cada track corre con fluidez. No hay trabas que detengan su cauce.

No contentos, el dúo convocó a una larga lista de invitados: Anita Tijoux de Makiza (voz), Solo di Medina (voz), Juan Chills de Tiro de Gracia (voz) y los ex Los Tetas Tea Time (voz) y C-Funk (guitarra). A éstos, se agrega DJ Raff en producción. Un listado para nada despreciable que apunta a abarcar variados estilos. La participación de cada uno, no pasa desapercibida. Al contrario, al escuchar los tracks en que intervienen, su presencia es fuerte y distinguible al punto que casi no hay que esforzarse para saber quien es quien.

En lo personal, este álbum fue un tapaboca después de la presentación e imagen que tenía del grupo luego de verlos en vivo hace unos años. Marca la consolidación de un despegue ya anunciado. Cuando necesiten música para incentivar al metabolismo y para llenar el buche con cerveza, ésta es la indicada. Como dice su nombre, es la música ideal para después de almuerzo.

LOS LIBERTY: Sonidos emergentes.

Rodrigo Damiani.

Esta es una de la nuevas promesas nacionales. Provienen del sur del país, más específicamente de Temuco. Ahí, "cada día se teje un circuito más profesional y llamativo", según nos cuenta Hernán Jara (teclados/voz) en una entrevista que amablemente concedió durante la semana pasada.La banda esta compuesta por Juan Paulo González (bajo y voz), Hernán Jara (órgano y voz), Gonzalo Acevedo (guitarra y voz) y Rubén Celedón (batería). La reunión de esta banda se produjo a fines del 2004 y tiene como principal motivo “lograr un sonido único, dándole prioridad principalmente a las melodías”. En un principio, nace como un grupo de covers tributando a sus bandas favoritas. El ser una banda de covers tiene un solo fin. “Simplemente aprender de la poesía y el estilo de composición que utilizan las grandes bandas”, asegura Hernán Jara.

Actualmente, el circuito en Temuco es mucho mejor que hace diez años, por lo que la ambición de la banda es hacerse cada vez más conocida y representar de alguna manera a su tierra natal (como sucede, por ejemplo, con Los Tres y Los Bunkers en Concepción). Es por esto que radicarse en Santiago la consideran clave para el ascenso progresivo de la banda, ya que tienen clarísimo que la pequeña industria musical chilena se encuentra centralizada en la capital.

Humildemente reconocen sus grandes atributos musicales. Se nota que se tienen fe. Estoy seguro que aquello es importante para la proyección de una banda. Estas atribuciones las pude comprobar satisfactoriamente. Hernán -con una disposición increíble- accedió a mandarme el demo, que aún no tiene nombre, pero que realmente está espectacular. El trabajo está marcado en un ciento por ciento las influencias nacionales y suenan como sus ídolos, los Ángeles Negros. Las seis canciones que pude oír realmente presentan un sonido aceptable y novedoso, siendo también entretenido y de fácil digestión, totalmente recomendable para el público capitalino.“5% de inspiración, 5% de capacidad, 90% de oficio”. Con estas palabras, Hernán Jara resume en una frase a su querida banda. Esto es algo que realmente se aprecia al momento de escuchar su música. Queda claro que se conocen y les apasiona realmente lo que hacen. En esta agrupación, son los cuatro miembros quienes crean y producen los temas en su totalidad.

Por último, quisiera recordar que la banda esta en proceso de grabación de su primer disco, el cual pretende salir entre diciembre y enero. Esperamos que cuando éste se edite, el equipo de ADICCCIÓN sea el primer medio de prensa en recibirlo.

BRAIN DAMAGE: Bienvenidos a la máquina.

Francisco Quevedo.

Al salir del concierto de Brain Damage, tenía una sordera placentera. Nunca me había pasado, así de manera tan potente. Agradecí que haya ocurrido, porque las casi dos horas de show del grupo tributo a Pink Floyd se resumen en un concepto: placer musical. Ante un lleno total, el teatro de la Escuela Moderna se rindió ante la presentación “perfecta” de la banda. Escribo perfecta entre comillas, ya que no existe la perfección cuando se habla de imitar a Pink Floyd. Son únicos e insuperables. Por dicha majestuosidad, nadie va a igualar a Gilmour, Waters, Wright y Mason. Debido a esto también, las críticas que uno le pudiese hacer a Brain Damage (que no existen, aunque escuché algunas al salir del show) no tienen fundamentos sólidos porque, por naturaleza, es imposible alcanzar a los Floyd.

Dejando esa idea de lado -ya que si discutieramos si es posible o no superar a Pink Floyd estaríamos mucho tiempo en eso- mejor es hablar de la presentación de Brain Damage. Fue un espectáculo. Recurriendo a canciones notables de la banda británica, lograron rozar la perfección. Apoyados por recursos audiovisuales, dignos de los mismos Floyd, tejen una atmósfera que mezcla de manera precisa los elementos distintivos del sonido floydiano. Sin volverse locos, y limitándose a tocar, su show alcanza altura rápidamente. Los cinco músicos y las dos coristas se lucen dentro de su respectiva área. Ha saber quienes son: Alejandro Garrido (voz y guitarra), Marcelo Segovia (batería y producción), Sebastián Muñoz (bajo), Felipe Abrigo (teclados), Rodrigo Novoa (guitarra) y Karen - Francisca (coros).

Mención aparte merece la notable interpretación del disco “Dark side of the moon” de manera integra. En esas canciones se notó todo el profesionalismo y entrega de la banda. La lealtad hacia el sonido original es algo que no se les escapa de las manos. Al contrario, tienen bajo control todo el concepto. Nada es dejado al azar por Brain Damage. Se preocupan hasta de los mínimos detalles. Más adelante, en este mismo espacio virtual, redactaré más artículos sobre esta banda porque, y esto es verdad, producen la misma adicción que los originales Pink Floyd.Setlist de Brain Damage en la Escuela Moderna, 11 de octubre 2006:

-Shine on your Crazy Diamond (Wish you were here, 1975)

-The Dark Side of the Moon (1972, interpretaron el disco completo)

-In the Flesh (The Wall, 1979)

-Another brick in the wall, parte 1(The Wall, 1979)

-The happiest days of our lives (The Wall, 1979)

-Another brick in the wall, parte 2 (The Wall, 1979)

-Welcome to the Machine (Wish you were here, 1975)

-One of these days (Meddle, 1971)

-Learning to fly (A Momentary lapse of reason, 1987)

-Pigs (Three different ones) (Animals, 1977)

-Comfortably Numb (The Wall, 1979)

-Run like hell (The Wall, 1979)

HOMENAJE A LOS JAIVAS: Rock Folclórico al Estilo XXI

Alejandro Lobos.
¿Qué sucedería si en una juguera agregamos hip-hop, una pizca de guitarrista rápido y talentoso, tecno, balada, rock latino old school, punk, electrónica, funk entre otros condimentos, bajo el amparo del Rock Folclórico Progresivo? ¿Cuál sería el resultado?

Pues bien, lo que se hace y logra en este disco de Homenaje a Los Jaivas es precisamente eso. Mezclar un abanico de estilos y ritmos bajo el amparo de una de las bandas más importantes de la música chilena, (si es que no es la más), Los Jaivas. La lista de músicos es variada, desde Makiza, hasta el guitarrista Alejandro Silva, pasando por Alvaro Henríquez, Sinergia, entre muchos otros. Cada uno de ellos eligió un tema que los haya marcado de la extensa discografía de 16 discos de Los Jaivas.

A grosso modo, este disco tiene grandes aportes a la visión que todo Jaivista tiene dentro de sí. Las versiones que cada músico o banda realiza, demuestran una visión especial de esta histórica banda ahora, en el siglo XXI.

Si bien algunos covers no muestran una concepción tan nueva o innovadora (Vergüenza Ajena, Sube a Nacer Conmigo Hermano), el balance que queda en el sentimiento generado es que esta banda puede reinventarse muchas veces y la esencia se mantiene (Corre que te Pillo, Dónde estabas tú?, La Conquistada, etc).

Cuando uno escucha "Homenaje a Los Jaivas", se producen sentimientos encontrados. Por un lado la curiosidad que produce el escuchar canciones de la importancia de la de Los Jaivas, contra el miedo de que "la caguen". Si bien en el disco pasa esto último (Rock Hudson y Alvaro Henríquez), son mayores los puntos positivos: Alejandro Silva se luce como pocas veces se le ha visto, Makiza me sorprende con una interesante versión al igual que la de Los Miserables y la de Mambotur.

Así, en resumidas cuentas, tenemos un buen disco. Pese al batido heterogéneo de los tributantes, este homenaje tiene varias sorpresas… y decepciones. Recomiendo escucharlo, no es plata perdida. Ojo que no se va a encontrar con versiones al callo, más que una o dos. Pero el tributo y homenaje que se le rinde a la más grande banda del rock chileno es bien sólido y agradable.

THOM YORKE: Un paso en falso.

Francisco Quevedo.

Thom Yorke es un mutante para el resto de la sociedad. Con pinta de borracho malas pulgas y con cara de drogadicto, se sale de cualquier esquema. Su música sigue esa misma línea. La voz de Radiohead acaba de lanzar su esperado disco debut. Vamos por parte. Muchos creyeron que iba a ser más de lo mismo. Casi le dan al blanco. Otros, en tanto, creyeron que sería una explosión de creatividad desbordada. No están equivocados, pero tampoco le apuntan.

“The Eraser” (2006) sigue el camino de los últimos trabajos de Radiohead. Los que creían que esta placa era el "nuevo Kid A" caen en una falacia enorme porque si -el disco se asemeja a "Kid A" (2000) en algunos elementos- pero nunca logra superarlo. Repito: nunca. Los sonidos se refugian en esa electrónica dopante que tanto le gusta a Yorke y que es capaz de transportar a las personas a estados indescriptibles. Ese es el gran plus que tiene el disco. Es un trabajo conceptual y característico de la mente de Yorke. Sin embargo, se queda en eso; porque en general es plano. No existen elementos que alteren la línea del disco. Es demasiado parejo y no hay emoción salvo honrosas excepciones. En ese sentido, el álbum es débil. Además, y esto puede ser decidor, el disco no logra desmarcarse del sello Radiohead, por lo tanto no tiene una identidad definida. Perfectamente podría ser lo nuevo del quinteto británico.

Sin dudas, se esperaba más de este trabajo. Había expectativa. Yorke cargaba con la mochila de Radiohead, la cual no logró sacarse de encima. No fue capaz de superar eso. Hay tracks que se destacan, pero no alcanzan a elevar a los demás. Si uno es fanático de los discos para reposar después de una caña veraniega, esta placa podría venir bien. Por el contrario, si se busca un disco dinámico, mejor vaya al rescate del “The Bends” (1995) de Radiohead y dese por pagado. Quiero dejar claro que no doy por muerto a “The Eraser”. Nada más creo que es como un corredor que se quedó a medio camino en una carrera o que tropezó con una valla y que, pese a la caída, el corredor asumió el desafío. Exactamente eso pasó con Yorke. Demostró que es un ser humano.

MECÁNICA POPULAR (acústico): La voz se vuelve un hilo de cristal.

Alejandro Lobos.

Aquella noche de jueves llovía mucho, y estaba muy frío. Pero eso no fue razón suficiente para que La Batuta no se llenara. La entrada era barata y con ella tenías derecho a un cover, lo mío, cerveza; y lo de mi vieja, Ron-cola. Sí, mi vieja, hace mucho que no iba con ella a una tocata. Y en verdad fue genial.La hora de comienzo estaba fijada para las 11 p.m. Pero como estamos en Chile y las horas fijadas son una mera recomendación, empezó a las 00:00. Pero ya nada importaba, estaba sonando "El sol a veces se equivoca" del disco Fatamorgana. Mecánica Popular ya estaba tocando.

Con un gran sonido, los cuatro miembros oficiales dividieron el show en varios bloques: comunista, romántico, rockero, etc. “Pensamos en traer los cellos y contrabajos, pero nos miramos y dijimos: a la mierda! Vamos nosotros cuatro, pero tocamos hasta que no demos más”. Esa era la consigna. Y vaya que si la cumplieron. Eran las 02:30 y seguían tocando, ya habían mandado al carajo las guitarras acústicas y con las eléctricas continuaron con el show.

Los éxitos pasaron uno tras otro, mientras uno se sorprendía de la capacidad vocal de Manuel, del estado físico de Marcos (batero), la impecable ejecución de Diego (guitarra líder) y las idas y venidas de Mario (bajista). Recorriendo éxitos de sus tres discos (Fatamorgana, La Casa de Asterión y Mecánica Popular) además de una hermosa interpretación de Plegaria del Labrador de Víctor Jara y una especie de Instrumedley en la cual se podían reconocer extractos de varias canciones, como Aqualung, Amor Americano, entre otras; la banda nos mostró su buen oficio.

La Batuta no daba más, habían sido 2 horas 45 minutos de una exhibición de empatía, gozo, y buena música. Una presentación sólida de un grupo al que yo conozco desde hace bien poco. Me dejó con una gran sensación de felicidad y agrado. Mecánica Popular es una banda suave, de rock tranquilo, pero comprometido. Letras hermosas y agudas. Un grupo que, sinceramente, vale la pena.

VÍCTOR JARA: Tributo rock "Música y poesía".

Rodrido Damiani.
Este disco fue editado el año 2002 y no fue sólo hasta un par de semanas que llegó a mi poder, fue una gratísima sorpresa. Jamás pensé que la poesía musical de Víctor Jara podría ser traspasada de tan buena forma a canciones de rock. Para los que me conocen bien saben que no soy un gran fanático de Jara, por lo que considere un desafió escuchar el disco y comprender esta poesía de la que tanto me habían hablado, y fue gracias a este disco tributo que empecé a disfrutar la música del homenajeado.

Al escuchar los tributos, me comenzaron a llamar la atención las letras, y empecé a imaginármelas cantadas por el músico criollo. Fue ahí cuando descubrí las versiones originales de Víctor Jara y fui comprendiendo cada vez mejor el mensaje que buscaba entregarnos en vida.En este disco encontramos la participación de distintas bandas de diferentes estilos y de distinta procedencia. Lo más curioso es que en el tributo participaron más bandas extranjeras que nacionales, por Chile sólo se apuntaron cuatro bandas : Los Miserables, La Floripondio, Mecánica popular y La Pozze latina. Por Argentina se sumaron Attaque 77, Pedro Aznar, Boom Boom Kid(banda del vocalista de Fun People), y por España los invitados son Reincidentes y Ska-P, por último destaca Ratos de Poraos por Brasil. gracias al sello Alerce por la iniciativa.

Según mi humilde opinión las bandas nacionales se roban la película, destacándose de manera excepcional la canción tributada por Los Miserables “Mobil Oil Special”, donde nos cuentan una gran aventura vivida por Víctor Jara y de que forma, inyectándole el sello propio de la banda, realmente una canción muy entretenida. Lo que más aprendí de este disco es que el prejuicio musical que tienen las personas, tiene que ser de una vez por todas derribado, ya que si hubiese seguido con mi prejuicio, jamás hubiera disfrutado a una leyenda como lo fue Víctor Jara, gracias por entregarnos tu música y poesía , esta sin duda perdurará por siempre.

COLDPLAY: ¿Qué es?